Arte

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Para outros significados vede «Arte (desambiguació)».

Acima: Autoretrat de Vincent vão Gogh e um Chokwe, uma estátua africana.
A baixo: Um leão Shisa japonês, e um detalhe de O nascimento de Vénus de Sandro Botticelli.

A arte é o processo ou o produto deliberat da organização dos elementos numa forma que apela aos sentidos e às emoções. Abarca uma ampla gamma de actividades humanas, de criações, e de maneiras de exprimir-se, campos onde se inclui entre de outros, a música, a literatura, o cine, o escultura e a pintura. O significado da arte é explorada num ramo da filosofia conhecida como estética.

A definição e avaliação de arte já chegada a ser especialmente problemàtica com as inovações introduzidas a partir do século XX. Richard Wollheim distingue três enfoques:^[1]

o realista, no que a qualidade estética pode ser um valor absoluto independente de qualquer ponto de vista humano;
o objectivo, que apesar que é um valor absoluto, também depende da experiência humana;
a relativista, segundo o qual não é um valor absoluto, senão que depende e varia com a experiência humana conforme com a diversidade dos seres humanos.

Um objecto pode ser caracterizado pelas intenções do seu criador, ou pela ausência delas, independentemente do seu propósito aparente. Uma xícara, que aparentemente pode ser usada como um recipiente, pode ser considerada uma obra de arte se se destina exclusivamente como um adorn, enquanto que um quadro também pode ser considerado arte se se fabrica em série.

Tradicionalmente, o conceito de arte foi utilizada para se referir a qualquer habilidade ou mestratge. Esta concepção mudou durante o período romântico, quando a arte chegou a ser visto como "uma faculdade especial da mente humana para ser classificats ao lado da religião e a ciência".^[2] Em general, a arte faz-se com a intenção de estimular os pensamentos e as emoções.

A natureza da arte foi descrito por Richard Wollheim como "um dos mais difíceis dos problemas tradicionais da cultura humana".^[3] definiu-se como um veículo para a expressão ou a comunicação de emoções e ideias, um meio para explorar elementos formais que aprecia pelo seu próprio bem, e como mimesi ou representação.^[4] Leão Tolstoi identificava a arte como um uso de meios indirectes porque comunicasse-se uma pessoa com outra.^[4] Benedetto Croce e R.G. Collingwood promulguen a visão idealista que a arte exprime emoções, e que a obra de arte, pois, essencialment, existe na mente do criador.^[5]^[6] A teoria da arte como forma tem as suas raízes na filosofia de Immanuel Kant, e foi desenvolvida no século XX por Roger Fry e Clive Belo.^[4] A arte como mimesi ou representação tem profundas raízes na filosofia de Aristóteles.^[4] Mais recentemente, os pensadors influídos por Martin Heidegger interpretaram a arte como o meio pelo qual uma comunidade desenvolve por si mesma um meio para a expressão e a interpretação.^[7]

Arte e Belas Artes

A Gioconda de Leonardo da Vinci (1503 - 1505)

A arte é a aplicação da habilidade e do gust à produção de uma obra segundo princípios estéticos. O conceito de Arte vai associat ao conceito de obra de arte.

Também a arte é o acto ou a faculdade mediante a qual o homem imita ou exprime e cria copiant ou fantasiejant, aquilo que é material ou immaterial, usando a matéria, a imagem, o som, a expressão corporal, ou, simplesmente, incitando a imaginació de altri.

E também, a arte é o conjunto das Belas Artes ou cadascuna delas. As seis Belas Artes são: a poesia, a arquitectura, a escultura, a pintura, a música e a dansa. A arquitectura, a escultura e a pintura constituem o grupo das artes plásticas. São geralmente aceitadas também as seguintes artes: o sétimo, o cine, o oitavo, fotografa-a, e a nona arte, o còmic.

