Arte

Arte

arte - Wikilingue - Encydia

Alegoria da arte (1690-1694), de Sebastiano Ricci.

A arte (do lat. ars, artis, e esta sobreposição do gr. τέχνη)^[1] é entendido geralmente como qualquer actividade ou produto realizado pelo ser humano com uma finalidade estética ou comunicativa, através do que expressa ideias, emoções ou, em general, uma visão do mundo, mediante diversos recursos, como os plásticos, linguísticos, sonoros ou mistos.^[2] A arte é um componente da cultura, refletindo em sua concepção os sustratos económicos e sociais, e a transmissão de ideias e valores, inherentes a qualquer cultura humana ao longo do espaço e o tempo. Costuma-se considerar que com o aparecimento do Homo sapiens a arte teve em princípio uma função ritual, mágica ou religiosa, mas essa função mudou com a evolução do ser humano, adquirindo um componente estético e uma função social, pedagógica, mercantil ou simplesmente ornamental.

A noção de arte continua hoje em dia sujeita a profundas polémicas, dado que sua definição está aberta a múltiplas interpretações, que variam segundo a cultura, a época, o movimento, ou a sociedade para a qual o termo tem um determinado sentido. O vocablo ‘arte’ tem uma extensa acepción, podendo designar qualquer actividade humana feita com esmero e dedicação, ou qualquer conjunto de regras necessárias para desenvolver de forma óptima uma actividade: fala-se assim de arte culinario”, “arte médica”, “artes marciales”, “artes de arraste” na pesca, etc. Nesse sentido, arte é sinónimo de capacidade, habilidade, talento, experiência. No entanto, mais comummente costuma-se considerar à arte como uma actividade criadora do ser humano, pela qual produz uma série de objectos (obras de arte) que são singulares, e cuja finalidade é principalmente estética. Nesse contexto, arte seria a generalização de um conceito expressado desde antanho como “belas artes”, actualmente algo em desuso e reduzido a âmbitos académicos e administrativos. De igual forma, o emprego da palavra arte para designar a realização de outras actividades tem vindo sendo substituído por termos como ‘técnica’ ou ‘oficio’. Neste artigo trata-se de arte entendido como um médio de expressão humano de carácter criativo.

Conceito

A definição de arte é aberta, subjetiva, discutible. Não existe um acordo unânime entre historiadores, filósofos ou artistas. Ao longo do tempo deram-se numerosas definições de arte, entre elas: «a arte é o recto ordenamento da razão» (Tomás de Aquino); «a arte é aquilo que estabelece sua própria regra» (Schiller); «a arte é o estilo» (Max Dvořák); «a arte é expressão da sociedade» (John Ruskin); «a arte é a liberdade do génio» (Adolf Loos); «a arte é a ideia» (Marcel Duchamp); «a arte é a novidade» (Jean Dubuffet); «a arte é a acção, a vida» (Joseph Beuys); «arte é todo aquilo que os homens chamam arte» (Dino Formaggio). O conceito tem ido variando com o passo do tempo: até o Renacimiento, arte só se consideravam as artes liberais; a arquitectura, a escultura e a pintura eram “manualidades”. A arte tem sido desde sempre um dos principais meios de expressão do ser humano, através do qual manifesta suas ideias e sentimentos, a forma como se relaciona com o mundo. Sua função pode variar desde a mais prática até a ornamental, pode ter um conteúdo religioso ou simplesmente estético, pode ser duradouro ou efémero. No século XX perde-se inclusive o sustrato material: dizia Beuys que a vida é um médio de expressão artística, destacando o aspecto vital, a acção. Assim, todo mundo é capaz de ser artista.

O termo arte procede do latín ars, e é o equivalente ao termo grego τέχνη (téchne, de onde prove ‘técnica’). Originalmente aplicava-se a toda a produção realizada pelo homem e às disciplinas do saber fazer. Assim, artistas eram tanto o cocinero, o jardineiro ou o construtor, como o pintor ou o poeta. Com o tempo a derivação latina (ars -> arte) utilizou-se para designar às disciplinas relacionadas com as artes do estético e o emotivo; e a derivação grega (téchne -> técnica), para aquelas disciplinas que têm que ver com as produções intelectuais e de artigos de uso.^[3] Na actualidade, é difícil encontrar que ambos termos (arte e técnica) se confundam ou utilizem como sinónimos.

Evolução histórica do conceito de arte

Na antigüedad clássica grecorromana, uma dos principais berços da civilização ocidental e primeira cultura que reflexionou sobre a arte, se considerava a arte como uma habilidade do ser humano em qualquer terreno produtivo, sendo praticamente um sinónimo de ‘destreza’: destreza para construir um objecto, para comandar um exército, para convencer ao público em um debate, ou para efectuar medidas agronómicas. Em definitiva, qualquer habilidade sujeita a regras, a preceitos específicos que a fazem objecto de aprendizagem e de evolução e perfeccionamiento técnico. Em mudança, a poesia, que vinha da inspiração, não estava catalogada como arte. Assim, Aristóteles, por exemplo, definiu a arte como aquela «permanente disposição a produzir coisas de um modo racional», e Quintiliano estabeleceu que era aquilo «que está baseado em um método e uma ordem» (via et ordine).^[4] Platón, no Protágoras, falou da arte, opinando que é a capacidade de fazer coisas por médio da inteligência, através de uma aprendizagem. Para Platón, a arte tem um sentido geral, é a capacidade criadora do ser humano.^[5] Casiodoro destacou na arte seu aspecto produtivo, conforme a regras, assinalando três objectivos principais da arte: ensinar (doceat), comover (moveat) e comprazer (delectet).^[6]

Alegoria da pintura (1666), de Johannes Vermeer.

Durante o Renacimiento começou-se a gestar uma mudança de mentalidade, separando os oficios e as ciências das artes, onde se incluiu pela primeira vez à poesia, considerada até então um tipo de filosofia ou inclusive de profecia –para o que foi determinante a publicação em 1549 da tradução italiana da Poética de Aristóteles–. Nesta mudança influiu uma melhora na situação social do artista, devida ao interesse que os nobres e ricos prohombres italianos começaram a mostrar pela beleza. Os produtos do artista adquiriram um novo estatus de objectos destinados ao consumo estético e, por isso, a arte se converteu em um médio de promoção social, se incrementando o mecenazgo artístico e fomentando o coleccionismo.^[7] Surgiram nesse contexto vários tratados teóricos a respeito da arte, como os de Leon Battista Alberti (De Pictura, 1436-1439; De re aedificatoria, 1450; e De Statua, 1460), ou Os Comentários (1447) de Lorenzo Ghiberti. Alberti recebeu a influência aristotélica, pretendendo contribuir uma base científica à arte. Falou de decorum , o tratamento do artista para adecuar os objectos e temas artísticos a um sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti foi o primeiro em periodificar a história da arte, distinguindo antigüedad clássica, período medieval e o que chamou “renacer das artes”.^[8]

Com o manierismo começou a arte moderna: as coisas já não se representam tal como são, senão tal como as vê o artista. A beleza se relativiza, passa da beleza única renacentista, baseada na ciência, às múltiplas belezas do manierismo, derivadas da natureza. Apareceu na arte um novo componente de imaginación , refletindo tanto o fantástico como o grotesco, como se pode perceber na obra de Brueghel ou Arcimboldo. Giordano Bruno foi um dos primeiros pensadores que prefiguró as ideias modernas: dizia que a criação é infinita, não há centro nem limites –nem Deus nem o homem–, tudo é movimento, dinamismo. Para Bruno, há tantas artes como artistas, introduzindo a ideia de originalidad do artista. A arte não tem normas, não se aprende, senão que vem da inspiração.^[9]

Os seguintes avanços fizeram-se no século XVIII com a Ilustração, onde começou a se produzir certa autonomia do facto artístico: a arte afastou-se da religião e da representação do poder para ser fiel reflito da vontade do artista, centrando-se mais nas qualidades sensíveis da obra que não em seu significado.^[10] Jean-Baptiste Dubos, em Reflexões críticas sobre a poesia e a pintura (1719), abriu o caminho para a relatividad do gosto, razonando que a estética não vem dada pela razão, senão pelos sentimentos. Assim, para Dubos a arte comove, chega ao espírito de uma forma mais directa e imediata que o conhecimento racional. Dubos fez possível a democratização do gosto, opondo à regulamentação académica, e introduziu a figura do ‘génio’, como atributo dado pela natureza, que está para além das regras.

O tribunal dos Uffizi (1772-1778), de Johann Zoffany.

No romantismo, surgido na Alemanha no final do século XVIII com o movimento denominado Sturm und Drang, triunfou a ideia de uma arte que surge espontaneamente do indivíduo, desenvolvendo a noção de génio –a arte é a expressão das emoções do artista–, que começa a ser mitificado.^[11] Autores como Novalis e Friedrich von Schlegel reflexionaram sobre a arte: na revista Athenäum, editada por eles, surgiram as primeiras manifestações da autonomia da arte, unido à natureza. Para eles, na obra de arte se encontram o interior do artista e sua própria linguagem natural.^[12]

Arthur Schopenhauer dedicou o terceiro livro do mundo como vontade e representação à teoria da arte: a arte é uma via para escapar do estado de infelicidade próprio do homem. Identificou conhecimento com criação artística, que é a forma mais profunda de conhecimento. A arte é a reconciliação entre vontade e consciência, entre objecto e sujeito, atingindo um estado de contemplación , de felicidade. A consciência estética é um estado de contemplación desinteresada, onde as coisas se mostram em sua pureza mais profunda. A arte fala no idioma da intuición, não da reflexão; é complementar da filosofia, a ética e a religião. Influído pela filosofia oriental, manifestou que o homem deve libertar da vontade de viver, do ‘querer’, que é origem de insatisfacción. A arte é uma forma de livrar da vontade, de ir para além do ‘eu’.^[13]

Richard Wagner recolheu a ambivalencia entre o sensível e o espiritual de Schopenhauer: em Ópera e drama (1851), Wagner propôs a ideia da “obra de arte total” (Gesamtkunstwerk), onde fá-se-ia uma síntese da poesia, a palavra –elemento masculino–, com a música –elemento feminino–. Opinava que a linguagem primitiva seria vocálico, enquanto a consonante foi um elemento racionalizador; por conseguinte, a introdução da música na palavra seria uma volta à inocência primitiva da linguagem.^[14]

No final do século XIX surgiu o esteticismo, que foi uma reacção ao utilitarismo imperante na época e à fealdad e o materialismo da era industrial. Em frente a isso, surgiu uma tendência que outorgava à arte e à beleza uma autonomia própria, sintetizada na fórmula de Théophile Gautier “a arte pela arte” (l'art pour l'art), chegando inclusive a se falar de religião estética”.^[15] Esta postura pretendia isolar ao artista da sociedade, para que procurasse de forma autónoma sua própria inspiração e se deixasse levar unicamente por uma busca individual da beleza.^[16] Assim, a beleza se afasta de qualquer componente moral, convertendo no fim último do artista, que chega a viver sua própria vida como uma obra de arte –como se pode apreciar na figura do dandy–.^[17] Um dos teóricos do movimento foi Walter Pater, que influiu sobre o denominado decadentismo inglês, estabelecendo em suas obras que o artista deve viver a vida intensamente, seguindo como ideal à beleza. Para Pater, a arte é “o círculo mágico da existência”, um mundo isolado e autónomo posto ao serviço do prazer, elaborando uma autêntica metafísica da beleza.^[18]

A oficina do pintor (1855), de Gustave Courbet.

Por outro lado, Charles Baudelaire foi um dos primeiros autores que analisaram a relação da arte com a recém surgida era industrial, prefigurando a noção de beleza moderna”: não existe a beleza eterna e absoluta, senão que a cada conceito do belo tem algo de eterno e algo de transitório, algo de absoluto e algo de particular. A beleza vem da paixão e, ao ter a cada indivíduo sua paixão particular, também tem seu próprio conceito de beleza. Em sua relação com a arte, a beleza expressa por um lado uma ideia “eternamente subsistente”, que seria a “alma da arte”, e por outro um componente relativo e circunstancial, que é o “corpo da arte”. Assim, a dualidad da arte é expressão da dualidad do homem, de sua aspiração a uma felicidade ideal enfrentada às paixões que lhe movem para ela. Em frente à metade eterna, ancorada na arte clássica antigo, Baudelaire viu na metade relativa a arte moderna, cujos signos distintivos são o transitório, o fugaz, o efémero e cambiante –sintetizados na moda–. Baudelaire tinha um conceito neoplatónico de beleza, que é a aspiração humana para um ideal superior, acessível através da arte. O artista é o “herói da modernidad”, cuja principal qualidade é a melancolia, que é o anseio da beleza ideal.^[19]

Em contraposição ao esteticismo, Hippolyte-Adolphe Taine elaborou uma teoria sociológica da arte: em sua Filosofia da arte (1865-1869) aplicou à arte um determinismo baseado na raça, o contexto e a época (race, milieu, moment). Para Taine, a estética, a “ciência da arte”, opera como qualquer outra disciplina científica, se baseando em parámetros racionais e empíricos. Igualmente, Jean Marie Guyau, nos problemas da estética contemporânea (1884) e A arte desde o ponto de vista sociológico (1888), propôs uma visão evolucionista da arte, afirmando que a arte está na vida, e que evolui como esta; e, ao igual que a vida do ser humano está organizada socialmente, a arte deve ser reflito da sociedade.^[20]

A estética sociológica teve uma grande vinculação com o realismo pictórico e com movimentos políticos de esquerdas, especialmente o socialismo utópico: autores como Henri de Saint-Simon, Charles Fourier e Pierre Joseph Proudhon defenderam a função social da arte, que contribui ao desenvolvimento da sociedade, aunando beleza e utilidade em um conjunto harmônico. Por outro lado, no Reino Unido, a obra de teóricos como John Ruskin e William Morris contribuiu uma visão funcionalista da arte: nas pedras de Veneza (1851-1856) Ruskin denunciou a destruição da beleza e a vulgarización da arte levada a cabo pela sociedade industrial, bem como a degradação da classe operária, defendendo a função social da arte. Na arte do povo (1879) pediu mudanças radicais na economia e a sociedade, reclamando uma arte “feita pelo povo e para o povo”. Por sua vez, Morris –fundador do movimento Arts & Crafts– defendeu uma arte funcional, prático, que satisfaça necessidades materiais e não só espirituais. Em Escritos estéticos (1882-1884) e Os fins da arte (1887) propôs um conceito de arte utilitario mas afastado de sistemas de produção excessivamente tecnificados, próximo de um conceito do socialismo próximo ao corporativismo medieval.^[21]

Representação do cascanueces, de Piotr Chaikovski.

Por outro lado, a função da arte foi questionada pelo escritor russo Lev Tolstoi: em Que é a arte? (1898) propôs-se a justificativa social da arte, argumentando que sendo a arte uma forma de comunicação só pode ser válido se as emoções que transmite podem ser compartilhadas por todos os homens. Para Tolstoi, a única justificativa válida é a contribuição da arte à fraternidad humana: uma obra de arte só pode ter valor social quando transmite valores de fraternidad, isto é, emoções que impulsionem à unificação dos povos.^[22]

Nessa época começou-se a abordar o estudo da arte desde o terreno da psicologia: Sigmund Freud aplicou o psicoanálisis à arte em Uma lembrança infantil de Leonardo dá Vinci (1910), defendendo que a arte seria uma das maneiras de representar um desejo, uma pulsión reprimida, de forma sublimada. Opinava que o artista é uma figura narcisista, próxima ao menino, que reflete na arte seus desejos, e afirmou que as obras artísticas podem ser estudadas como os sonhos e as doenças mentais, com o psicoanálisis. Seu método era semiótico, estudando os símbolos, e opinava que uma obra de arte é um símbolo. Mas como o símbolo representa um determinado conceito simbolizado, há que estudar a obra de arte para chegar à origem criativa da obra.^[23] Igualmente, Carl Gustav Jung relacionou a psicologia com diversas disciplinas como a filosofia, a sociologia, a religião, a mitología, a literatura e a arte. Em Contribuições à psicologia analítica (1928), sugeriu que os elementos simbólicos presentes na arte são imagens primordiais” ou “arquetipos”, que estão presentes de forma innata no “subconsciente colectivo” do ser humano.^[24]

Wilhelm Dilthey, desde a estética cultural, formulou uma teoria a respeito da unidade entre arte e vida. Prefigurando a arte de vanguardia, Dilthey já vislumbraba no final do século XIX como a arte se afastava das regras académicas, e como cobrava a cada vez maior importância a função do público, que tem o poder de ignorar ou engrandecer a obra de um artista determinado. Encontrou em todo isso uma “anarquía do gosto”, que achacó a uma mudança social de interpretação da realidade, mas que percebeu como transitório, sendo necessário achar «uma relação sã entre o pensamento estético e a arte». Assim, ofereceu como salvação da arte as “ciências do espírito”, especialmente a psicologia: a criação artística deve poder analisar-se baixo o prisma da interpretação psicológica da fantasía. Em Vida e poesia (1905) apresentou a poesia como expressão da vida, como ‘vivência’ (Erlebnis) que reflete a realidade externa da vida. A criação artística tem pois como função intensificar nossa visão do mundo exterior, o apresentando como um conjunto coerente e pleno de sentido.^[25]

Visão actual

Fonte, de Marcel Duchamp. No século XX supõe uma perda do conceito de beleza clássica para conseguir um maior efeito no diálogo artista-espectador.

No século XX tem suposto uma radical transformação do conceito de arte: a superação das ideias racionalistas da Ilustração e o passo a conceitos mais subjetivos e individuais, partindo do movimento romântico e cristalizando na obra de autores como Kierkegaard e Nietzsche, supõem uma ruptura com a tradição e uma rejeição da beleza clássica. O conceito de realidade foi questionado pelas novas teorias científicas: a subjetividad do tempo de Bergson , a relatividad de Einstein , a mecânica cuántica, a teoria do psicoanálisis de Freud, etc. Por outro lado, as novas tecnologias fazem que a arte mude de função, como a fotografia e o cinema já se encarregam de plasmar a realidade. Todos estes factores produzem a génesis da arte abstrata, o artista já não tenta refletir a realidade, senão seu mundo interior, expressar seus sentimentos.^[26] A arte actual tem oscilações contínuas do gosto, muda simultaneamente junto a este: bem como a arte clássica sustentava-se sobre uma metafísica de ideias inmutables, o actual, de raiz kantiana, encontra gosto na consciência social de prazer (cultura de massas). Também há que valorizar a progressiva diminuição do analfabetismo, já que antigamente, ao não saber ler grande parte da população, a arte gráfica era o melhor médio para a transmissão do conhecimento –sobretudo religioso–, função que já não é necessária no século XX.

Uma das primeiras formulaciones foi a do marxismo: da obra de Marx desprendia-se que a arte é uma “superestructura” cultural determinada pelas condições sociais e económicas do ser humano. Para os marxistas, a arte é reflito da realidade social, conquanto o próprio Marx não via uma correspondência directa entre uma sociedade determinada e a arte que produz. Georgi Plejánov, em Arte e vida social (1912), formulou uma estética materialista que recusava a “arte pela arte”, bem como a individualidad do artista alheio à sociedade que o envolve.^[27] Walter Benjamin incidiu de novo na arte de vanguardia, que para ele é «a culminación da dialéctica da modernidad», o final da tentativa totalizador da arte como expressão do mundo circundante. Tentou dilucidar o papel da arte na sociedade moderna, realizando uma análise semiótico no que a arte se explica através de signos que o homem tenta decifrar sem um resultado aparentemente satisfatório. Na obra de arte na época da reproductibilidad técnica (1936) analisou a forma como as novas técnicas de reprodução industrial da arte podem fazer variar o conceito deste, ao perder seu carácter de objecto único e, por tanto, seu halo de reverência mítica; isto abre novas vias de conceber a arte –inexploradas ainda para Benjamin– mas que suporão uma relação mais livre e aberta com a obra de arte.^[28]

Theodor W. Enfeito, como Benjamin pertencente à Escola de Frankfurt, defendeu a arte de vanguardia como reacção à excessiva tecnificación da sociedade moderna. Em sua Teoria estética (1970) afirmou que a arte é reflito das tendências culturais da sociedade, mas sem chegar a ser fiel reflito desta, já que a arte representa o inexistente, o irreal; ou, em todo o caso, representa o que existe mas como possibilidade de ser outra coisa, de trascender. A arte é a “negación da coisa”, que através desta negación a trasciende, mostra o que não há nela de forma primigenia. É aparência, mentira, apresentando o inexistente como existente, prometendo que o impossível é possível.^[29]

Ilha Pagoda na desembocadura do rio Min (1870), de John Thomson. A fotografia supôs uma grande revolução à hora de conceber a arte no século XIX e o XX.

Representante do pragmatismo, John Dewey, em Arte como experiência (1934), definiu a arte como “culminación da natureza”, defendendo que a base da estética é a experiência sensorial. A actividade artística é uma consequência mais da actividade natural do ser humano, cuja forma organizativa depende dos condicionamientos ambientais em que se desenvuelve. Assim, a arte é expressão”, onde fins e meios se fundem em uma experiência agradável. Para Dewey, a arte, como qualquer actividade humana, implica iniciativa e criatividade, bem como uma interacção entre sujeito e objecto, entre o homem e as condições materiais nas que desenvolve seu labor.^[30]

José Ortega e Gasset analisou na deshumanización da arte (1925) a arte de vanguardia desde o conceito de sociedade de massas”, onde o carácter minoritário da arte vanguardista produz uma elitización do público consumidor de arte. Ortega aprecia na arte uma “deshumanización” devida à perda de perspectiva histórica, isto é, de não poder analisar com suficiente distância crítica o sustrato sócio-cultural que implica a arte de vanguardia. A perda do elemento realista, imitativo, que Ortega aprecia na arte de vanguardia, supõe uma eliminação do elemento humano que estava presente à arte naturalista. Assim mesmo, esta perda do humano faz desaparecer os referentes em que estava baseado a arte clássica, supondo uma ruptura entre a arte e o público, e gerando uma nova forma de compreender a arte que só poderão entender os iniciados. A percepción estética da arte deshumanizado é a de uma nova sensibilidade baseada não na afinidad sentimental –como se produzia com a arte romântica–, senão em um verdadeiro distanciamiento, uma apreciação de matizes. Essa separação entre arte e humanidade supõe uma tentativa de voltar ao homem à vida, de rebajar o conceito de arte como uma actividade secundária da experiência humana.^[31]

Na escola semiótica, Luigi Pareyson elaborou em Estética. Teoria da formatividad (1954) uma estética hermenéutica, onde a arte é interpretação da verdade. Para Pareyson, a arte é “formativo”, isto é, expressa uma forma de fazer que, «ao mesmo tempo que faz, inventa o modo de fazer». Em outras palavras, não se baseia em regras fixas, senão que as define conforme se elabora a obra e as projecta no momento da realizar. Assim, na formatividad a obra de arte não é um “resultado”, senão um “lucro”, onde a obra tem encontrado a regra que a define especificamente. A arte é toda aquela actividade que procura um fim sem meios específicos, devendo achar para sua realização um processo criativo e inovador que dê resultados originais de carácter inventivo.^[32] Pareyson influiu na denominada Escola de Turín , que desenvolverá seu conceito ontológico da arte: Umberto Eco, em Obra aberta (1962), afirmou que a obra de arte só existe em sua interpretação, na abertura de múltiplas significados que pode ter para o espectador; Gianni Vattimo, em Poesia e ontología (1968), relacionou a arte com o ser, e por tanto com a verdade, já que é na arte onde a verdade se mostra de forma mais pura e reveladora.^[33]

A banda desenhada tem sido uma das últimas incorporações à categoria de belas artes. Na imagem Little Nemo inSlumberland , o primeiro grande clássico da banda desenhada publicada em 1905.

Uma das últimas derivações da filosofia e a arte é a postmodernidad, teoria sócio-cultural que postula a actual vigência de um período histórico que teria superado o projecto moderno, isto é, a raiz cultural, política e económica própria da Idade Contemporânea, marcada no cultural pela Ilustração, no político pela Revolução francesa e no económico pela Revolução industrial. Em frente às propostas da arte de vanguardia, os postmodernos não propõem novas ideias, nem éticas nem estéticas; tão só reinterpretan a realidade que lhes envolve, mediante a repetição de imagens anteriores, que perdem assim seu sentido. A repetição encerra o marco da arte na arte mesma, assume-se o falhanço do compromisso artístico, a incapacidade da arte para transformar a vida quotidiana. A arte postmoderno volta sem pudor ao sustrato material tradicional, à obra de arte-objecto, à “arte pela arte”, sem pretender fazer nenhuma revolução, nenhuma ruptura. Alguns de seus mais importantes teóricos têm sido Jacques Derrida e Michel Foucault.^[34]

Como conclusão, caberia dizer que as velhas fórmulas que baseavam a arte na criação de beleza ou na imitação da natureza têm ficado obsoletas, e hoje em dia a arte é uma qualidade dinâmica, em constante transformação, inmersa ademais nos meios de comunicação de massas, nos canais de consumo, com um aspecto muitas vezes efémero, de percepción instantânea, presente com igual validade na ideia e no objecto, em seu génesis conceptual e em sua realização material.^[35] Morris Weitz, representante da estética analítica, opinava no papel da teoria na estética (1957) que «é impossível estabelecer qualquer tipo de critérios da arte que sejam necessários e suficientes; portanto, qualquer teoria da arte é uma imposibilidad lógica, e não simplesmente algo que seja difícil de obter na prática». Segundo Weitz, uma qualidade intrínseca da criatividade artística é que sempre produz novas formas e objectos, pelo que «as condições da arte não podem se estabelecer nunca de antemão». Assim, «o suposto básico de que a arte possa ser tema de qualquer definição realista ou verdadeira é falso».^[36]

No fundo, a indefinición da arte estriba em sua redução a determinadas categorias –como imitação, como recreación, como expressão–; a arte é um conceito global, que inclui todas estas formulaciones e muitas mais, um conceito em evolução e aberto a novas interpretações, que não se pode fixar de forma convencional, senão que deve aglutinar todas as tentativas do expressar e o formular, sendo uma síntese ampla e subjetiva de todos eles.

Classificação

As sete artes liberais, imagem do Hortus deliciarum (século XII), de Herrad von Landsberg.

A classificação da arte, ou das diferentes facetas ou categorias que podem se considerar artísticas, tem tido uma evolução paralela ao conceito mesmo de arte: como se viu anteriormente, durante a antigüedad clássica se considerava arte todo o tipo de habilidade manual e destreza, de tipo racional e sujeita a regras; assim, entravam nessa denominação tanto as actuais belas artes como o artesanato e as ciências, enquanto ficavam excluídas a música e a poesia. Uma das primeiras classificações que se fizeram das artes foi a dos filósofos sofistas presocráticos, que distinguiram entre “artes úteis” e “artes placenteras”, isto é, entre as que produzem objectos de certa utilidade e as que servem para o entretenimento. Plutarco introduziu, junto a estas duas, as “artes perfeitas”, que seriam o que hoje consideramos ciências. Platón, por sua vez, estabeleceu a diferença entre “artes produtivas” e “artes imitativas”, segundo se produziam objectos novos ou imitavam a outros.^[38]

Durante era-a romana teve diversas tentativas de classificar as artes: Quintiliano dividiu a arte em três esferas: “artes teóricas”, baseadas no estudo (principalmente, as ciências); “artes práticas”, baseadas em uma actividade, mas sem produzir nada (como a dança); e “artes poéticas” –segundo a etimología grega, onde ποίησις (poíêsis) quer dizer produção’–, que são as que produzem objectos. Cicerón catalogou as artes segundo sua importância: “artes maiores” (política e estratégia militar), “artes médias” (ciências, poesia e retórica) e “artes menores” (pintura, escultura, música, interpretação e atletismo). Plotino classificou as artes em cinco grupos: as que produzem objectos físicos (arquitectura), as que ajudam à natureza (medicina e agricultura), as que imitam à natureza (pintura), as que melhoram a acção humana (política e retórica) e as intelectuais (geometria).^[39]

No entanto, a classificação que teve mais fortuna –chegando até a era moderna– foi a de Galeno no século II, que dividiu a arte em artes liberais” e “artes vulgares”, segundo se tinham uma origem intelectual ou manual. Entre as liberais encontravam-se: a gramática, a retórica e a dialéctica –que formavam o trivium–, e a aritmética, a geometria, a astronomia e a música –que formavam o quadrivium–; as vulgares incluíam a arquitectura, a escultura e a pintura, mas também outras actividades que hoje consideramos artesanato.^[40]

Durante a Idade Média continuou a divisão da arte entre artes liberais e vulgares –chamadas estas últimas então “mecânicas”–, conquanto teve novas tentativas de classificação: Boecio dividiu as artes em ars e artificium, classificação similar à de artes liberais e vulgares, mas em uma acepción que quase excluía as formas manuais do campo da arte, dependendo este tão só da mente. No século XII, Radulfo de Campo Lungo tentou fazer uma classificação das artes mecânicas, reduzindo-as a sete, igual número que as liberais. Em função de sua utilidade cara à sociedade, dividiu-as em: ars victuaria, para alimentar à gente; lanificaria, para vestir-lhes; architectura, para tentar-lhes uma casa; suffragatoria, para dar-lhes médios de transporte; medicinaria, que lhes curava; negotiatoria, para o comércio; militaria, para defender-se.^[41]

No século XVI começou a considerar-se que a arquitectura, a pintura e a escultura eram actividades que requeriam não só oficio e destreza, senão também um tipo de concepção intelectual que as faziam superiores a outros tipos de manualidades. Se gestaba assim o conceito moderno de arte, que durante o Renacimiento adquiriu o nome de arti do disegno (artes do desenho), porquanto compreendiam que esta actividade –o desenhar– era a principal na génesis das obras de arte.^[42]

As Meninas (1656), de Velázquez , foi um alegato da figura do pintor como artista inspirado, em frente à condição de simples artesão que até então se tinha do oficio de pintor.

No entanto, faltava aglutinar estas artes do desenho com o resto de actividades consideradas artísticas (música, poesia e teatro), tarefa que se desenvolveu durante os dois séculos seguintes com várias tentativas de procurar um nexo comum a todas estas actividades: assim, o humanista florentino Giannozzo Manetti propôs o termo “artes ingeniosas”, onde incluía as artes liberais, pelo que só mudava o vocablo; o filósofo neoplatónico Marsilio Ficino elaborou o conceito de artes musicais”, argumentando que a música era a inspiração para todas as artes; em 1555 , Giovanni Pietro Capriano introduziu em seu De lado poetica a acepción “artes nobres”, apelando à elevada finalidade destas actividades; Lodovico Castelvetro falou em seu Correttione (1572) de artes memoriales”, já que segundo ele estas artes procuravam fixar em objectos a memória de coisas e acontecimentos; Claude-François Menestrier, historiador francês do século XVII, formulou a ideia de artes pictóricas”, remarcando o carácter visual da arte; Emanuele Tesauro criou em 1658 a noção de artes poéticas”, inspirado na célebre cita de Horacio “ut pictura poesis” (a pintura como a poesia), descrevendo o componente poético e metafórico destas artes; já no século XVIII, coincidiram em um mesmo ano (1744) duas definições, a de artes agradáveis” de Giambattista Vico, e a de artes elegantes” de James Harris; por último, em 1746 , Charles Batteux estabeleceu nas belas artes reduzidas a um único princípio a concepção actual de belas artes, remarcando seu aspecto de imitação (imitatio).^[43]

Batteux incluiu nas belas artes pintura, escultura, música, poesia e dança, enquanto manteve o termo artes mecânicas para o resto de actividades artísticas, e assinalou como actividades entre ambas categorias a arquitectura e a retórica, conquanto ao pouco tempo se eliminou o grupo intermediário e a arquitectura e a retórica se incorporaram plenamente às belas artes. No entanto, com o tempo, esta lista sofreu diversas variações, e conquanto aceitava-se comummente a presença de arquitectura, pintura, escultura, música e poesia, os dois postos restantes oscilaram entre dança-a, a retórica, o teatro e a jardinería, ou, mais adiante, novas disciplinas como a fotografia e o cinema. O termo “belas artes” fez fortuna, e ficou fixado como definição de todas as actividades baseadas na elaboração de objectos com finalidade estética, produzidos de forma intelectual e com vontade expresiva e trascendente. Assim, desde então as artes foram “belas artes”, separadas tanto das ciências como dos oficios manuais. Por isso mesmo, durante o século XIX se foi produzindo uma nova mudança terminológico: já que as artes eram só as belas artes, e o resto de actividades não o eram, pouco a pouco se foi perdendo o termo ‘belas’ para ficar só o de artes’, ficando a acepción ‘arte’ tal como a entendemos hoje em dia. Inclusive sucedeu que então se restringiu o termo “belas artes” para designar as artes visuais, as que no Renacimiento se denominavam “artes do desenho” (arquitectura, pintura e escultura), sendo as demais as “artes em general”. Também teve uma tendência a cada vez mais crescente a separar as artes visuais das literárias, que receberam o nome de “belas letras”.^[44]

No entanto, pese à aceitação geral da classificação proposta por Batteux, nos séculos seguintes ainda se produziram tentativas de novas classificações da arte: Immanuel Kant distinguiu entre “artes mecânicas” e “artes estéticas”; Robert von Zimmermann falou de artes da representação material (arquitectura e escultura), da representação perceptiva (pintura e música) e da representação do pensamento (literatura); e Alois Riegl, em Arte industrial da época romana tardia, dividiu a arte em arquitectura, plástica e ornamento. Hegel, em sua Estética (1835-1838), estabeleceu três formas de manifestação artística: arte simbólica, clássico e romântico, que se relacionam com três formas diferentes de arte, três estádios de evolução histórica e três maneiras diferentes de tomar forma a ideia:

Na ideia, primeiro há uma relação de desajuste, onde a ideia não encontra forma; depois é de ajuste, quando a ideia se ajusta à forma; por último, no desbordamiento, a ideia ultrapassa a forma, tende ao infinito. Na evolução histórica, equipasse infância com a arte prehistórico, antigo e oriental; maturidade, com a arte grega e romano; e velhice, com a arte cristã. Quanto à forma, a arquitectura (forma monumental) é uma arte tectónico, depende da matéria, de pesos, medidas, etc.; a escultura (forma antropomórfica) depende mais da forma volumétrica, pelo que se acerca mais ao homem; a pintura, música e poesia (formas suprasensibles) são a etapa mais espiritual, mais desmaterializada. A criação artística não tem de ser uma mimesis, senão um processo de liberdade espiritual. Em sua evolução, quando o artista chega a seu limite, se vão perdendo as formas sensíveis, a arte se volta mais conceptual e reflexivo; ao final deste processo produz-se a “morte da arte”.^[45]

Os produtos artísticos de Juan Acha, mapa sobre a organização das artes em Arte e sociedade. Latinoamérica: o produto artístico e a estrutura (1979).