Origem e categorització temporária

Vista do Palácio Aguilar onde se descobriram o 1960 umas pinturas ao fresco datadas entre 1285 e 1290. Actualmente o Palácio Aguilar é seu do Museu Picasso à rua Montcada de Barcelona e as pinturas são ao MNAC.

A palavra arte vem do latino ars que significava ofici, conhecimento técnico ou habilidade na realização de uma tarefa tanto manual como intelectual. Ars era a tradução latina do termo grego, tecné, que evoluiu restringindo o seu significado no sentido de técnica .

O conceito arte é ocidental e evoluiu adoptando diferentes significados segundo a época e a concepção filosòfica. A ocidente opinou-se que era e que não era susceptível de ser denominado arte. Aquilo que num momento foi considerado como bárbaro no sentido de alheio e não civilitzat depois entrou às vitrines dos museus, sobretudo a partir do século XIX. Com frequência ocidente variou a utilidade dos produtos que considerou artísticos. Os museus descontextualitzen estas "obras de arte", não só às obras que se tinham considerado foranies como uma máscara da África subsaariana senão às obras próprias como os murals de igrejas romàniques em museus modernos. Objectos que anteriormente tinham uma função ritual, mística ou religiosa passam a ser objectos analisados, estudados ou admirados. Com freqüência, é a própria descontextualització a que permite ver o objecto como artístico.

À França do século XVIII, o salão comporta um fenómeno que acontecerá imparable: a obra de arte fica desvinculada dos mecenes tradicionais, o aristocràcia e a igreja; a cada golpe mais, será o artista quem decida o conteúdo e a forma das suas criações.

Naquele tempo escreveram-se três livros que se consideram os fundacionals das três disciplinas que dispõem por objecto de estudo a arte:

Johann Joachim Winckelmann, História da arte à antiguitat, 1764; pelo que faz a história da arte
Denis Diderot, Salões, 1759 - 1781; pelo que faz a crítica da arte
Alexander Baumgarten, Estética, 1750 -1758; pelo que faz a estética

Tomando como motivo de estudo os objectos dos artistas ocidentais, Tatarkiewicz sustenta que a arte experimenta uma transfiguració radical que se inicia ao século XIX e nos traz ao estado actual. Em primeiro lugar tinha uma arte conformista que pretendia elaborar objectos belos mais que inovadores e estes não pretendiam molestar ao espectador senão obter a sua aprovação. Depois deste processo procurar-se-á a inovação e a provocação ante a beleza ou o consenso.

Continuando a tese de Tatarkiewicz, até chegar à arte actual passaram-se diferentes etapas: o momento do artista rebelde Poe e Vão Gogh são artistas que actuam contra o gust estabelecido e de maneira individual; no momento do artista militando, os artistas organizam-se em grupos como os simbolistes ou os impressionistes mas também não conseguem uma aceitação pública; ao século XX consegue-se a vitória das avantguardes, o artista é aquele que vai para além do gust estabelecido, porque divisa o que tem de vir. O surrealisme e o futurisme conseguem o clímax desta situação.

Já fora da tese de Tatarkiewicz e desprendido da Segunda Guerra Mundial, o peso artístico da arte ocidental se desloca aos Estados Unidos. As avantguardes multiplicam-se e o artista consegue um alto grau de liberdade. A crítica é um factor essencial pela valoração de uma obra de arte, mas impera o domínio dos meios de comunicação. A arte mais que nunca é um objecto mercantil.

Funções da arte

Claude Lévi-Strauss distingue entre funções motivadas e não motivadas da arte:

Funções não motivadas
- Instinto de harmonia e equilíbrio: baseando-se no conceito de Aristóteles de mímesi ou imitació, afirma-se que a arte procura a harmonia como parte do instinto humano
- Experimentació do mistério da vida ou do poder criador
- Expressão da imaginació
- Comunicação universal acima das diferenças da cada cultura
- Funções rituals e simbólicas, como toda a arte religiosa

Funções motivadas
- Comunicação pessoal do artista
- Entretenimento
- Mudança política ou social: historicamente sempre tem coexistit o artista comprometido, que vê a sua obra como um meio para mudar a realidade ou modificar a consciência, e o artista que acha que a arte é autónoma
- Arte como terapia
- Arte como subversió, como o graffiti
- Arte para a propaganda ou publicidade

Arte e estética

Segundo Arnold Hauser, as «obras de arte são provocações com as quais polemitzem mais que não no-las explicamos. interpretamo-las conforme com as nossas próprias finalidades e aspirações, transladamo-los um sentido, a origem do qual está nas nossas formas de vida e hábitos mentais. Nós, de toda arte com o qual temos uma relação autêntica fazemos uma arte moderna».

Hoje dia, a arte estabeleceu um conjunto de relações que permitem englobar dentro uma sozinha interacção a obra de arte, o artista ou criador e o público receptor ou destinatari. Hegel, na sua Estética, tentou definir a transcendència desta relação todo dizendo que «a beleza artística é mais elevada que a beleza da natura, já que muda as formas il·lusòries deste mundo imperfet, onde a verdade se esconde detrás as falsas aparências para conseguir uma verdade mais elevada criada pelo espírito».

Procurar a verdade última as aparências !, pode ter uma finalidade mais elevada e encisadora ?. A arte acontece assim o perllongament da acção, já que não trata de imitar ou de reproduzir, senão que traduz uma realidade metasensible todo pondo o espiritual dentro a experiência quotidiana.

A arte é também um jogo com as aparências sensíveis, as cores, as formas, os volumes, os sons, etc. É um jogo gratuito onde se cria do não nada, ou de pouco mais que o não nada. Uma aparência que não pretende outra coisa que nos enganar. É um jogo plaent que satisfaz as nossas necessidades eternas de simetria , de ritmo ou de surpresa . A surpresa que Charles Baudelaire considerava como a origem da poesia. Assim, segundo Kant, o prazer estético deriva menos da intensidade e a diversidade de sensações que da maneira, em aparência espontània, pela qual elas manifestam uma profunda unidade, sensível no seu reflex, mas não conceptualitzant.

Pelo professor Sir Ernst Gombrich, «A arte, em realidade não existe. Tão só há artistas.». Mais adiante, na introdução da sua obra The Story of Arte diz-nos que «não há nada de mau em que nos deleitamos no quadro de uma paisagem porque nos recorda a nossa casa ou num retrat porque nos recorda um amigo, já que como homens que somos, quando olhamos uma obra de arte o fazemos submetidos à lembrança de uma multidão de coisas que por bem ou por mau influem sobre os nossos gustos».

Seguindo o mesmo Gombrich, veremos como os artistas também os sucede uma coisa semelhante: no retrat do seu filho Nicolau, o pintor flamenc Rubens o representou belo já que seguramente se sentia orgulhoso do aspecto do menino e queria transmitir a sua paixão de pai ensems que de artista; no retrat da sua mãe, Albrecht Dürer desenhou-a com a mesma devoció e amor que Rubens sentia pelo seu filho, mas aqui se pode ver um estudo fiel da cara cheia de inquietudes de uma mulher velha, não há beleza natural mas Dürer, com a sua enorme sinceridade, criou uma grande obra de arte.

As obras de arte podem explicar histórias ou simplesmente exprimir uma verdade estética ou sentimento. Panorama de Along the River During Qingming Festival (Ao longo do rio durante o Festival Qingming), uma reprodução do século XVIII a partir do original do século XII.