Pese a tudo, estas tentativas de classificação resultaram um tanto baldios e, quando parecia que por fim se tinha chegado a uma definição da arte universalmente aceitável, após tantos séculos de evolução, as mudanças sociais, culturais e tecnológicos produzidos durante os séculos XIX e XX têm comportado uma nova tentativa de definir a arte com base em parámetros mais abertos e omnicomprensivos, tentando abarcar tanto uma definição teórica da arte como uma catalogación prática que incluísse as novas formas artísticas que têm ido surgindo nos últimos tempos (fotografia, cinema, banda desenhada, novas tecnologias, etc.). Como o de Juan Acha com seu ensaio Arte e sociedade. Latinoamérica: o produto artístico e estrutura (1979), cuja complexa organização das artes é segundo sua aplicação e origem; em grupos como "Corpo-Objecto", "Superfície-Objectos", "Superfícies-Icónicas", "Superfícies-Literárias", "Espectáculos" e "Audiciones". E outra mais simples em Lógica do Limite (1991) de Eugenio Trías, na que o artista é como um habitante e a um determinado oficio artístico como um habitáculo, que constituem três grandes áreas da arte: artes estáticas ou do espaço, artes mistas e artes temporárias ou dinâmicas.

Estas tentativas, um tanto infructuosos, têm produzido em certa forma o efeito contrário, acentuando ainda mais a indefinición da arte, que hoje em dia é um conceito aberto e interpretable, onde cabem muitas fórmulas e concepções, conquanto se costuma aceitar um mínimo denominador comum baseado em qualidades estéticas e expresivas, bem como um componente de criatividade.^[35]

Classificação actual

Actualmente costuma-se considerar a seguinte lista de belas artes:

• O primeiro é a arquitectura.
• O segundo é dança-a .
• O terceiro é a escultura.
• O quarto é a música.
• O quinto é a pintura.
• O sexto é a poesia (e literatura em general).
• O sétimo é a cinematografía.
• O oitavo é a fotografia.
• O nono é a historieta.

Certos críticos e historiadores consideram outras artes na lista, como a televisão, o teatro, a moda, a publicidade, a animação e os videojuegos. Na actualidade existe ainda certa discrepância sobre qual seria a “décima arte”.^[46]

Elementos do fenómeno artístico

Autorretrato (1498), de Alberto Durero.

• Artista: denomina-se artista àquela pessoa que, ou bem pratica uma arte, ou bem destaca nele. Por definição, um artista é quem elabora uma obra de arte; por conseguinte, e em paralelo à evolução do conceito de arte que temos visto anteriormente, em épocas passadas um artista era qualquer pessoa que trabalhasse nas artes liberais ou vulgares, desde um gramático, um astrónomo ou um músico, até um pedreiro, um alfarero ou um ebanista. No entanto, hoje em dia entende-se por artista a alguém que pratica as belas artes. Mesmo assim, o termo artista pode ter diversas acepciones, desde o artista como criador, até o artista como o que tem na prática de uma arte sua profissão. Assim, com frequência chamamos artistas a actores ou músicos que só interpretam obras criadas por outros autores. Também se costuma empregar o vocablo artista para diferenciar a quem pratica uma actividade liberal para o distinguir do que pratica um oficio: nesse sentido, costuma-se dizer pintor artista” para diferenciar de um pintor de brocha gorda”. Ao artista supõe-se-lhe uma disposição especialmente sensível em frente ao mundo que o rodeia: tem desenvolvido seu próprio ponto de vista, bem como sua criatividade, uma boa técnica e um médio de comunicação para o espectador por médio de suas obras. O artista adquire seu próprio domínio da técnica e seu desenvolvimento artístico intelectual para chegar ao caminho do profesionalismo. Com esta personalidade, o artista manifesta-se para o mundo tratando de refletir o que acontece –ou gostaria que acontecesse– em de ele.^[47]

• Obra de arte: uma obra é uma realização material, que tem uma existência objectiva e que é perceptible sensivelmente. O termo prove do latín opera, que deriva de opus (‘trabalho’), pelo que equivale a trabalho como objecto, isto é, como resultado de um trabalho. Uma obra de arte pode ser tanto o objecto material em si –uma pintura, uma escultura, um gravado– como uma produção intelectual onde a artisticidad se encontra no momento de sua execução ou captación por médio dos sentidos: assim, na literatura, a arte se encontra mais na leitura da obra que não na linguagem escrita que lhe serve de veículo de comunicação, ou no médio material (livro, revista) que lhe sirva de suporte; em música, a arte encontra-se em sua percepción auditiva, não na partitura em que se vê refletida. Assim, na arte conceptual se valoriza mais a concepção da obra de arte por parte do artista que não sua realização material. Nesse sentido, uma obra de arte pode ter vários níveis de elaboração: dizia Panofsky que, ao escrever uma carta, se cumpre basicamente o objectivo de se comunicar; mas se escreve-se pondo especial atenção na caligrafía, pode ter um sentido artístico valorable perse ; e se, ademais, escreve-se em um tom poético ou literário, a carta trasciende sua sustrato material para converter em uma obra de arte valorable por suas qualidades intrínsecas. Por outro lado, há que valorizar a percepción do receptor: um objecto pode não estar elaborado com finalidades artísticas mas ser interpretado assim pela pessoa que o percebe –como nos ready-made de Duchamp –. Igualmente, uma obra de arte pode ter diversas interpretações segundo a pessoa que o valorize, como remarcó Umberto Eco com seu conceito de obra aberta”. E uma mesma obra pode ser percebida como artística por uns e como não artística por outros: dizia Marcel Mauss que «é obra de arte o objecto que é reconhecido como tal por um grupo social definido». Assim, teria que reconhecer que uma obra de arte é um objecto que tem um valor acrescentado, seja este valor um conceito artístico, estético, cultural, sociológico ou de diversa índole.^[48] Em conclusão, poder-se-ia dizer que uma obra de arte é um facto sensorial, realizado artificialmente, com intencionalidad comunicativa e orientação lúdica. A obra de arte, para ser considerada como tal, deve trascender sua sustrato material para adquirir uma significação trascendente, baseada tanto em seu aspecto estético como no histórico, ao ser reflito de um lugar e tempo determinados, bem como de uma determinada cultura que subyace na génesis de toda a obra de arte.^[49]

Uma performance, exemplo de actividade artística que requer um público.

• Público: um factor a cada vez mais determinante no mundo da arte é o do público, a gente que vai a museus ou exposições e que manifesta a cada vez mais um sentido crítico e apreciativo da arte, podendo influir nas modas e os gustos artísticos. Em séculos anteriores, a arte era um círculo fechado ao que só tinham acesso as classes mais favorecidas, que eram as que encarregavam e adquiriam obras de arte. No entanto, desde a abertura dos primeiros museus públicos no século XVIII, a participação do público em general na apreciação da arte tem sido a cada vez maior, favorecida sobretudo pelo aumento de meios de comunicação de massas (imprensa, livros, revistas e, mais recentemente, meios digitais e Internet). Assim mesmo, as novas correntes artísticas, sobretudo desde passada a Segunda Guerra Mundial, têm favorecido a participação do público na própria génesis do facto artístico, através de acções artísticas como os happenings e as performances.^[51]

• Percepción: a percepción da arte é um fenómeno subjetivo, motivado não só pelo facto sensorial senão pelo aspecto de mentalidade inherente, que depende da cultura, a educação, etc. A percepción é um processo activo e selectivo, o ser humano tende a seleccionar a percepción mais singela, bem como a ver as coisas globalmente –por exemplo, tendemos a ver as coisas simétricas ainda que não o sejam–. Da percepción sensorial dependem factores como a textura, a forma e a cor, bem como a geometria, a proporção e o ritmo.

• Matéria e técnica: o processo artístico começa com a elaboração mental da obra por parte do artista, mas esta se tem de plasmar em matéria, processo que se realiza através da técnica. A matéria tem uma noção constitutiva, criadora, sendo parte essencial da criação artística. Também pode contribuir diferentes concepções estéticas, como o uso do ferro e o vidro na arquitectura contemporânea. A sua vez, a técnica é a maneira como o artista dá forma à obra de arte, como molda a matéria para conseguir expressar aquilo que deseja criar. Os materiais e a técnica vão evoluindo com o tempo, e podem ser definitorios de uma determinada linguagem ou estilo artístico.^[52]

• Função da arte: a arte pode cumprir diversas funções, segundo a vontade do próprio artista ou segundo a interpretação que da obra faça o público:
  • Prática: a arte pode ter uma utilidade prática desde que cumpra diversas premisas de satisfazer necessidades ou de ter uma finalidade destinada a seu uso ou desfrute, como é o caso da arquitectura, ou bem do artesanato e as artes aplicadas, decorativas e industriais.
  • Estética: a arte está estreitamente vinculada a uma finalidade estética, isto é, de provocar sentimentos ou emoções, ou bem suscitar beleza e admiração em todo aquele que contempla a obra de arte.
  • Simbólica: a arte pode estar revestida de uma função simbólica quando pretende trascender seu simples materialidad para ser um símbolo, uma forma de expressão ou comunicação, uma linguagem pelo qual se expressa uma ideia que deve ser descifrable para o público ao qual vai dirigida.
  • Económica: a arte, como produto elaborado pelo homem, não deixa de ser um objecto que pode estar motivado com fins económicos, bem em sua concepção ou bem em seu posterior mercantilización.
  • Comunicativa: a arte é um médio de comunicação, pelo qual se expressam ideias ou conceitos, ou bem se recreiam estados de ânimo. Neste sentido, pode ser tanto crítico como propagandístico da mensagem que deseja transmitir.
  • Imitativa: a arte tem pretendido historicamente ser fiel reflito da realidade, ao menos até o aparecimento da fotografia e o cinema no século XX. Assim, a arte tem sido um médio ideal para plasmar o mundo, a forma de vida das diversas culturas e civilizações que se sucederam ao longo do tempo.
  • Crítica: a arte pode ter uma vontade crítica, bem de tipo político, religioso ou social, se fazendo eco das reivindicações sociais da cada período histórico.

Museu do Prado.

• Museus: são instituições dedicadas ao estudo, conservação e exposição de obras de arte. A origem dos museus está no coleccionismo, onde à obra de arte se lhe acrescenta um valor histórico ou cultural, ou bem de admiração ou exclusividade. A partir do século XVIII começaram a abrir-se as colecções ao público, surgindo os museus de protecção estatal (British Museum, 1753; Uffizi, 1769; Louvre, 1789; Prado, 1819; Altes Museum de Berlim , 1830; National Gallery, 1838; Hermitage, 1851), ao mesmo tempo em que surgiram as academias, instituições que regulam o processo criativo, educativo e formativo da arte. O Conselho Internacional de Museus (ICOM) define o museu como «uma instituição sem ânimo de lucro, permanente, ao serviço da sociedade e seu desenvolvimento, aberto ao público, que adquire, conserva, pesquisa, comunica e exibe depoimentos materiais da evolução da natureza e do homem, com finalidades de estudo, de educação e de delectación». Existem duas disciplinas vinculadas ao estudo dos museus: a museografía estuda a vertente técnica e estrutural dos museus (arquitectura, equipamento, meios de exposição); e a museología analisa o museu desde uma perspectiva histórica, social e cultural.^[53]

• Academias de arte: são instituições encarregadas de preservar a arte como fenómeno cultural, de regulamentar seu estudo e sua conservação, e de promocionarlo mediante exposições e concursos; originalmente, serviam também como centros de formação de artistas, ainda que com o tempo perderam esta função, traspassada a instituições privadas. As primeiras academias surgiram na Itália no século XVI: em 1562 , a Accademia do Disegno em Florencia ; em 1577 , a Accademia dei San Luca em Roma . Posteriormente, cabe destacar a Académie Royal d’Art, fundada em Paris em 1648 ; a Akademie der Künste de Berlim (1696); a Real Academia de Belas Artes de San Fernando de Madri (1744); a Academia Russa de Artes de San Petersburgo (1757); e a Royal Academy of Arts de Londres (1768). As academias de arte com frequência têm sido criticadas como centros conservadores, ancorados no gosto pela arte clássica, excessivamente regulamentadas, chegando inclusive a que o termo “arte académica” seja sinónimo de uma arte de corte clássico e tipo canónico, de repetição de formas tradicionais. Hoje em dia, as academias têm mais que nada uma função institucional, representativa e de assessoramento.^[54]

• Fundações de arte: conhecidas como o “terceiro sector”, já que são privadas mas não perseguem fins lucrativos, pelo que se situam entre os museus e as galerías de arte, as fundações são instituições de âmbito privado e filantrópico encarregadas de difundir e fomentar a arte. Entre suas funções contam-se tanto a conservação de obras de arte –geralmente estas fundações têm suas próprias colecções– como o estímulo e fomento da criatividade artística, através de bolsas para jovens artistas. Instância intermediária entre a sociedade civil e o estado, as fundações favorecem a participação cidadã nas esferas culturais, fomentando a democratização do estamento artístico. Entre as diversas fundações internacionais destacam a Fundação Maeght, a do Chase Manhattan Bank, a Fundação Beyeler, a Fundação Cartier, a Fundação Lucio Fontana, a Fundação Calouste Gulbenkian, a Fundação Solomon R. Guggenheim, a Fundação Robert Mapplethorpe, a Fundação Vincent Vão Gogh, etc.; em Espanha , a Fundação Olhou, a Fundação Antoni Tàpies, a Fundação BBVA, a Fundação Caixa Fòrum, a Fundação Telefónica, a Fundação Juan March, a Fundação Gala-Salvador Dalí, a Fundação Thyssen-Bornemisza, etc.^[55]

• Coleccionismo: é uma actividade, geralmente de índole privada, destinada à criação de colecções de obras de arte. Desde sempre, o homem tem sentido fascinación pela arte, facto que lhe levou à aquisição de obras de arte, para sua desfrute pessoal ou, desde o crescimento do mercado artístico no Renacimiento, como investimento económico. As colecções particulares de arte têm rivalizado com frequência com os museus quanto a quantidade e qualidade de obras de arte e, graças a doações filantrópicas, têm sido origem muitas vezes da ampliação ou criação de novos museus. O coleccionismo começou de forma ampla na antiga Roma, fruto geralmente de botines de guerra dos países conquistados. Durante a Idade Média foi comum o atesoramiento de peças de valor (orfebrería, obras de marfil e ébano) e de reliquias . No entanto, o auge do coleccionismo produziu-se no Renacimiento, quando nobres e mecenas encarregaram e adquiriram grande número de obras de arte para seus palácios e villas. Circunscrito em princípio à aristocracia, a partir do século XVIII o coleccionismo passou também à burguesía e aos ricos homens de negócios, já que a arte tinha então um marcado componente de ostentación social. Desde então, a figura do coleccionista privado tem sido fundamental para o sucesso do mercado artístico.^[56]

Galería de arte com vistas de Roma antiga (1754-1757), de Giovanni Paolo Pannini.

• Mercado artístico: a valoração da obra de arte como mercadoria susceptível de ser adquirida por uma contraprestación económica começa com a tomada de consciência da exclusividade da arte, de seu valor como obra única e irrepetible, unido a aspectos como seu antigüedad, sua qualidade, sua autenticidad, etc. O comércio artístico surgiu na Grécia e Roma, mas consolidou-se no Renacimiento: no século XVI existiam já em Veneza e Florencia lonjas especializadas na transacção da arte. No século XVII o principal centro comercializador de arte foram os Países Baixos, onde uma crescente burguesía fazia da arte um reflito de seu estatus social. No século XIX o mercado da arte cobrou uma grande difusão, em paralelo à abertura dos museus públicos e à realização de exposições internacionais onde se exibiam os melhores produtos, tanto artísticos como industriais, de todos os países. Proliferó então a abertura de galerías privadas de arte, aparecendo a figura do marchante de arte, que com frequência jogará um papel relevante em sua relação com os artistas, chegando a cobrar um protagonismo próprio na História da arte (como Daniel-Henry Kahnweiler ou Ambroise Vollard). Também apareceram casas de leilões, como as famosas Christie's e Sotheby's britânicas, a francesa Drouot, a alemã Lempertz, a italiana Finarte ou as espanholas Brok, Ansorena e Durán.^[57]

• Feiras: um dos principais meios de comercialização da arte são as feiras, onde os artistas dão a conhecer suas obras, enquanto o público pode as apreciar e estar a par das diversas novidades que se vão sucedendo no tempo. As feiras têm ido adquirindo a cada vez maior relevância, existindo um circuito onde ao longo do ano diversas cidades de todo mundo acolhem feiras de diversa índole. Actualmente, seu cometido não é só comercial, senão também cultural e institucional, já que supõem uma fonte de difusão da arte. Uma das primeiras feiras conhecidas foi a celebrada no Salone degli Innocenti da Academia de Florencia , onde em 1564 se venderam 17 de 25 quadros pintados em homenagem a Miguel Ángel depois de seu fallecimiento. Em 1737 abriu-se a mostra bienal do Salão Carré do Louvre, organizada pela Académie Royal d’Art, primeiras feiras abertas a um público maioritário. Na actualidade destacam: a Bienal de Veneza, documenta-a de Kassel , a Bienal de São Paulo, a Trienal de Milão , a feira ARCO de Madri , a FIAC de Paris , ArtBasel de Basilea , etc.^[58]

• Exposições: um dos factores finque na difusão da arte, sobretudo actualmente, é a organização de exposições, públicas ou privadas, de arte antigo ou contemporâneo, individuais ou colectivas, temáticas ou antológicas. As primeiras exposições surgiram em Grã-Bretanha no final do século XVIII, propiciadas pelo exílio de artistas provocado pela Revolução francesa. No século XIX surgiram as exposições universais, primeiros fenómenos de massas onde se expunham as principais novidades tanto do mundo da arte como da ciência, a indústria e qualquer outra actividade humana. Desde então sucederam-se as exposições por todo mundo, circunscritas com frequência nos próprios museus de arte, como forma de favorecer uma maior afluencia de público. Actualmente, são habituais as exposições antológicas e itinerantes, que costumam percorrer os principais centros artísticos mundiais. Outro factor a ter em conta, sobretudo dada a temporalidad destas exposições, é a a cada vez maior importância dos catálogos, únicos depoimentos do conjunto de obras de arte expostas de forma, muitas vezes, irrepetible. A exposição mais visitada tem sido a de Arte degenerado, organizada em 1937 pelo ministro de propaganda nazista Joseph Goebbels, que foi visitada por uns três milhões de pessoas em diversas cidades alemãs ao longo de quatro anos.^[59]

Disciplinas artísticas

Arquitectura: Casa da Cascata (1939), de Frank Lloyd Wright.