Historiografia da arte

Idade Antiga

Antiga Grécia

À antiga Grécia: a palavra Τεχνη (techne) significa saber fazer algo. O termo faz referência à capacidade humana para fazer qualquer objecto. A capacidade é a consciência das habilidades e de regras ou técnicas a empregar. Inicialmente o termo techne aplicou-se às habilidades manuals e às artes industriais. Segundo Plató o termo é aplicable à pintura, o bordado, a construção de barcos, etc. Aristóteles fala já de técnicas intelectuais como a oratòria. O ambigüitat do termo grego é tal que quando Plató queria se referir à grande arte fazia questão de que este não é produto de uma técnica aprendida (techne) senão da inspiração. Por Plató, a origem da arte está no mito, o culto e as cerimónias rituals.

Os primeiros escritos com especulações filosòfiques sobre a arte e a sua essència procedem dos antigos gregos, aos quals também se devem os primeiros tratados de técnica e de perceptiva como o Cànon de Policlet e outras obras. No século IV aC Dures de Samos iniciou o género das biografies de artistas. No século III aC, Jenòcrates de Sicione e Antígon de Caristos expuseram um esquema histórico e crítico da pintura e a escultura em base aos critérios da mimesi aristotèlica, pela qual coisa apresentavam a evolução das artes como um avanço verso a perfecció que teve o seu ponto culminando com o escultor Lisip e o pintor Apelas. guia-las artísticas como a de Eliodor de Atenas e a Periegesis de Pausanias , ambas do século II aC, constituem uma das fontes principais de conhecimento da arte no mundo grego. Durante o período hel·lenístic iniciou-se a primeira classificação das artes em : artes comuns e artes liberais, segundo requeressem de umas habilidades associades com o esforço físico ou a um esforço intelectual.

Segundo a tradição, dantes de Plató, o matemático e filòsof grego Pitàgores ao fazer vibrar uma corda em tensão ou monocord observou como se produziam diferentes sons segundo a longitude desta. Ao descobrir que entre os sons e as longitudes da corda há uma relação, os pitagòrics construíram a primeira teoria musical. As fracções da longitude de uma determinada corda denominavam-se consonàncies: a oitava, a quarta, a quinta, etc, e as suas addicions ou multiplicacions. No sistema de consonàncies baseia-se de todo o sistema musical da cultura ocidental.

O conceito grego de harmonia, segundo o qual o Céu, a Terra, e o ser humano estão submetidos a uma mesma Lei, a do número, deu lugar a todo uma filosofia baseada no simbolismo e o misticisme dos números. Esta concepção cosmològica que estava em relação com a música e a matemática, foi uma referência fundamental da cultura à antiga Grécia, assim temos que : Orfeu encantava às ferozes com a sua música, Anfiò bastia a muralha de Tebes ao só da lira e Pitàgores dava a ética escolhendo os modos musicais apropriados para trazer ao espírito verso a catarsi, se a dizer, a purificació do corpo com a medicina e da alma com a música.

O mundo Latino

No mundo Latino: a palavra Ars, quer dizer : habilidade, ofici, conhecimento da técnica; como vemos, é um conceito praticamente calcat do grego tecne. No mundo latino perdurà o conceito de Aristóteles e com o termo ars designava-se as artes liberais. De igual forma os romanos consideram ars : a gramàtica, a lógica, a magia, a astrologia, e outras. Com o tempo, a evolução da raiz grega (techne) foi associada ao conhecimento científico enquanto que a raiz latina (Ars) se tem associat às humanidades.

À antiga Roma, a História Natural de Plini o velho, os Mirabila de Pasiteles no século E aC bem como outras obras, contribuíram a difundir as teories histórica-críticas dos filòsofs gregos que no período hel·lenístic estabeleciam que Fídies representou a cimeira do seu passado artístico. Pensadors romanos como Ciceró, Quintilià e outros, formularam observações críticas de interesse sobre o escultura e a pintura mas, em conjunto, a contribuição da antiga Roma à historiografia da arte rau na descrição das obras e a transmissão das notícias e os conhecimentos segundo os precedentes gregos perdidos.