Pintura: A noite estrellada (1889), de Vincent vão Gogh.

Escultura: Êxtase da beata Ludovica Albertoni (1671-1674), de Gian Lorenzo Bernini.

Música: Cuarteto para flauta (1777), de Wolfgang Amadeus Mozart.

Música: Cuarteto para flauta (1777), de Wolfgang Amadeus Mozart.

Literatura: Exemplo de caligrafía em latín que representa uma Biblia de 1407 .

As artes criativas com frequência são divididas em categorias mais específicas, como as artes decorativas, as artes plásticas, as artes escénicas ou a literatura. Assim, a pintura é uma forma de arte visual, e a poesia é uma forma de literatura. Alguns exemplos são:

Artes visuais

• Arquitectura: é a arte de projectar e construir edifícios. Denominada às vezes como a “arte do espaço”, a arquitectura é um processo técnico e de desenho que tenta mediante diversos materiais a construção de estruturas que organizam o espaço para sua utilização pelo ser humano. Inicialmente destinada à construção de moradias, com o tempo foi-se diversificando em diferentes tipologías com fins muito diversos, desde espaços de culto religioso até instalações militares, passando por edifícios públicos (prefeituras, escolas, universidades, hospitais, bibliotecas, museus, etc.), fábricas, instalações desportivas, obras de engenharia (pontes, estradas), estações de transporte (caminhos-de-ferro, portos, aeroportos), etc. Igualmente, a arquitectura tem assumido com o tempo diversas concorrências, como o urbanismo, o paisajismo, obras de saúde pública (alcantarillado, canalizaciones), etc.

• Arte corporal: é o que utiliza o corpo humano como suporte. Inclui actividades como o maquillaje, o vestuario, a peluquería, o tatuaje, o piercing, etc.

• Arte digital: é o realizado por meios digitais, como o vídeo ou a informática, vinculado com frequência às instalações, ou que utiliza diversos suportes, como Internet.

• Arte efémera: é o que tem uma duração determinada no tempo, já que na génesis de sua concepção estriba já o facto de que seja perecível. Inclui diversas formas de arte conceptual e de acção, como o happening e a performance. Também engloba diversas actividades como a gastronomia, a perfumería, a pirotecnia, etc. Um ponto essencial deste tipo de actividades é a participação do público.

• Artes decorativas ou aplicadas: termo aplicado preferencialmente às artes industriais, bem como à pintura e a escultura, quando seu objectivo não é o de gerar uma obra única e diferenciada, senão que procuram uma finalidade decorativa e ornamental.

• Artes gráficas: são as que se realizam por médio de um processo de impressão; assim, são artes gráficas tanto o gravado como a fotografia, o cartelismo ou a banda desenhada, ou qualquer actividade artística que utilize um médio impresso. Em sua realização intervêm, por um lado, a criação de um desenho e, por outro, seu translado a um determinado sustrato –como o papel–. As artes gráficas apareceram com a invenção da imprenta por Johannes Gutenberg para 1450, agrupando todos os oficios que se relacionavam com a impressão tipográfica. Mais tarde, a necessidade de gerar impressões de melhor qualidade propiciou o aparecimento da preprensa ou fotomecánica.

• Artes industriais: são as desenvolvidas com uma elaboração industrial ou artesanal mas perseguindo uma verdadeira finalidade estética, sobretudo na elaboração de determinados objectos como vestidos, moradias e utensilios, bem como diversos elementos de decoración. Muitas artes decorativas são também industriais.

• Artes e oficios: são as que comportam um trabalho manual, que pode ter um carácter artesanal ou industrial. Engloba diversas actividades como a cerâmica, a corioplastia, a ebanistería, a forja, a jardinería, a joyería, o mosaico, a orfebrería, a tapicería, a vidriería, etc.

• Cinematografía: técnica baseada na reprodução de imagens em movimento, o cinema surgiu com o invento do cinematógrafo pelos irmãos Lumière em 1895 . Conquanto em princípio unicamente supunha a captación de imagens do natural, como se fosse um documental, em seguida a cinematografía evoluiu para a narração de histórias mediante a utilização de guiões e processos técnicos como a montagem, que permitiam rodar cenas e as ordenar de forma que apresentasse uma história coerente. Com a incorporação de elementos tomados do teatro –processo iniciado por Méliès –, o cinema atingiu um grau de autêntica artisticidad, sendo baptizado como a “sétima arte”, termo proposto por Ricciotto Canudo em 1911 .

• Desenho: representação gráfica realizada por médio de linhas, traços e sombras, elaborados mediante lápis, pluma ou objectos similares. O desenho está na base de quase qualquer obra artística, pois a maioria de obras pictóricas realizam-se sobre um layout desenhado sobre a tela, sobre o que posteriormente se pinta; igualmente, muitas esculturas são desenhadas primeiro em desenho, e inclusive a arquitectura baseia-se em planos desenhados. Aparte disto, o desenho tem uma indudable autonomia artística, sendo inumeráveis os desenhos realizados pela maioria de grandes artistas ao longo da História.

• Desenho: é traça-a ou delineación de qualquer elemento relacionado com o ser humano, seja um edifício, um vestido, um peinado, etc. Utilizado habitualmente no contexto das artes aplicadas, engenharia, arquitectura e outras disciplinas criativas, o desenho define-se como o processo prévio de configuração mental de uma obra, mediante layouts, desenhos, esquemas ou esquemas traçados em qualquer suporte. O desenho tem um componente funcional e outro estético, tem de satisfazer necessidades mas tem de agradar aos sentidos. Compreende multidão de disciplinas e oficios dependendo do objecto a desenhar e da participação no processo de uma ou várias pessoas ou especialidades.

• Escultura: é a arte de moldar figuras em volume, mediante diversos materiais como o varro, a pedra, a madeira, o metal, etc. É uma arte espacial, onde o autor se expressa mediante volumes e formas dimensionais. Na escultura incluem-se todas as artes de talha e cincel, junto com as de fundição e moldado, e às vezes a arte da alfarería. Pode ser em talha exenta –também chamada de bulto redondo– ou em relevo sobre diversas superfícies.

• Fotografia: é uma técnica que permite capturar imagens do mundo sensível e as fixar em um suporte material –um filme sensível a a luz –. Baseia-se no princípio da câmara escura, com a qual se consegue projectar uma imagem captada por um pequeno buraco sobre uma superfície, de tal forma que o tamanho da imagem fica reduzido e aumentada sua nitidez. A fotografia moderna começou com a construção do daguerrotipo por Louis-Jacques-Mandei Daguerre, a partir de onde se foram perfeccionando os procedimentos técnicos para seu captación e reprodução. Pese a tomar suas imagens da realidade, a fotografia foi em seguida considerada uma arte, pois reconhece-se que a visão contribuída pelo fotógrafo à hora de eleger uma tomada ou enquadre é um processo artístico, realizado com uma vontade estética.

• Gravado: o gravado é uma técnica de elaboração de estampas artísticas mediante um ferro de madeira ou metal trabalhada segundo diversos procedimentos: aguafuerte, aguatinta, calcografía, gravado ao buril, gravado a média tinta, gravado a ponta seca, linograbado, litografia, serigrafía, xilografía, etc.

• Historieta: a historieta ou banda desenhada é uma representação gráfica mediante a qual se narra uma história através de uma sucessão de viñetas , nas que mediante desenhos –em cor ou alvo e negro– e textos enquadrados em umas caixas chamadas “bocadillos” se vai apresentando a acção narrada, em um sentido linear. Derivada da caricatura, a historieta desenvolveu-se a partir do século XIX sobretudo em meios jornalísticos, em atiras inseridas geralmente nas secções de entretenimento dos jornais, ainda que cedo adquiriram autonomia própria e começaram a ser editadas em forma de álbuns. Ainda que começou dentro do género humorístico, posteriormente apareceram historietas de todos os géneros, atingindo grande sucesso a nível popular durante o século XX.

• Pintura: é a arte e técnica de criar imagens através da aplicação de pigmentos de cor sobre uma superfície, seja papel, teia, madeira, parede, etc. Costuma-se dividir em pintura mural (fresco, tempere) ou de caballete (tempere, óleo, pastel), e igualmente pode classificar segundo seu género (retrato, paisagem, bodegón, etc). A pintura tem sido durante séculos o principal médio para documentar a realidade, o mundo circundante, refletindo em suas imagens o devir histórico das diferentes culturas que têm sucedido ao longo do tempo, bem como seus costumes e condições materiais.

Artes escénicas

• Dança: dança-a é uma forma de expressão do corpo humano, que consiste em uma série de movimentos rítmicos ao compás de uma música –ainda que esta última não é do todo imprescindible–. Entre suas modalidades figura o ballet ou dança clássica, ainda que existem inumeráveis tipos de danças rituales e folklóricas entre as diversas culturas e sociedades humanas, bem como infinitud de dances populares. As técnicas de dança requerem uma grande concentração para dominar todo o corpo, com especial hincapié na flexibilidade, a coordenação e o ritmo.

• Teatro: é uma arte escénico que tem por objectivo a representação de um drama literário, através de uns actores que representam uns papéis estabelecidos, combinado com uma série de factores como são a cenografia, a música, o espectáculo, os efeitos especiais, o maquillaje, o vestuario, os objectos de atrezzo , etc. Realiza-se sobre um palco, sendo parte essencial da obra o dirigir-se a um público. O teatro pode incluir, em exclusiva ou de forma combinada, diversos tipos de modalidades escénicas, como a ópera, o ballet e a pantomima.

Artes musicais

• Canto coral: é o realizado por um grupo de vozes, bem masculinas ou femininas, ou mistas, que interpretam uma canção ou melodia de forma conjunta, aunando suas vozes para oferecer uma sozinha voz musical. Entre as diversas formas de canto coral figura o canto gregoriano.

• Música sinfónica: a música é a arte de organizar sensível e logicamente uma combinação coerente de sons e silêncios utilizando os princípios fundamentais da melodia, a harmonia e o ritmo. Em sua vertente sinfónica, considera-se que é a música instrumental interpretada por uma orquestra formada pelos principais instrumentos de vento (madeira e metal), sensata e percussão.

• Ópera: é uma arte onde se combina a música com o canto, sobre a base de um guião (libreto) interpretado segundo os princípios das artes escénicas. A interpretação é realizada por cantoras de diversos registos vocais: baixo, barítono, tenor, contralto, mezzosoprano e soprano.

Artes literárias

• Narrativa: é a arte de escrever em prosa, recreando em palavras acontecimentos reais ou ficticios, que o escritor dispõe de forma adequada para seu correcto entendimento pelo leitor, com finalidades informativas ou recreativas, expressadas com uma linguagem que pode variar desde um aspecto descritivo até outro imaginario ou de diversa índole. Entre as diversas formas de narrativa encontram-se a novela e o conto.

• Poesia: é uma composição literária baseada na métrica e o ritmo, disposta através de uma estrutura de versos e estrofas que podem ter diversas formas de rima , ainda que também podem ser de verso livre. Seu conteúdo pode ser igualmente realista ou ficticio, ainda que pelo geral a poesia sempre costuma ter um aspecto evocador e intimista, sendo o principal veículo de expressão do componente mais emotivo do ser humano.

• Drama: é uma forma de escritura baseada no diálogo de diversas personagens, que vão contando uma história através da sucessão cronológica e argumental de diversas cenas onde se vai desenvolvendo a acção. Ainda que tem um carácter literário autónomo, geralmente está concebido para ser representado de forma teatral, pelo que o drama está intimamente unido às artes escénicas.

Estilos artísticos

A cada período histórico tem tido umas características concretas e definibles, comuns a outras regiões e culturas, ou bem únicas e diferenciadas, que têm ido evoluindo com o devir dos tempos. Daí surgem os estilos artísticos, que podem ter uma origem geográfica ou temporária, ou inclusive reduzir à obra de um artista em concreto, desde que se produzam umas formas artísticas claramente definitorias. ‘Estilo’ prove do latín stilus (‘punzón’), escrito em época medieval como stylus por influência do termo grego στύλος (stylos, ‘coluna’). Antigamente, denominava-se assim a um tipo de punzón para escrever sobre tablillas de cera ; com o tempo, passou a designar tanto o instrumento, como o trabalho do escritor e sua maneira de escrever. O conceito de estilo surgiu em literatura, mas cedo estendeu-se ao resto de artes, especialmente música e dança. Actualmente emprega-se este termo em seu sentido metonímico, isto é, como aquela qualidade que identifica a forma de trabalhar, de se expressar ou de conceber uma obra de arte por parte do artista, ou bem, em sentido mais genérico, de um conjunto de artistas ou obras que têm diversos pontos em comum, agrupados geográfica ou cronologicamente. Assim, o estilo pode ser tanto um conjunto de caracteres formais, bem individuais –a forma de escrever, de compor ou de elaborar uma obra de arte por parte de um artista–, ou bem colectivos –de um grupo, uma época ou um lugar geográfico–, como um sistema orgânico de formas, em que seria a conjunción de determinados factores a que geraria a forma de trabalhar do grupo, como na arte románico, gótico, barroco, etc. Segundo Focillon, um estilo é «um conjunto coerente de formas unidas por uma conveniencia recíproca, sumisas a uma lógica interna que as organiza».

Estes caracteres individuais ou sociais são signos distintivos que permitem diferenciar, definir e catalogar de forma empírica a obra de um artista ou um grupo de artistas adscritos a um mesmo estilo ou “escola” –termo que designa um grupo de autores com características comuns definitorias–. Assim, a “estilística” é a ciência que estuda os diversos signos distintivos, objectivos e unívocos, da obra de um artista ou escola. Este estudo tem servido na História da arte como ponto de partida para a análise do devir histórico artístico baseado no estilo, como se pode apreciar em alguma escola historiográfica como o formalismo.^[60]

O estilo estuda ao artista e à obra de arte como materialización de uma ideia, plasmada na matéria através da técnica, o que constitui uma linguagem formal susceptível de análise e de catalogación e periodificación. Por outro lado, bem como a similitud de formas criam uma linguagem e, por tanto, um estilo, uma mesma forma pode ter diferente significação em diversos estilos. Assim, os estilos estão sujeitos a uma dinâmica evolutiva que costuma ser cíclica, recorrente, perceptible em maior ou menor grau na cada período histórico. Costumam-se distinguir na cada estilo, escola ou período artístico diversas fases –com as naturais variações concretas na cada caso–: “fase preclásica”, onde se começam a configurar os signos distintivos da cada estilo concreto –se costumam denominar com os prefixos ‘proto’ ou ‘pré’, como o prerromanticismo–; “fase clássica”, onde se concretan os principais signos característicos do estilo, que servirão de pontos de referência e suporão a materialización de suas principais realizações; “fase manierista”, onde se reinterpretan as formas clássicas, elaboradas desde um ponto de vista mais subjetivo por parte do autor; “fase barroca”, que é uma reacção contra as formas clássicas, deformadas a gosto e capricho do artista; “fase arcaizante”, onde se volta às formas clássicas, mas já com a evidente falta de naturalidad que lhe é intrínseca –se costuma denominar com o prefixo ‘pós’, como o postimpresionismo–; e “fase recorrente”, onde a falta de referentes provoca uma tendência ao eclecticismo –se costumam denominar com o prefixo ‘neo’, como o neoclasicismo–.^[61]

Estilos artísticos.
Fase preclásica: Kurós do Asclepeion de Desempregos.	Fase clássica: Discóbolo, de Mirón .	Fase manierista: Apolo Sauróctono, de Praxíteles .	Fase barroca: Laocoonte e seus filhos, de Agesandro, Polidoro e Atenodoro de Rodas .	Fase arcaizante: Grupo de San Ildefonso, escultura romana inspirada em modelos gregos.	Fase recorrente: Napoleón divinizado, de Antonio Canova, escultura neoclasicista inspirada em modelos clássicos grecorromanos.

Géneros artísticos

Um género artístico é uma especialização temática em que se costumam dividir as diversas artes. Antigamente denominava-se “pintores de género” aos que se ocupavam de um só tema: retratos, paisagens, pinturas de flores, animais, etc. O termo tinha um verdadeiro sentido peyorativo, já que parecia que o artista que tratava só esses assuntos não valia para outros, e se contrapunha ao “pintor de história”, que em uma sozinha composição tratava diversos elementos (paisagem, arquitectura, figuras humanas). No século XVIII, o termo aplicou-se ao pintor que representava cenas da vida quotidiana, oposto igualmente ao pintor de história, que tratava temas históricos, mitológicos, etc. Em mudança, no século XIX, ao perder a pintura de história sua posição privilegiada, outorgou-se igual categoria à história que à paisagem, retrato, etc. Então, a pintura de género passou a ser a que não tratava as principais quatro classes reconhecidas: história, retrato, paisagem e marinha. Assim, um pintor de género era o que não tinha nenhum género definido. Por último, ao eliminar qualquer hierarquia na representação artística, actualmente considera-se pintura de género qualquer obra que represente cenas da vida quotidiana, temas anecdóticos, ao mesmo tempo em que ainda se fala de géneros artísticos para designar os diversos temas que têm sido recorrentes na História da arte (paisagem, retrato, nu, bodegón), fazendo assim uma síntese entre os diversos conceitos anteriores.^[62]

• Géneros pictóricos: costumam-se classificar quanto a seu conteúdo temático: retrato e autorretrato, nu, bodegón e vaidades, paisagem e marinha, pintura de mitología , pintura de história, pintura religiosa, pintura de género, etc.

• Géneros literários: os géneros literários são os diferentes grupos ou categorias em que podemos classificar as obras literárias atendendo a seu conteúdo. A retórica clássica classificou-os em três grupos importantes: lírico, épico e dramático. A estes alguns costumam acrescentar o didáctico (oratoria, ensaio, biografia, crónica).

• Géneros musicais: baseiam-se em critérios como o ritmo, a instrumentação, as características harmônicas ou melódicas ou a estrutura. A música clássica, académica ou música culta é um dos três grandes géneros nos que se pode dividir a música em general, junto com a música popular e a música tradicional ou folklórica.

• Géneros cinematográficos: primeiro classificaram-se em dois grandes grupos: comédia e tragédia; mais tarde, foram-se diversificando: cinema de acção, thriller, cinema bélico, de ciência ficção, cinema de aventuras, western, de artes marciales, cinema fantástico, cinema de terror, de catástrofes, cinema épico, cinema histórico, cinema musical, cinema policiaco, cinema negro, gore, erótico, cinema de animação, cinema documental, cinema experimental, classe B, etc.

• Em arquitectura, em vez de géneros fala-se de tipologías, que dependem da configuração global, a técnica, a construção e a decoración. Temos assim tipologías como a igreja, o palácio, o castelo, a moradia, o rascacielos, a fábrica, etc.

Géneros artísticos.
Retrato: A Gioconda (1503), de Leonardo dá Vinci.	Paisagem: Porto com o embarque da Rainha de Saba (1648), de Claude Lorrain.	Nu: Vénus do espelho (1647-1651), de Diego Velázquez.	Bodegón: Bodegón com cebollas (1895-1900), de Paul Cézanne.

Técnicas artísticas

Johann Sebastian Bach, considerado o grande maestro do contrapunto.

Música

• Harmonia: é a ciência que ensina a constituir os conformes (conjuntos de sons) e que sugere a maneira de combinar na maneira mais equilibrada, conseguindo assim sensações de relajación (harmonia consonante) ou de tensão (harmonia disonante). Estabelece um estilo de composição essencialmente vertical, entre notas que se tocam ao unísono.
• Contrapunto: é a técnica que se utiliza para compor música polifónica mediante o enlace de dois ou mais melodias (também vozes ou linhas) independentes que se escutam simultaneamente. De maior complexidade que a harmonia, dá um maior énfasis ao desenvolvimento horizontal da composição, que se estabelece mediante as relações interválicas entre sucessivas notas.
• Homofonía e Monodia: é uma textura musical onde duas ou mais partes musicais se movem simultaneamente desde o ponto de vista harmônico, e cuja relação forma conformes. Contrapõe-se à polifonía já que nesta as partes têm independência rítmica e melódica e onde não há predominancia de nenhuma parte.
• Polifonía: reconhece-se como um conjunto de sons simultâneos, em que a cada um expressa sua ideia musical, conservando sua independência, formando assim com os demais um todo harmônico.
• Adornos musicais: são recursos que podem ser utilizados nas composições com o objecto de lhes plotar a estas expressão, ornamento, variedade, graça ou vivacidad. Incluem os trinos, os mordentes, as florituras,...

Desenho

• Carboncillo: é um dos materiais mais antigos para o desenho, empregado desde a prehistoria. Faz-se com ramitas de sauce asadas ao forno em uma cacerola fechada, deixando-o cocer a baixa temperatura toda a noite. Depois saca-se-lhe ponta e insere-se em uma cana ou bastoncillo. É ideal para esquemas e estudos preparatorios, já que é friable e fácil de apagar.
• Lápis: é um grafito inserido em um cano de madeira ou metal, de cor negro, afilable e fácil de apagar, ideal para o desenho. Difundiu-se desde Itália no século XV.
• Pincel: apto para desenho e pintura, está composto de um suporte de madeira e cabelos de diferentes animais, preferencialmente porco, marta cibelina, ardilla, etc. Emprega-se com tinta, líquido elaborado com negro de carvão procedente de cascas de nozes queimadas, com água, borracha arábiga, gelatinas e odorizantes como o alcanfor ou o almizcle. É ideal para remarcar volumes e destacar brillos e zonas luminosas.
• Pluma: um dos meios mais antigos e ideais para o desenho, bem como a escritura e qualquer tipo de expressão gráfica, é a pluma, bem de bastoncillos de cana, aos que se saca ponta, ou bem de plumas de animais, preferencialmente a oca. Aplica-se com tinta, sobre papel ou pergamino.
• Pontas metálicas (stilum): a ponta de metal (chumbo, estaño, prata) usa-se desde época romana, aplicada sobre papel, pergamino ou madeira.
• Sanguina: é um tipo de lápis de cor rojizo, obtido de arcilla ferruginosa, que faz um tipo de desenho de cor rojizo muito característico, de moda na Itália do Renacimiento.
• Tiza: é sulfato de calcio bihidratado, empregado desde o Renacimiento para material de desenho ou como pigmento para a pintura ao tempere. Talhada em barritas, existe a tiza branca (calcita), a cinza (arcilla crua de tijolos) e a negra (carvão de fóssil) e, já em era moderna, as tizas de cores, de compostos artificiais.^[63]

Paleta de pintor, pinceles e canos de pintura (óleos).

Pintura

A pintura, como elemento bidimensional, precisa um suporte (muro, madeira, tela, cristal, metal, papel, etc.); sobre este suporte se põe o pigmento (colorante + aglutinante). É o aglutinante o que classifica os diferentes procedimentos pictóricos:

• Acrílico: técnica pictórica onde ao colorante se lhe acrescenta um aglutinante plástico.
• Acuarela: técnica realizada com pigmentos transparentes diluidos em água, com aglutinantes como a borracha arábiga ou o mel, usando como branco o do próprio papel. Técnica conhecida desde o antigo Egipto, tem sido usada todas as épocas, ainda que com mais intensidade durante os séculos XVIII e XIX.
• Aguada ou gouache: técnica similar à acuarela, com cores mais espesos e diluidos em água ou bicha misturada com mel. A diferença da acuarela, contém a cor branca.
• Encáustica: técnica onde as cores se diluyen em cera fundida, bicha e lixívia, pintando em quente. É uma pintura densa e cremosa, resistente à luz e à água. Uma vez aplicado o pigmento, deve proceder-se ao polido, com trapos de lino .
• Fresco: a pintura ao fresco realiza-se sobre um muro revogado de cal húmida e com cores diluidos em água de cal. O fresco deve-se executar muito depressa, já que a cal absorve rapidamente a cor, tendo de retocarse posteriormente ao tempere em caso de ser necessário. Conhecido desde a antigüedad, praticou-se frequentemente durante a Idade Média e o Renacimiento.
• Laca: o colorante aglutina-se com laca –produto de uns pulgones japoneses–, dissolvida com álcool ou acetona.
• Miniatura: é a decoración de manuscritos com lâminas de ouro e prata, e pigmentos de cores aglutinados com bicha, ovo ou borracha arábiga. A palavra vem da utilização do vermelho minio no rótulo das iniciais do manuscrito.
• Óleo: técnica que consiste em dissolver as cores em um aglutinante de tipo oleoso (azeite de linaza , noz, almendra ou escarea; azeites animais), acrescentando aguarrás para que seque melhor.
• Pastel: o pastel é um lápis de pigmento de diversas cores minerales, com aglutinantes (caolín, yeso, borracha arábiga, látex de figo, bicha de pescado , açúcar candi, etc.), amassado com cera e jabón de Marselha e cortado em forma de barritas. A cor deve-se estender com um “esmaeço cilindro de pele ou papel que se usa para esmaecer os traços de cor, os contornos, etc.–, o que lhe dá um aspecto suave e aterciopelado, ideal para retratos. No entanto, é pouco persistente, pelo que precisa de algum fijador (água, e bicha ou leite). Surgiu na França no século XVI.
• Tempere: pintura realizada com cores diluidos em água temperada ou engrossada com aglutinantes com base de bicha (yema de ovo, caseína, bicha de higuera , cerezo ou ciruelo). Utiliza-se sobre tabela ou muro e, a diferença do fresco, pode retocarse em seco.^[64]
• Técnicas mistas:
  • Collage: técnica consistente em aplicar sobre uma superfície diversos materiais (papel, teia, chapa, jornais, fotografias, etc.), elaborados de forma diversa (rompidos, cortados, rasgados), de tal forma que componham uma composição de signo artístico, bem de forma individual ou misturados com outras técnicas pictóricas.
  • Dripping: técnica proveniente do action painting, consiste em chorrear (dripping = ‘chorreando’) a pintura sobre a tela, que mediante o movimento do artista sobre a teia adquire diferentes formas e espessuras.
  • Montagem (assemblage): técnica consistente na utilização de objectos reais provenientes da vida quotidiana, que são colados ou montados a um suporte e submetidos posteriormente a outras actuações pictóricas ou de qualquer outra técnica mista.
  • Frottage: técnica criada por Max Ernst em 1925 , consiste em esfregar um lápis sobre uma folha colocada sobre um objecto, conseguindo uma impressão da forma e textura desse objecto. Pode-se fazer também com lápis de cores, ou pintar sobre o primeiro layout.
  • Grattage: deriva do frottage, elaborando a imagem como um esgrafiado, espalhando a cor em apliques densos, que depois se rascan com espátula ou com redes metálicas de diversas texturas.

Escultura

Segundo o material, pode-se trabalhar em três sistemas: “aditivo”, modelando e acrescentando matéria, geralmente em matérias macias (cera, plastilina, varro); “sustractivo”, eliminando matéria até descobrir a figura, geralmente em materiais duros (pedra, mármol, madeira, bronze, ferro); e “misto”, acrescentando e tirando. Também se pode fazer por fundição, através de um molde. Feita a escultura, pode-se deixar ao natural ou policromarla, com colorantes vegetales ou minerales ou em encausto, ao tempere ou ao óleo, em dourado ou estufado (imitação de ouro).

• Escultura em marfil : proveniente de colmillos de diversos animais (elefante, hipopótamo, morsa, jabalí africano), o marfil é um material empregado em escultura e orfebrería. É fácil de talhar, ainda que tem o impedimento de sua escassa longitude e sua curvatura. Trabalha-se com escoplos e taladros. Em combinação com o ouro, produz o telefonema técnico crisoelefantina.
• Escultura em metal: realiza-se com cobre, bronze, ouro ou prata, trabalhado directamente com martelo e cincel, geralmente em lâminas de metal sobre placas de madeira. O metal volta-se rígido ao ir golpeando-o, pelo que há que ir o aquecendo para seguir trabalhando, processo conhecido como “recozido”. Também se pode trabalhar em “gravado em altorrelevo”, praticando o bajorrelieve com martelo e punzón. Outra técnica é à “cera perdida”, sobre um modelo de arcilla ou yeso, sobre o que se aplica uma liga de bronze ou latão.
• Escultura em pedra: é uma das mais frequentes, realizada por subtração. Geralmente empregam-se pedras como a caliza, o mármol, o basalto, o granito, o pórfido, o alabastro, etc. Trabalha-se com perfuro, escoplo, martelo e cincel.
• Estuco: formado por cal , pó de mármol, areia lavada e bicha de caseína , o estuco emprega-se desde a antigüedad em escultura ou como elemento decorativo na arquitectura. Facilmente moldeable, pode-se deixar ao natural ou policromarlo.
• Talha: a talha em madeira é uma das técnicas escultóricas mais antigas, fácil de executar e de múltiplas qualidades plásticas. Seu carácter irregular dá-lhe um ar expresivo, inacabado, que pode ser ideal para determinados estilos artísticos mas que é recusado por outros de corte mais clássico e perfeccionista. Uma vez realizada a talha, pode-se policromar, aplicar-lhe diversos tratamentos com ceras ou lacas, lâminas metálicas, tecidos ou incrustaciones de pedras preciosas ou outros elementos.
• Terracota: escultura realizada com arcilla cocida, foi o primeiro material utilizado para modelar figuras. Trabalha-se sobre um caballete, com estiques ou espátulas, ou bem com um molde de yeso. Uma vez modelada e deixada secar, se cuece a 750-950º. Uma vez terminada, pode-se deixar ao natural, decorá-la com pintura ou esmaltarla (forma esta última criada no século XV por Luca della Robbia).^[65]
• Técnicas mistas: como em pintura, em escultura se pode dar a utilização de diversos elementos para formar a figura, procedimento diversificado no século XX com a utilização de materiais considerados não artísticos, procedentes inclusive de elementos detríticos ou de elimino, ou acrescentando diversos objectos naturais ou artificiais, como nos denominados ready-made.

Gravado: O velo de Verónica (1513), de Alberto Durero.

Mosaico: mosaico bizantino do século V (Estambul).

Vidriera: Moisés no monte Sinaí e Moisés ante o faraón (século XIII), Catedral de Colónia, Alemanha.

Cerâmica: fonte da Dinastía ming (séculos XIV-XV).

Orfebrería: colar de ouro micénico, século XII a. C.

Gravado

• Calcografía: gravado sobre cobre realizado em oco, em diversas técnicas:
  • Aguafuerte: técnica de gravado consistente em tratar as partes do ferro de metal não protegidas por um barniz com “água forte” (ácido nítrico diluido em água).
  • Aguatinta: técnica proveniente de um ferro de metal coberta com resina, que uma vez aquecida se adere à superfície do ferro, desenhando posteriormente sobre esta superfície com um tipo de tinta especial, telefonema aguatinta. Proveniente do aguafuerte, produz efeitos parecidos à acuarela. Surgiu no século XVIII.
  • Gravado a buril: realiza-se sobre ferro de cobre, com um buril, instrumento formado por um cabo redondo e uma barra de aço, de secção quadrada talhada em forma de rombo . Com esta ferramenta perfila-se o desenho, recheando os surcos com tinta.
  • Gravado a ponta seca: nesta técnica o ferro trabalha-se directamente com uma ponta de aço, diamante ou rubí, sem recorrer a barnices nem ácidos, obtendo umas linhas ásperas chamadas rebabas”, diferentes segundo a pressão e o ângulo de incisión. A diferença do buril, não corta o metal, senão que o arranha.
  • Gravado a média tinta (mezzotinto): também chamado gravado em negro ou à fumaça, se trabalha o ferro com um rascador de várias pontas (rocker ou berceau), obtendo um graneado uniforme por entrecruzamiento de linhas, distinguindo assim tons claros e escuros.
• Linograbado: técnica de gravado em relevo similar à xilografía, mas utilizando linóleo em vez de madeira.
• Litografia: é um gravado sobre pedra caliza, tratando a superfície com um lápis de matéria gordura para delimitar o desenho e realizando o gravado segundo dois procedimentos: banhando com ácido, para corroer a parte não engrasada e deixar o desenho em relevo; ou aplicando duas classes de tinta acuosa e gordura, fixando-se a primeira no fundo e cobrindo a segunda as linhas desenhadas a lápis. Foi inventado por Aloys Senefelder em 1778 .
• Serigrafía: técnica pela qual se obtêm impressões filtrando as cores por uma trama de seda –ou, actualmente, nailon–, recobrindo com bicha as partes que não devem se filtrar para impermeabilizarlas. Foi inventado na China.
• Xilografía: gravado em madeira (geralmente cerezo ou boj), realizado sobre um esquema calcado sobre o ferro de madeira e talhado com faca, gubia, formón ou buril, esvaziando de madeira os alvos e deixando em relevo os negros; a seguir, se entinta com um rolo e se estampa, bem a mão ou bem com o tórculo. Foi muito utilizado na Idade Média, sobretudo na Alemanha.^[66]

Mosaico

• Lithóstroton: termo grego que designa ao mosaico colocado a modo de pavimento . O revestimento é aplicado sobre cal, areia ou outros materiais como pedras, guijarros, lousas de mármol, etc. Existem vários tipos: opus lapilli, pequenos guijarros de cores naturais, que por si mesmos compõem o desenho; opus tessellatum, formado por teselas , peças de forma quadrada de dois centímetros, com as que se elabora a composição, geralmente de tipo geométrico; opus vermiculatum, igualmente elaborado com teselas, mas de diferentes contornos, podendo formar assim diversos traçados; opus sectile, formado por lousas de mármol de forma irregular.
• Mosaico: também chamado opus musivum, é a mesma técnica que o lithóstroton, mas aplicada à decoración mural, em vez da pavimental. Realiza-se com teselas de massa vítrea, aplicadas sobre a parede preparada com várias capas de morteiro, elaborando figuras e desenhos.
• Taracea: técnica similar às anteriores, pode ser pavimental ou parietal, ou inclusive pode-se aplicar a muebles ou outros objectos. Consiste em incrustar sobre uma superfície compacta finas lousas de pedra e mármol de cor, cortadas e encaixadas formando imagens ou composições diversas. Também pode se realizar em madeira (“intarsia”), sendo uma técnica frequente em ebanistería . Em Carpi , no século XVII, surgiu também uma taracea em escayola .^[67]

Vidro

Existem diversos tipos de vidro: “vidro sódico” (o mais básico, a partir de sílice ), cristal (sílice e óxido de chumbo ou potasio), “vidro calcedonio” (sílice e óxidos metálicos) e “vidro lácteo” (sílice, bióxido de manganês e óxido de estaño ). A principal técnica para trabalhá-lo é o soprado, onde se lhe pode dar qualquer forma e espessura. Quanto à decoración, pode ser pintada, esgrafiada, talhada, com pinzas, a filigrana , etc.^[68]

• Vidriera: realiza-se sobre cristais engarzados em madeira, yeso, ouro ou chumbo, os quais se vão encaixando com lâminas de chumbo, estañándolos, com uma capa de masilla (branco pintor com azeite de linaza). As vidrieras antigas têm grisallas, óxido férrico líquido, aplicado para desenhar com precisão detalhes pequenos; para 1340 substituiu-se pelo óxido de prata e, a partir de aqui, já não se fazem cristais de cores, senão que se colore sobre cristal branco.
• Esmalte: é uma massa de vidro (sílice, cal, potasa, chumbo e minio), sobre suporte de metal, trabalhado segundo diversas técnicas: cloisonné, pequenos filamentos de ouro ou cobre, com os que se desenha a figura sobre o suporte, para separar o esmalte em tabiques; champlevé, rebajando o suporte em alvéolos, ahuecando o material em concavidades, recheadas com o esmalte; ajougé, superfície de ouro onde se recortam as formas com serras ou limas, recheando com esmalte a parte eliminada.