Na arquitectura, os romanos desenvolveram a sua própria técnica bem como uma estética baseada nos ordens clássicos inspirada, em parte, na arquitectura grega clássica. O famoso tratado Os Dez Livros de Arquitectura de Vitruvi foi o primeiro resum de teoria e prática da arquitectura grecoromana. A importância do tratado de Vitruvi rau no fato de ser o único de arquitectura antiga que nos chegou de forma íntegra. Vitruvi foi um arquitecto de segundo nível que exerceu na época da República Romana, a sua teoria é bastante conservadora e não tem em conta as inovações da época imperial. O paradoxo é que este tratado mediocre foi chave na renovação arquitectònica do Renaixement.

Idade média

À idade média as «artes comuns» voltar-se a valoritzar-se, se denomina-as como «artes mecânicas», mas continuarão tendo um papel subaltern respeito das «artes liberais». A poesia não era incluída no âmbito conceptual da arte, já que um poeta era considerado um bard que composava os versos inspirado por Deus .

Durante a baixa idade média o artista individual começa a ter consideração social, os artistas começam a assinar as obras e alguns deles se fazem autoretrats nas suas obras como a escultor Peter Parler que fez um bust dele mesmo numa das trazes da catedral de Praga.

Durante a idade média, apesar escreveram-se algumas guias para peregrinos com descrições sobre os tesouros das igrejas e dados sobre monumentos e objectos artísticos, a tradição historiogràfica da antiguitat clássica se interrompeu. Em forma isolada e marginal, o pensamento medieval sobre as artes e a sua natureza aparece em obras que polemitzen contra as correntes imperants, o mais destacado dos quals foi a crítica da arte Romànic por Santo Bernat, que chegou a influir na evolução da arquitectura gòtica com o denominado estilo do císter, uma arquitectura sem ornamentació, onde a amplada ganha em detriment a alçada de de as naves das igrejas.

A música tem a sua própria história: A obra de Boeci (480 - 525), «De institutione música», estendeu a sua influência nos séculos da alta idade média. Neste compendi de todos os conhecimentos musicais do antiguitat, desde um ponto de vista matemático especulativo se definia a música como uma ciência, não como uma arte. A classificação segundo o modelo pitagòric em música mundana, música humana e música instrumental foi comum durante este período.

O Papa Gregori E (540 - 604), juntamente com outros papas anteriores ou posteriores (apesar a tradição só o senyala a ele), renovou o canto litúrgic. O documento «Ordini romani» encontrado no Monestir de Saint Gail num manuscrito do século IX, descreve o cerimonial romano desde o século VI ao IX, e nele se atribui ao conjunto de papas, encabeçados pelo citado Gregori E, ter organizado o ciclo de cantos por todo o ano. O denominado canto gregorià, foi assim, o primeiro conjunto sistémico de música e o preludi da notació musical actual.

Balbulus Notker (830 - 912) e Hucbald de Saint Amand (840 - 931) usaram as sede primeiras letras da alfabet latino para distinguir os sons fundamentais. Nuns anos mais tarde, o monge benedictí Guido de Arezzo (995 - 1050), resumiu todas as contribuições e experiências anteriores e resolveu o problema que supunha a denominació dos sons e a fixació da sua alçada. O nome das sete notas musicais, nos países latinos, deriva da famosa carta ao monge Miquel que citamos:

Se queres imprimir à memória um som ou um grupo de sons que podes encontrar num canto qualquer - que te seja ou não conhecido -, é necessário que notes e recordes bem o tom inicial da cada só que queres aprender de memória; por exemplo, este canto do qual eu me'n sirvo para ensinar aos moço:

«Ut queant laxis»

«Resonare fibris»

«Mimra gestorum»

«Fazmuli tuorum»

«Sozinhovem polluti»

«Abii reatum»

«Sancte Eoanes»

Excepto em França , Ut transformou-se em Dom aos países latinos, enquanto que ao Europa Central se manteve, com algumas mudanças, a notació alfabètica.