Cerâmica

Realiza-se com arcilla, em quatro classes: varro cocido poroso vermelho-amarillento (alfarería, terracota, bizcocho); varro cocido poroso branco (loza); varro cocido não poroso cinza, pardo ou marrón (gres); varro cocido compacto não poroso alvo médio transparente (porcelana). Pode-se elaborar de forma manual ou mecânica –com torno–, depois se cuece no forno –a temperaturas entre 400º e 1300 º, segundo o tipo–, e decora-se com esmalte ou pintura.^[69]

Orfebrería

É a arte de confeccionar objectos decorativos com metais nobres ou pedras preciosas, como o ouro, prata, diamante, pérola, ámbar, coral, etc.

• Camafeo: é o talhado de figuras em relevo sobre pedras duras estratificadas, como o ágata, a sardónica, o coral e a concha, que pelo geral possuem capas de diversas cores, o que proporciona uns intensos contrastes cromáticos.
• Baixo# relevo: consiste em trabalhar o metal precioso com um cincel, realizando decoraciones ahuecadas ou trabalhos de acabamento, com graves em baixorrelevo de diferentes formas e espessuras.
• Damasquinado (ou “ataujía”): sobre um suporte metálico traça-se o desenho com ponta fina, depois faz-se uma incisión com buriles e escalpelos, e por último aplica-se uma filigrana de metais de diversa cor.
• Filigrana: pratica-se com fios de metal precioso, com os que se elabora a peça trenzando ou enroscando os fios, até obter a forma desejada.
• Fusão: são os trabalhos executados a molde , elaborados de duas formas: “fusão permanente”, realizada com um molde bivalvo, com a forma já trabalhada, de pedra ou terracota; “à cera perdida”, onde se modela o objecto em cera, ao que se aplica um embudo com respiraderos, se cobrindo de creta, que uma vez seca se aquece até que expulse a cera, se enchendo depois do metal fundido.
• Granulado: é um procedimento pelo que se obtêm minúsculas esferas de ouro com as que se elaboram desenhos ou decoraciones geométricas.
• Nielado: consiste em gravar um desenho sobre uma lâmina de metal –geralmente prata–, recheando os surcos com o “nielado”, liga de prata, cobre e chumbo, com azufre e bórax, que produz uma mistura negra e brilhante.
• Opus interrasile: técnica de origem romano que consiste em realizar pequenas incisiones nas lâminas de metal precioso, realizando uma função de calado que dá à obra um aspecto de encaixe.
• Gravado em altorrelevo: é a decoración em relevo realizada sobre ferros de ouro, prata ou cobre, trabalhando o revés do ferro com martelo e cincel.^[70]

Forja

Faz-se com ferro (limonita, pirita ou magnetita), reduzindo-o com calor, saindo uma massa ao vermelho com a que se fazem lingotes. Há três classes: “colado”, com muito carbono, sílice, azufre e manganês, não serve para forjar, só para fundir em molde; “ferro doce ou forjado”, com menos carbono, é mais maleável e dúctil, pode-se forjar, mas é macio e desafilable; “aço”, com manganês, tungsteno, cobalto e wolframio, é mais duro, para instrumentos cortantes. A modelagem realiza-se sem acrescentar nem tirar material, senão que existem diversas técnicas alternativas: esticar, alargar, hendir, curvar, recalcar, etc.

Restauração

O Julgamento Final de Miguel Ángel dantes da restauração.

O Julgamento Final durante a restauração.

O Julgamento Final depois da restauração.

A restauração de obras de arte é uma actividade que tem por objecto o reparo ou actuação preventiva de qualquer obra que, devido a sua antigüedad ou estado de conservação, seja susceptível de ser intervinda para preservar sua integridade física, bem como seus valores artísticos, respeitando ao máximo a esencia original da obra.^[71]

Em arquitectura, a restauração costuma ser de tipo funcional, para preservar a estrutura e unidade do edifício, ou consertar grietas ou pequenos defeitos que possam surgir nos materiais construtivos. Até o século XVIII, as restaurações arquitectónicas só preservavam as obras de culto religioso, dado seu carácter litúrgico e simbólico, reconstruindo outro tipo de edifícios sem respeitar sequer o estilo original. No entanto, desde o auge da arqueologia no final do século XVIII, especialmente com as excavaciones de Pompeya e Herculano, tendeu-se a preservar na medida do possível qualquer estrutura do passado, desde que tivesse um valor artístico e cultural. Mesmo assim, no século XIX os ideais românticos levaram a procurar a pureza estilística do edifício, e a moda do historicismo levou a propostas como os de Viollet-lhe-Duc , defensor da intervenção em monumentos em base a um verdadeiro ideal estilístico. Na actualidade, tende-se a preservar ao máximo a integridade dos edifícios históricos.

No terreno da pintura, evoluiu-se desde uma primeira perspectiva de tentar recuperar a legibilidad da imagem, acrescentando se fosse necessário partes perdidas da obra, a respeitar a integridade tanto física como estética da obra de arte, fazendo as intervenções necessárias para sua conservação sem que se produza uma transformação radical da obra. A restauração pictórica adquiriu um crescente impulso a partir do século XVII, devido ao mau estado de conservação de pinturas ao fresco, técnica bastante corrente na Idade Média e o Renacimiento. Igualmente, o aumento do mercado das antigüedades propiciou a restauração de obras antigas cara a sua posterior comercialização. Por último, em escultura tem tido uma evolução paralela: desde a reconstrução de obras antigas, geralmente quanto a membros mutilados (como na reconstrução do Laocoonte em 1523 -1533 por parte de Giovanni Angelo Montorsoli), até a actuação sobre a obra preservando sua estrutura original, mantendo em caso necessário um verdadeiro grau de reversibilidad da actuação praticada.^[72]

Estética

O Homem vitruviano, de Leonardo dá Vinci, estudo das proporções no corpo humano.

A estética é um ramo da filosofia que se encarrega de estudar a maneira como o razonamiento do ser humano interpreta os estímulos sensoriales que recebe do mundo circundante. Poder-se-ia dizer, bem como a lógica estuda o conhecimento racional, que a estética é a ciência que estuda o conhecimento sensível, o que adquirimos através dos sentidos.^[73] Entre os diversos objectos de estudo da estética figuram a beleza ou os julgamentos de gosto, bem como as diferentes maneiras de interpretá-los por parte do ser humano. Por tanto, a estética está intimamente unida à arte, analisando os diversos estilos e períodos artísticos conforme aos diversos componentes estéticos que neles se encontram. Com frequência costuma-se denominar a estética como uma “filosofia da arte”. A estética é uma reflexão filosófica que se faz sobre objectos artísticos e naturais, e que produz um “julgamento estético”. A percepción sensorial, uma vez analisada pela inteligência humana, produz ideias, que são abstracções da mente, e que podem ser objectivas ou subjetivas. As ideias provocam julgamentos, ao relacionar elementos sensoriales; a sua vez, a relação de julgamentos é razonamiento. O objectivo da estética é analisar os razonamientos produzidos por ditas relações de julgamentos.^[74]

O termo estética prove do grego αἴσθησις (aísthêsis, ‘sensação’). Foi introduzido pelo filósofo alemão Alexander Gottlieb Baumgarten em sua obra Reflexiones filosóficas a respeito da poesia (1735), e mais tarde em sua Aesthetica (1750).^[75] Por conseguinte, a História da estética, rigorosamente falando, começaria com Baumgarten no século XVIII, sobretudo com a sistematización desta disciplina realizada por Immanuel Kant. No entanto, o conceito é extrapolable aos estudos sobre o tema efectuados pelos filósofos anteriores, especialmente desde a Grécia clássica. Cabe assinalar, por exemplo, que os antigos gregos tinham um vocablo equiparable ao actual conceito de estética, que era Φιλοκαλία (filocalía, ‘amor à beleza’). Poder-se-ia dizer que na Grécia nasceu a estética como conceito, enquanto com Baumgarten se converte em uma ciência filosófica.

Segundo Arnold Hauser, as «obras de arte são provocações com as quais polemizamos», mas que não nos explicamos. Interpretamo-las de acordo com nossas próprias finalidades e aspirações, transladamos-lhes um sentido cuja origem está em nossas formas de vida e hábitos mentais. Nós, «de todo a arte com o qual temos uma relação autêntica fazemos uma arte moderna». Hoje em dia, a arte tem estabelecido uns conjuntos de relações que permitem englobar dentro de uma sozinha interacção a obra de arte, o artista ou criador e o público receptor ou destinatário. Hegel, em sua Estética, tentou definir a trascendencia desta relação dizendo que «a beleza artística é mais elevada que a beleza da natureza, já que muda as formas ilusorias deste mundo imperfecto, onde a verdade se esconde depois das falsas aparências para atingir uma verdade mais elevada criada pelo espírito».

A arte é também um jogo com as aparências sensíveis, as cores, as formas, os volumes, os sons, etc. É um jogo gratuito onde se cria da nada ou de pouco mais que a nada uma aparência que não pretende outra coisa que nos enganar. É um jogo placentero que satisfaz nossas necessidades eternas de simetría , de ritmo ou de surpresa. A surpresa que pára Baudelaire é a origem da poesia. Assim, segundo Kant, o prazer estético deriva menos da intensidade e a diversidade de sensações, que da maneira, em aparência espontánea, pela qual elas manifestam uma profunda unidade, sensível em sua reflito, mas não conceptualizable.

Para Ernst Gombrich, «em realidade a arte não existe: só há artistas». Mais adiante, na introdução de sua obra A história da arte, diz que não tem nada de mau que nos deleitemos no quadro de uma paisagem porque nos recorda nossa casa, ou em um retrato porque nos recorda um amigo, já que, como humanos que somos, quando olhamos uma obra de arte estamos submetidos a um conjunto de lembranças que para bem ou para mau influem sobre nossos gustos. Seguindo a Gombrich, pode-se ver como aos artistas também lhes sucede algo parecido: no Retrato de um menino (Nicholas Rubens), o pintor flamenco Rubens representou-o formoso, já que seguramente sentia-se orgulhoso do aspecto do menino, e quis-nos transmitir sua paixão de pai ao mesmo tempo que de artista; no Retrato da mãe, o pintor alemão Alberto Durero desenhou-a com a mesma devoción e amor que Rubens sentia por seu filho, mas aqui vemos um estudo fiel da cara de uma mulher velha, não há beleza natural, mas Durero, com sua enorme sinceridade, criou uma grande obra de arte.

Sociologia da arte

A Liberdade guiando ao povo (1830), de Eugène Delacroix.

A sociologia da arte é uma disciplina das ciências sociais que estuda a arte desde uma proposta metodológico baseado na sociologia. Seu objectivo é estudar a arte como produto da sociedade humana, analisando os diversos componentes sociais que coincidem na génesis e difusão da obra artística. A sociologia da arte é uma ciência multidiciplinar, recorrendo para suas análises a diversas disciplinas como a cultura, a política, a economia, a antropologia, a linguística, a filosofia, e demais ciências sociais que influam no devir da sociedade. Entre os diversos objectos de estudo da sociologia da arte encontram-se vários factores que intervêm desde um ponto de vista social na criação artística, desde aspectos mais genéricos como a situação social do artista ou a estrutura sociocultural do público, até mais específicos como o mecenazgo, o mercantilismo e comercialização da arte, as galerías de arte, a crítica de arte, o coleccionismo, a museografía, as instituições e fundações artísticas, etc.^[76] Também cabe remarcar no século XX o aparecimento de novos factores como o avanço na difusão dos meios de comunicação, a cultura de massas, a categorización da moda, a incorporação de novas tecnologias ou a abertura de conceitos na criação material da obra de arte (arte conceptual, arte de acção).

A sociologia da arte deve suas primeiras propostas ao interesse de diversos historiadores pela análise do meio social da arte desde mediados do século XIX, sobretudo depois da irrupción do positivismo como método de análise científico da cultura, e a criação da sociologia como ciência autónoma por Auguste Comte. No entanto, a sociologia da arte desenvolveu-se como disciplina particular durante o século XX, com sua própria metodología e seus objectos de estudo determinados. Principalmente, o ponto de partida desta disciplina costuma-se situar imediatamente após a Segunda Guerra Mundial, com o aparecimento de diversas obras decisivas no desenvolvimento desta corrente disciplinar: Arte e revolução industrial, de Francis Klingender (1947); A pintura florentina e seu ambiente social, de Friedrich Antal (1948); e História social da literatura e a arte, de Arnold Hauser (1951). Em seus inícios, a sociologia da arte esteve estreitamente vinculada ao marxismo –como os próprios Hauser e Antal, ou Nikos Hadjinikolaou, autor de História da arte e luta de classes (1973)–, conquanto depois se desmarcó desta tendência para adquirir autonomia própria como ciência. Outros autores destacados desta disciplina são Pierre Francastel, Herbert Read, Francis Haskell, Michael Baxandall, Peter Burke, Giulio Carlo Argan, etc.^[77]

Psicologia da arte

Autorretrato com a orelha cortada (1889), de Vincent vão Gogh. O psicoanálisis permite compreender certos aspectos da personalidade do artista.

A psicologia da arte é a ciência que estuda os fenómenos da criação e a apreciação artística desde uma perspectiva psicológica. A arte é, como manifestação da actividade humana, susceptível de ser analisado de forma psicológica, estudando os diversos processos mentais e culturais que na génesis da arte se encontram, tanto em sua criação como em sua recepção por parte do público. A sua vez, como fenómeno da conduta humana, pode servir como base de análise da consciência humana, sendo a percepción estética um factor distintivo do ser humano como espécie, que o afasta dos animais. A psicologia da arte é uma ciência interdisciplinar, que deve recorrer forçadamente a outras disciplinas científicas para poder efectuar suas análises, desde –logicamente– a História da arte, até a filosofia e a estética, passando pela sociologia, a antropologia, a neurobiología, etc. Também está estreitamente conectada com o resto de ramos da psicologia, desde o psicoanálisis até a psicologia cognitiva, evolutiva ou social, ou bem a psicobiología e os estudos de personalidade. Assim mesmo, a nível fisiológico, a psicologia da arte estuda os processos básicos da actividade humana –como a percepción, a emoção e a memória–, bem como as funções superiores do pensamento e a linguagem. Entre seus objectos de estudo encontram-se tanto a percepción da cor (recepção retiniana e processamento cortical) e a análise da forma, como os estudos sobre criatividade, capacidades cognitivas (símbolos, ícones), a arte como terapia, etc. Para o desenvolvimento desta disciplina têm sido essenciais as contribuições de Sigmund Freud, Gustav Fechner, a Escola da Gestalt (dentro da que destacam os trabalhos de Rudolf Arnheim), Lev Vygotski, Howard Gardner, etc.^[78]

Uma das principais correntes da psicologia da arte tem sido a Escola da Gestalt, que afirma que estamos condicionados por nossa cultura –em sentido antropológico–, que a cultura condiciona nossa percepción. Tomam um ponto de partida da obra de Karl Popper, quem afirmou que na apreciação estética há um ponto de insegurança (gosto), que não tem base científica e não se pode generalizar; levamos uma ideia preconcebida (“hipótese prévia”), que faz que encontremos no objecto o que procuramos. Segundo a Gestalt, a mente configura, através de certas leis, os elementos que chegam a ela através dos canais sensoriales (percepción) ou da memória (pensamento, inteligência e resolução de problemas). Em nossa experiência do médio ambiente, esta configuração tem um carácter primário sobre os elementos que a conformam, e a soma destes últimos por si sozinhos não poderia nos levar, por tanto, ao entendimento do funcionamento mental. Fundamentam-se na noção de estrutura, entendida como um todo significativo de relações entre estímulos e respostas, e tentam entender os fenómenos em sua totalidade, sem separar os elementos do conjunto, que formam uma estrutura integrada fora da qual ditos elementos não teriam significação. Seus principais expoentes foram Rudolf Arnheim, Max Wertheimer, Wolfgang Köhler, Kurt Koffka e Kurt Lewin.^[79]

Crítica de arte

Denis Diderot, considerado o pai da crítica de arte.

A crítica de arte é um género, entre literário e académico, que faz uma valoração sobre as obras de arte, artistas ou exposições, em princípio de forma pessoal e subjetiva, mas baseando na História da arte e suas múltiplas disciplinas, valorizando a arte segundo seu contexto ou evolução. É ao mesmo tempo valorativa, informativa e comparativa, redigida de forma concisa e amena, sem pretender ser um estudo académico mas contribuindo dados empíricos e contrastables. Denis Diderot é considerado o primeiro crítico de arte moderno, por seus comentários sobre as obras de arte expostas nos salões parisinos, realizados no Salão Carré do Louvre desde 1725. Estes salões, abertos ao público, actuaram como centro difusor de tendências artísticas, propiciando modas e gustos em relação à arte, pelo que foram objecto de debate e crítica. Diderot escreveu suas impressões sobre estes salões primeiro em uma carta escrita em 1759 , que foi publicada na Correspondance littéraire de Grimm , e desde então até 1781, sendo o ponto de arranque do género.^[80]

Na génesis da crítica de arte há que valorizar, por um lado, o acesso do público às exposições artísticas, que unido à proliferación dos meios de comunicação de massas desde o século XVIII produziu uma via de comunicação directa entre o crítico e o público ao que se dirige. Por outro lado, o auge da burguesía como classe social que investiu na arte como objecto de ostentación, e o crescimento do mercado artístico que levou consigo, propiciaram o ambiente social necessário para a consolidação da crítica artística. A crítica de arte tem estado geralmente vinculada ao jornalismo, exercendo um labor de porta-vozes do gosto artístico que, por uma parte, lhes conferiu um grande poder, ao ser capazes de afundar ou encumbrar a obra de um artista, mas por outra lhes fez objecto de ferozes ataques e controvérsias. Outra faceta a remarcar é o carácter de actualidade da crítica de arte, já que centra-se no contexto histórico e geográfico no que o crítico desenvolve seu labor, inmersa em um fenómeno a cada vez mais dinâmico como é o das correntes de moda. Assim, a falta de historicidad para emitir um julgamento sobre bases consolidadas, leva à crítica de arte a estar frequentemente sustentada na intuición do crítico, com o factor de risco que isso implica. No entanto, como disciplina sujeita a seu tempo e à evolução cultural da sociedade, a crítica de arte sempre revela um componente de pensamento social no que se vê inmersa, existindo assim diversas correntes de crítica de arte: romântica, positivista, fenomenológica, semiológica, etc.^[81]

Entre os críticos de arte têm tido desde famosos escritores até os próprios historiadores da arte, que muitas vezes têm passado da análise metodológico à crítica pessoal e subjetiva, conscientes de que era uma arma de grande poder hoje em dia. Como nomes, poder-se-ia citar a Charles Baudelaire, John Ruskin, Oscar Wilde, Émile Zola, Joris-Karl Huysmans, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Worringer, Clement Greenberg, Michel Tapié, etc.; no mundo hispanohablante, destacam Eugeni d'Ors, Aureliano de Beruete, Jorge Romero Brest, Juan Antonio Gaya Nuño, Alexandre Cirici, Juan Eduardo Cirlot, Enrique Lafuente Ferrari, Rafael Santos Torroella, Francisco Calvo Serraller, José Corredor Matheos, Irma Arestizábal, Ticio Escobar, Raúl Zamudio, etc.^[83]

Historiografía da arte

Johann Joachim Winckelmann, considerado o pai da História da arte.

A historiografía da arte é a ciência que analisa o estudo da História da arte, desde um ponto de vista metodológico, isto é, da forma como o historiador enfrenta o estudo da arte, as ferramentas e disciplinas que lhe podem ser de utilidade para este estudo. O mundo da arte sempre tem levado em paralelo um componente de autorreflexión, desde antigo os artistas, ou outras pessoas a sua ao redor, têm plasmado por escrito diversas reflexões sobre sua actividade. Vitruvio escreveu o tratado sobre arquitectura mais antigo que se conserva, De Architectura. Sua descrição das formas arquitectónicas da antigüedad grecorromana influiu poderosamente no Renacimiento, sendo ao mesmo tempo uma importante fonte documental pelas informações que contribui sobre a pintura e a escultura gregas e romanas.^[84] Giorgio Vasari, em Vida dos mais excelentes arquitectos, pintores e escultores italianos desde Cimabue até nossos tempos (1542–1550), foi um dos predecessores da historiografía da arte, fazendo uma crónica dos principais artistas de seu tempo, pondo especial énfasis na progressão e o desenvolvimento da arte. No entanto, estes escritos, geralmente crónicas, inventarios, biografias ou outros escritos mais ou menos literários, careciam de perspectiva histórica e o rigor científico necessários para ser considerados historiografía da arte.^[85]

Johann Joachim Winckelmann é considerado o pai da História da arte, criando uma metodología científica para a classificação das artes e baseando a História da arte em uma teoria estética de influência neoplatónica: a beleza é o resultado de uma materialización da ideia. Grande admirador da cultura grega, postuló que na Grécia antiga se deu a beleza perfeita, gerando um mito sobre a perfección da beleza clássica que ainda condiciona a percepción da arte hoje em dia. Em Reflexão sobre a imitação das obras de arte gregas (1755) afirmou que os gregos chegaram a um estado de perfección total na imitação da natureza, pelo que nós só podemos imitar aos gregos. Assim mesmo, relacionou a arte com as etapas da vida humana (infância, maturidade, velhice), estabelecendo uma evolução da arte em três estilos: arcaico, clássico e helenístico.^[86]

Durante o século XIX, a nova disciplina procurou uma formulación mais prática e rigorosa, sobretudo desde o aparecimento do positivismo. No entanto, esta tarefa abordou-se desde diversas metodologías que supuseram uma grande multiplicidad de tendências historiográficas: o romantismo impôs uma visão historicista e revivalista do passado, resgatando e pondo novamente de moda estilos artísticos que tinham sido minusvalorados pelo neoclasicismo winckelmanniano; assim o vemos na obra de Ruskin , Viollet-lhe-Duc, Goethe, Schlegel, Wackenroder, etc. Em mudança, a obra de autores como Karl Friedrich von Rumohr, Jacob Burckhardt ou Hippolyte Taine, supôs uma primeira tentativa séria de formular uma História da arte em base a critérios científicos, baseando na análise crítico das fontes historiográficas. Por outro lado, Giovanni Morelli introduziu do conceito do connoisseur, o experiente em arte, que o analisa em base tanto a seus conhecimentos como a seu intuición.^[87]

A primeira escola historiográfica de grande relevância foi o formalismo, que defendia o estudo da arte a partir do estilo, aplicando uma metodología evolucionista que outorgava à arte uma autonomia afastada de qualquer consideração filosófica, recusando a estética romântica e o idealismo hegeliano, e se acercando ao neokantismo. Seu principal teórico foi Heinrich Wölfflin, considerado o pai da moderna História da arte. Aplicou à arte critérios científicos, como o estudo psicológico ou o método comparativo: definia os estilos pelas diferenças estruturais inherentes aos mesmos, como argumentou em sua obra Conceitos fundamentais da História da Arte (1915). Wölfflin não outorgava importância às biografias dos artistas, defendendo em mudança a ideia de nacionalidade, de escolas artísticas e estilos nacionais. As teorias de Wölfflin foram continuadas pela chamada Escola de Viena, com autores como Alois Riegl, Max Dvořák, Hans Sedlmayr e Otto Pächt.^[88]

Já no século XX, a historiografía da arte tem continuado dividida em múltiplas tendências, desde autores ainda enquadrados no formalismo (Roger Fry, Henri Focillon), passando pelas escolas sociológica (Friedrich Antal, Arnold Hauser, Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan) ou psicológica (Rudolf Arnheim, Max Wertheimer, Wolfgang Köhler), até perspectivas individuais e sintetizadoras como as de Adolf Goldschmidt ou Adolfo Venturi. Uma das escolas mais reconhecidas tem sido a da iconología, que centra seus estudos na simbologia da arte, no significado da obra artística. Através do estudo de imagens, emblemas, alegorias e demais elementos de significação visual, pretendem esclarecer a mensagem que o artista pretendeu transmitir em sua obra, estudando a imagem desde postulados mitológicos, religiosos ou históricos, ou de qualquer índole semántica presente a qualquer estilo artístico. Os principais teóricos deste movimento foram Aby Warburg, Erwin Panofsky, Ernst Gombrich, Rudolf Wittkower e Fritz Saxl.^[89]

História da arte

Arte na prehistoria (ca. 25000-3000 a. C.)

Vénus de Willendorf.

• Arte prehistórico: é o desenvolvido pelo ser humano primitivo desde o paleolítico superior até o neolítico, períodos onde surgiram as primeiras manifestações que se podem considerar como artísticas por parte do ser humano. No paleolítico, o homem dedicava-se à caça e vivia em grutas, elaborando a chamada pintura rupestre. No neolítico, volta-se sedentario e dedica-se à agricultura, com sociedades a cada vez mais complexas onde vai cobrando importância a religião, como se pode ver nos monumentos megalíticos, e começa a produção de peças de artesanato.^[90]

Arte antiga (ca. 3000-300 a. C.)

No Egipto e Mesopotamia surgiram as primeiras civilizações, e seus artistas/artesãos elaboraram complexas obras de arte que supõem já uma especialização profissional.

• Arte egípcia: sua arte era intensamente religiosa e simbólico, destacando em arquitectura as mastabas, as pirâmides e os hipogeos, como em Giza e o Vale dos Reis. A escultura e a pintura mostram a figura humana de forma realista, ainda que adolecen de hieratismo e esquematismo por causa da rigidez de suas cánones simbólico-religiosos.

• Arte mesopotámico: desenvolve-se na zona compreendida entre os rios Tigris e Éufrates, onde se sucederam diversas culturas como os sumerios, acadios, asirios, persas, etc. Na arquitectura destacam os zigurats, grandes templos de forma escalonada piramidal, enquanto a escultura desenvolve-se em talha exenta ou relevo, em cenas religiosas ou de caça e militares, com a presença de figuras humanas e animais reais ou mitológicos.^[91]

Arte clássica (1000 a. C.-300 d. C.)

Vitória de Samotracia, anónimo, 190 a. C.

• Arte grega: na Grécia desenvolveram-se as principais manifestações artísticas que têm marcado a evolução da arte ocidental. Depois de uns inícios onde destacaram as culturas minoica e micénica, a arte grega se desenvolveu em três períodos: arcaico, clássico e helenístico. Em arquitectura destacaram os templos, onde se sucederam três ordens construtivas: dórico, jónico e corintio. Destaca especialmente o conjunto da Acrópolis. Em escultura predominó a representação do corpo humano, com uma evolução desde formas rígidas e esquemáticas, passando pelo naturalismo do período clássico –com a obra de Mirón , Fidias e Policleto–, até o recargamiento e sinuosidad do período helenístico.

• Arte romana: com um claro precedente na arte etrusco, a arte romana recebeu uma grande influência da arte grega. Graças à expansão do Império romano, a arte clássica grecorromano chegou a quase todos os rincões da Europa, norte da África e Próximo Oriente, sentando as bases da arte ocidental. Grandes engenheiros e construtores, destacaram em arquitectura civil, com a construção de estradas, pontes, acueductos e obras urbanísticas, bem como templos, palácios, teatros, anfiteatros, circos, termas, arcos de triunfo, etc. A escultura, inspirada na grega, centra-se igualmente na figura humana, ainda que com mais realismo, não se importavam mostrar defeitos que eram ignorados pela idealizada escultura grega. A pintura é conhecida sobretudo pelos restos achados em Pompeya , e destacou especialmente o mosaico.^[92]

Arte na Alta Idade Média (300-900)

• Arte paleocristiano: com o aparecimento do cristianismo gerou-se ao longo do Império a chamada arte paleocristiano, que adquiriu estatus oficial depois da conversão ao cristianismo do imperador Constantino. A arte paleocristiano reinterpretó tanto as formas clássicas como as judias para servir como veículo de expressão da nova religião oficial, e se produziu uma atomización de estilos por zonas geográficas. Em arquitectura destacou como tipología a basílica, enquanto em escultura destacam os sarcófagos e continuam como em época romana a pintura e o mosaico.

• Arte prerrománico: denomina-se assim aos múltiplos estilos desenvolvidos na Europa desde a queda do Império romano até ao redor do ano 1000, onde a fusão da cultura clássica com a dos novos pobladores de origem germánico gerará as diversas nacionalidades que conformam actualmente o continente europeu. Se engloban nesta fase diversos estilos de marcado carácter regional, desde a arte visigodo e dos outros povos germánicos, ou inclusive a arte celta –especialmente nas Ilhas Britânicas– ou vikingo, passando pela arte asturiano, até a arte carolingio e otoniano no centro da Europa.^[93]

Arte na Baixa Idade Média (900-1400)

Pantocrátor de Sant Climent de Taüll, MNAC.

• Arte románico: representa o primeiro estilo de carácter internacional da cultura européia ocidental, com uma identidade plenamente consolidada depois do passo do latín às línguas vernáculas. De carácter eminentemente religioso, quase toda a arte románico está dirigido à exaltación e divulgação do cristianismo. A arquitectura destaca pelo uso de abóbadas de canhão e arcos de médio ponto, iniciando-se a construção de grandes catedrais, que seguirá durante o gótico. A escultura desenvolveu-se principalmente no marco arquitectónico, de carácter religioso, com figuras esquematizadas, sem realismo, de signo simbólico. A pintura é preferencialmente mural, de signo religioso e figuras esquemáticas ao igual que a escultura.

• Arte gótico: desenvolvido entre os séculos XII e XVI, foi uma época de desenvolvimento económico e cultural. A arquitectura sofreu uma profunda transformação, com formas mais ligeiras, mais dinâmicas, com uma melhor análise estrutural que permitiu fazer edifícios mais estilizados, com mais aberturas e, por tanto, melhor iluminação. Apareceram novas tipologías como o arco apontado e a abóbada de crucería, e a utilização de contrafuertes e arbotantes para sustentar a estrutura do edifício, permitindo interiores mais amplos e decorados com vitrales e rosetones. A escultura continuou enquadrada na obra arquitectónica, ainda que começou a desenvolver-se a escultura exenta, com formas mais realistas, inspiradas na natureza. A pintura deixou de ser mural para passar a retablos situados nos altares das igrejas, e começou a desenvolver-se a pintura em tela, ao tempere ou ao óleo. Sucederam-se quatro estilos pictóricos: o gótico linear ou franco-gótico, o gótico itálico ou trecentista (Cimabue, Giotto, Duccio), o gótico internacional (Stefan Lochner, Bernat Martorell) e o gótico flamenco (Jan Vão Eyck, O Bosco).^[94]

Arte na Idade Moderna (1400-1800)

O nascimento de Vénus (1485), de Sandro Botticelli.

• Renacimiento: época de grande esplendor cultural na Europa, a religião deixou passo a uma concepção mais científica do homem e o universo, surgindo o humanismo. As novas descobertas geográficas fizeram que a civilização européia se expandisse por todos os continentes, e a invenção da imprenta supôs uma maior universalización da cultura. A arte inspira-se na arte clássica grecorromano, pelo que se fala de “renacimiento” artístico depois do oscurantismo medieval. Inspirado na natureza, surgem novos modelos de representação, como o uso da perspectiva. A arquitectura recuperou os modelos clássicos, reelaborados com um conceito mais naturalista e com bases científicas: destacam Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti e Bramante. A escultura procurou igualmente a idealizada perfección do clasicismo, como na obra de Lorenzo Ghiberti e Donatello. A pintura sofreu uma notável evolução desde as formas medievales, com formas naturalistas e temáticas profanas ou mitológicas junto às religiosas, destacando Botticelli, Perugino, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Leonardo Dá Vinci, Rafael, Alberto Durero, Pieter Brueghel, etc.