Idade Moderna

Autorretrat, Azeite 1498, (52 x 41 cm), Albrecht Dürer, (Nuremberg, 1471 - 1528), Museu do Prado, Madri. Albrecht Dürer foi o primeiro artista que ousou autorretratar-se, já que dantes dele chefe outro considerou a própria figura bastante interessante para ser pintada.

Durante o Trecento em Itália , as alusões de Dant a Cimabue e a Giotto, ou as de Petrarca a Simone Martini constituem o preludi do Renaixement. Durante o Quattrocento florentí formulou-se uma teoria e uma historiografia conforme com a nova prática e mentalidade artística. gero-o das «biografies de artistas», esquecido desde a antiguitat clássica volta-se a cultivar : Cenino Cennini com o seu Libro dell Arte, os Comentário de L. Ghiberti e, sobretudo, os tratados Da Pintura e Da Arquitectura de L. B. Alberti, são a testemunha mais eloqüent da profunda renovação que o Renaixement trouxe no plano da literatura artística. Leonardo da Vinci no Cinquecento continuou esta tradição teòrica com os seus escritos e tratados.

As Vidas (1550) de Giorgio Vasari constituem uma obra fundamental que exerceu uma enorme influência em toda a historiografia da arte que se desenvolve posteriormente. As Vidas contribuem uma visão de conjunto sobre o Renaixement com matisacions e precisões críticas que definem os artistas e as suas obras.

No Renaixement é generalizou o reconhecimento público dos artistas. A arte se separou da ciência e do artesanato enquanto a posição social dos melhores artistas melhorou notavelmente.

Ao século XVIII a filosofia começa a falar da arte no sentido em que hoje é entendido com novas elaborações teòriques que consagram a diferença entre arte e técnica.

Se até bem entrada a Idade Moderna não se consolida um termo como Belas Artes, nem existem instituições específicas, como a Académie des Beaux-Artes do Instituto de France é porque até então não se apreciavam as actividades artísticas como uma coisa independente. A partir dos românticos considera-se que há uma raiz comum a todas as actividades artísticas. Este ponto de vista, que é o dominante na actualidade, não exclui, senão que acentua a ambigüitat própria do termo Arte, já que este designa objectos e actividades tão vários como : uma tumba etrusca, uma igreja romànica, uma pintura rupestre, um duet musical, um poema de amor, uma dansa popular, um gerro, um filme dos irmãos Marx etc.

Idade Contemporânea

A classe de dansa, Azeite sobre tela 1875, (85 x 75 cm.). Edgar Degas (Paris 1834 1917). Museu de Orsay. Paris

Referências

↑ Wollheim (1980), op. cit. Essay VINHO, pp. 231-39.
↑ Gombrich, Ernst. "Press statement onde The Story of Arte". The Gombrich Archive, 2005. Consultado o 18 de janeiro de 2008.
↑ Richard Wollheim. Arte and its objects, p. 1, 2ª edição, 1980, Cambridge University Press, ISBN 0521 29706 0
↑ ^4,0 ^4,1 ^4,2 ^4,3 Jerrold Levinson, The Oxford Handbook of Aesthetics, Oxford university Press, 2003, p5. ISBN 0-19-927945-4
↑ Jerrold Levinson. The Oxford Handbook of Aesthetics, Oxford university Press, 2003, p. 16. ISBN 0-19-927945-4
↑ Ponto de vista de R.G. Collingwood, exprimido à obra The Principles of Arte. Vede Wollheim, op. cit., 1980 pp. 36-43
↑ Martin Heidegger. "The Origin of the Work of Arte". A Poetry, Language, Thought, (Harper Perenniel, 2001). Vejais também Maurice Merleau-Ponty, "Cezanne's Doubt", a The Merleau-Ponty Aesthetics Reader, Galen Johnson e Michael Smith (eds), (Northwestern University Press, 1994) e John Russon, Bearing Witness tom Epiphany, (State University of New York Press, 2009).