• Manierismo: evolução das formas renacentistas, o manierismo abandonou a natureza como fonte de inspiração para procurar um tom mais emotivo e expresivo, cobrando importância a interpretação subjetiva que o artista faz da obra de arte. A arquitectura adquire um signo mais efectista e de tenso equilíbrio, destacando Andrea Palladio e Miguel Ángel. Em escultura, descuella a obra de Miguel Ángel, com obras de tenso dinamismo onde realça a expressão da pessoa representada. A pintura tem um selo mais caprichoso, extravagante, com gosto pela forma sinuosa e estilizada, destacando em primeiro lugar –como nas outras artes– Miguel Ángel, seguido de Bronzino , Correggio, Parmigianino, Giorgione, Tiziano, Veronese, Tintoretto, O Greco, etc.^[95]

• Barroco: época de grandes disputas no terreno político e religioso, surge uma divisão entre os países católicos contrarreformistas, onde se afianza o estado absolutista, e os países protestantes, de signo mais parlamentar. A arte volta-se mais refinado e ornamentado, com sobrevivência de um verdadeiro racionalismo clasicista mas com formas mais dinâmicas e efectistas, com gosto pelo surpreendente e anecdótico, pelas ilusões ópticas e os golpes de efeito. A arquitectura, baixo umas linhas clássicas, assume umas formas mais dinâmicas, com uma exuberante decoración, destacando Gian Lorenzo Bernini, Francesco Borromini, Fischer von Erlach, José Benito Churriguera, etc. A escultura adquire o mesmo carácter dinâmico, sinuoso, expresivo, ornamental, destacando novamente Bernini, bem como Pedro de Mena, Francisco Salzillo, etc. A pintura desenvolveu-se em duas tendências contrapostas: o naturalismo, baseado na estrita realidade natural, com gosto pelo claroscuro –o chamado “tenebrismo”–, onde cabe citar a Caravaggio e Georges da Tour; e o clasicismo, que é igualmente realista mas com um conceito da realidade mais intelectual e idealizado, englobando a Annibale Carracci, Nicolas Poussin, Claude Lorrain, etc. Aparte de dois correntes, tiveram infinitud de escolas, estilos e autores de muito diverso signo, destacando duas escolas regionais: a flamenca (Rubens, Vão Dyck), e a holandesa (Rembrandt, Vermeer). Em Espanha destacou a figura excepcional de Velázquez , bem como José de Ribera, Francisco de Zurbarán e Bartolomé Esteban Murillo.

• Rococó: desenvolvido no século XVIII, supõe a sobrevivência das principais manifestações artísticas do barroco, com um sentido mais enfatizado da decoración e o gosto ornamental, que são levados a um paroxismo de riqueza, sofisticación e elegancia. A arquitectura rococó desenvolveu-se sobretudo na França e Alemanha, representado por Ange-Jacques Gabriel e Johann Balthasar Neumann. A escultura tem um ar grácil, refinado, como na obra de Jean-Antoine Houdon ou os irmãos Asam (Cosmas Damian e Egid Quirin. A pintura move-se entre a exaltación religiosa ou o paisajismo vedutista na Itália, e as cenas cortesanas de Watteau e Fragonard na França, passando pelo retratismo inglês de Reynolds e Gainsborough. Figura aparte é o inclasificable pintor espanhol Francisco de Goya, que evoluiu desde um selo mais ou menos rococó até um verdadeiro prerromanticismo, mas com uma obra pessoal e expresiva de forte tom intimista.

• Neoclasicismo: o auge da burguesía depois da Revolução francesa favoreceu o resurgimiento das formas clássicas, mais puras e austeras, em contraposição aos excessos ornamentales do barroco e rococó, identificados com a aristocracia. A arquitectura neoclásica é mais racional, de signo funcional e um verdadeiro ar utópico, como vemos nos postulados de Claude-Nicolas Ledoux e Étienne-Louis Boullée. A escultura, de lógico referente grecorromano, teve como principais figuras a Antonio Canova e Bertel Thorvaldsen. A pintura manteve um selo austero e equilibrado, influído pela escultura grecorromana ou figuras como Rafael e Poussin, destacando Jacques-Louis David, J.A.D. Ingres, José de Madrazo, etc.^[96]

Arte na Idade contemporânea (1800-Actualidade)

Viajante em frente ao mar de nevoeiro (1818), de Caspar David Friedrich.

Século XIX

Entre finais do século XVIII e princípios do XIX sentaram-se as bases da sociedade contemporânea, marcada no terreno político pelo fim do absolutismo e a instauración de governos democráticos –impulso iniciado com a Revolução francesa–; e, no económico, pela Revolução industrial e o afianzamiento do capitalismo, que terá resposta no marxismo e a luta de classes. No terreno da arte, começa uma dinâmica evolutiva de estilos que se sucedem cronologicamente a cada vez com maior celeridade, que culminará no século XX com uma atomización de estilos e correntes que convivem e se contrapõem, se influem e se enfrentam.

• Arquitectura do século XIX: a arquitectura decimonónica sofreu uma grande evolução devido aos avanços técnicos que comportou a Revolução industrial, com a incorporação de novos materiais como o ferro e o hormigón, que permitiram a construção de estruturas mais sólidas e diáfanas. Estilísticamente, a primeira metade de século viu um verdadeiro eclecticismo das formas, bem como um revival de estilos anteriores reinterpretados segundo conceitos modernos: é o chamado historicismo, que produziu movimentos como o neorrománico, o neogótico, o neobarroco, etc. No final de século surgiu o modernismo, que supôs uma grande revolução em terreno do desenho, com nomes como Victor Horta, Otto Wagner, Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner, Josep Puig i Cadafalch, etc.^[97]

• Romantismo: movimento de profunda renovação em todos os géneros artísticos, os românticos puseram especial atenção no terreno da espiritualidad, da imaginación, a fantasía, o sentimento, a evocación ensoñadora. Em pintura, após uma fase prerromántica onde poderíamos citar a William Blake e Johann Heinrich Füssli, destacaram Eugène Delacroix, Théodore Géricault, John Constable, Joseph Mallord William Turner, etc. Uma derivação do romantismo foi o movimento alemão dos Nazarenos.

• Realismo: desde mediados de século surgiu uma tendência que pôs énfasis na realidade, a descrição do mundo circundante, especialmente de operários e camponeses no novo marco da era industrial, com um verdadeiro componente de denúncia social, unido a movimentos políticos como o socialismo utópico. Em pintura destacam Camille Corot, Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier e Marià Fortuny. Em Grã-Bretanha surgiu a escola dos prerrafaelitas, que se inspiravam –como seu nome indica– nos pintores italianos anteriores a Rafael, bem como na recém surgida fotografia. Em escultura, destacou Constantin Meunier.

• Impresionismo: foi um movimento profundamente inovador, que supôs uma ruptura com a arte académica e uma transformação da linguagem artística, iniciando o caminho para os movimentos de vanguardia . Inspiravam-se na natureza, da que pretendiam captar uma ‘impressão’ visual, a plasmación de um instante na tela –por influjo da fotografia–, com uma técnica de pincelada solta e tons claros e luminosos. Cabe mencionar como principais representantes a Édouard Manet –considerado um precursor–, Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir e Edgar Degas. Igual de renovador foi no terreno da escultura o papel de Auguste Rodin, que sentou as bases da escultura do século XX.

• Neoimpresionismo: evoluindo desde o impresionismo, os neoimpresionistas preocupam-se mais dos fenómenos ópticos, desenvolvendo a técnica do puntillismo, como se pode apreciar na obra de Georges Seurat e Paul Signac.

• Postimpresionismo: são artistas que, partindo dos novos achados técnicos efectuados pelos impresionistas, os reinterpretan de maneira pessoal, abrindo diferentes vias de desenvolvimento de soma importância para a evolução da arte no século XX: Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Paul Cézanne, Vincent Vão Gogh, Joaquín Sorolla, etc.^[98]

• Simbolismo: corrente de corte fantástico e onírico, surgiu como reacção ao naturalismo da corrente realista e impresionista, pondo especial énfasis no mundo dos sonhos, bem como em aspectos satánicos e terríveis, o sexo e a perversión. Destacaram Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes e Gustav Klimt.

Formas únicas de continuidade no espaço (1913), de Umberto Boccioni.

Século XX

A arte do século XX padece uma profunda transformação: em uma sociedade mais materialista, mais consumista, a arte dirige-se aos sentidos, não ao intelecto. Igualmente, cobra especial relevância o conceito de moda, uma combinação entre a rapidez das comunicações e o aspecto consumista da civilização actual. Surgem assim os movimentos de vanguardia , que pretendem integrar a arte na sociedade, procurando uma maior interrelación artista-espectador, já que é este último o que interpreta a obra, podendo descobrir significados que o artista nem conhecia. As últimas tendências artísticas perdem inclusive o interesse pelo objecto artístico: a arte tradicional era uma arte de objecto, o actual de conceito. Há uma revalorización da arte activa, da acção, da manifestação espontánea, efémera, da arte não comercial (arte conceptual, happening, environment).

• Arquitectura do século XX: a arquitectura tem sofrido uma profunda transformação desde as formas tradicionais até os movimentos de vanguardia, que têm suposto um novo conceito construtivo baseado em uma concepção mais racional do espaço, estruturado de forma mais depurada e funcional, com especial atenção às novas tecnologias e a sua localização medioambiental. A principal tendência artística tem sido o racionalismo, representado fundamentalmente pela Escola da Bauhaus. Entre os nomes dos mais destacados arquitectos do século XX sobresalen Walter Gropius, Frank Lloyd Wright, Ludwig Mies vão der Rohe, Lhe Corbusier, José Luis Sert, Oscar Niemeyer, Alvar Aalto, Pier Luigi Nervi, Luis Barragán, Rafael Moneo, Richard Rogers, Robert Venturi, Frank Gehry, Norman Foster, James Stirling, Santiago Calatrava, etc.^[99]

• Vanguardismo (1905-1945):
  • Fauvismo: primeiro movimento vanguardista do século XX, o fauvismo supôs uma experimentación no terreno da cor, que é concebido de modo subjetivo e pessoal, lhe aplicando valores emotivos e expresivos. Destacam Henri Matisse, Albert Marquet, Raoul Dufy, André Derain e Maurice de Vlaminck.
  • Expresionismo: surgido como reacção ao impresionismo, os expresionistas defendiam uma arte mais pessoal e intuitivo, onde predominase a visão interior do artista –a ‘expressão’– em frente à plasmación da realidade –a ‘impressão’–, refletindo em suas obras uma temática pessoal e intimista com gosto pelo fantástico, deformando a realidade para acentuar o carácter expresivo da obra. Com precedentes nas figuras de Edvard Munch e James Ensor, formou-se principalmente em torno de dois grupos: Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil Nolde), e Der Blaue Reiter (Vasili Kandinski, Franz Marc, August Macke, Paul Klee), destacando igualmente Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Amedeo Modigliani, Marc Chagall, etc.
  • Cubismo: este movimento baseou-se na deformação da realidade mediante a destruição da perspectiva espacial de origem renacentista, organizando o espaço em base a uma trama geométrica, com visão simultânea dos objectos, uma faixa de cores frios e apagados, e uma nova concepção da obra de arte, com a introdução do collage. A figura principal deste movimento foi Pablo Picasso, um dos grandes génios do século XX, junto a Georges Braque, Juan Cinza e Fernand Léger, bem como Alexander Archipenko, Pablo Gargallo e Julio González em escultura. Uma derivação do cubismo foi o orfismo de Robert Delaunay.
  • Futurismo: movimento italiano que exaltou os valores do progresso técnico e industrial do século XX, destacando aspectos da realidade como o movimento, a velocidade e a simultaneidad da acção. Destacam em pintura Giacomo Balla e Gino Severini, e Umberto Boccioni em escultura.
  • Dadaísmo: movimento de reacção aos desastres da guerra, o dadaísmo supôs uma proposta radical do conceito de arte, que perde qualquer componente baseado na lógica e a razão, reivindicando a dúvida, a casualidade, o absurdo da existência. Isto se traduz em uma linguagem subversivo, onde se questionam tanto as temáticas como as técnicas tradicionais da arte, experimentando com novos materiais e novas formas de composição, como o collage, o fotomontaje e os ready-made. Destacam Hans Arp, Francis Picabia, Kurt Schwitters e Marcel Duchamp.
  • Surrealismo: com um claro precedente na pintura metafísica (Giorgio de Chirico, Carlo Carrà), o surrealismo pôs especial énfasis na imaginación, a fantasía, o mundo dos sonhos, com uma forte influência do psicoanálisis, como se percebe em seu conceito de escritura automática”, pela que tentam se expressar libertando sua mente de qualquer atadura racional, mostrar a pureza do inconsciente. A pintura surrealista moveu-se entre a figuración (Salvador Dalí, Paul Delvaux, René Magritte, Max Ernst) e a abstracção (Joan Olhou, André Masson, Yves Tanguy). Em escultura destacam Henry Moore, Constantin Brâncuşi, Alberto Giacometti e Alexander Calder.
  • Arte abstrata: questionado o conceito de realidade pelas novas teorias científicas, e com o surgimiento de novas tecnologias como a fotografia e o cinema, que já se encarregam de plasmar a realidade, se produz a génesis da arte abstrata: o artista já não tenta refletir a realidade, senão seu mundo interior, expressar seus sentimentos. A arte perde todo aspecto real e de imitação da natureza para se centrar na simples expresividad do artista, em formas e cores que carecem de qualquer componente referencial. Iniciado por Vasili Kandinski, foi desenvolvido pelo movimento neoplasticista (De Stijl), com figuras como Piet Mondrian e Theo Vão Doesburg.
  • Constructivismo: surgido na Rússia revolucionária, é um estilo comprometido politicamente que pretende através da arte realizar uma transformação da sociedade, mediante uma reflexão sobre as formas puras artísticas concebidas desde aspectos como o espaço e o tempo, que geram uma série de obras de estilo abstrato, com tendência à geometrización. Destacam Vladímir Tatlin, Lissitzky, Anton Pevsner e Naum Gabo. Uma variante foi o suprematismo de Kasimir Malevich.^[100]

Libertação de 1001 balões azuis, “escultura aerostática” de Yves Klein. As últimas tendências têm sido propensas a uma arte mais desmaterializado, onde importa mais o conceito, a mensagem, a acção.

• Últimas tendências (1945-Actualidade):
  • Informalismo: conjunto de tendências baseadas na expresividad do artista, renunciando a qualquer aspecto racional da arte (estrutura, composição, aplicação preconcebida da cor). Inclui diversas correntes como o tachismo, o art brut e a pintura matérica. Destacam Georges Mathieu, Hans Hartung, Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Antoni Tàpies, Lucio Fontana, Antonio Saura, Manolo Milhares, etc. Em escultura cabe citar a Jorge Oteiza, Pablo Serrano e Eduardo Chillida. Nos Estados Unidos desenvolveu-se o expresionismo abstrato, caracterizado pela utilização da técnica do dripping, o chorreado de pintura sobre a teia, sobre a que intervinha o artista com diversos utensilios ou com seu próprio corpo. Entre seus membros figuram Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline e Willem de Kooning.
  • Pop-art: surgiu nos Estados Unidos como movimento de rejeição ao expresionismo abstrato, englobando uma série de autores que voltam à figuración, com um marcado componente de inspiração popular, tomando imagens do mundo da publicidade e dos meios de comunicação de massas. Com um precedente no chamado New Dada (Robert Rauschenberg, Jasper Johns), destacaram no pop-art Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist, Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton e, em escultura, Claes Oldenburg.
  • Novo realismo: movimento francês inspirado no mundo da realidade circundante, do consumismo e a sociedade industrial, do que extraem –ao invés que no pop-art– seu aspecto mais desagradable, com especial predilección pelos materiais detríticos. Seus representantes foram Armam, César Baldaccini, Yves Klein, Jean Tinguely, Piero Manzoni, etc.
  • Arte cinético: também chamado op-art (‘arte óptica’), é um estilo que põe énfasis no aspecto visual da arte, especialmente nos efeitos ópticos, que são produzidos bem por ilusões ópticas (figuras ambiguas, imagens persistentes, efeito de moiré ), bem mediante o movimento ou os jogos de luzes. Destacam Víctor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Yaacov Agam, Julio Lhe Parc, Eusebio Sempere, etc.
  • Arte de acção: são diversas tendências baseadas no acto da criação artística, onde o importante não é a obra em si, senão o processo criador, no que além do artista intervém com frequência o público, com um grande componente de improvisación. Engloba diversas manifestações artísticas como o happening, a performance, o environment, a instalação, etc. Entre suas figuras destacam Joseph Beuys, Allan Kaprow, Wolf Vostell, Eōko Ono, Nam June Paik, etc.
  • Minimalismo: com um antecedente na Nova abstracção (ou Abstracção postpictórica) o minimalismo foi uma corrente que supôs um processo de desmaterialización que desembocaria na arte conceptual. São obras de carácter abstrato, de arguida simplicidad, reduzidas a um mínimo motivo, depurado à proposta inicial do autor, a base sobre a que teria desenvolvido a ideia que, no entanto, fica plasmada em sua fase inicial. Destacaram os pintores Robert Mangold e Robert Ryman, e os escultores Carl Andre, Dão Flavin, Donald Judd e Sol LeWitt.
  • Hiperrealismo: como reacção ao minimalismo surgiu esta nova corrente figurativa, caracterizada por sua visão superlativa e exagerada da realidade, que é plasmada com grande exactidão em todos seus detalhes, com um aspecto quase fotográfico. Destacam Chuck Close, Richard Lestes, Antonio López García e, em escultura, George Segal, famoso por suas figuras humanas em yeso .
  • Arte conceptual: depois do despojamiento material do minimalismo, a arte conceptual renúncia ao sustrato material para centrar no processo mental da criação artística, afirmando que a arte está na ideia, não no objecto. Inclui diversas tendências: a arte conceptual linguístico, o mais purista da conceptualidad, centrado na relação arte-linguagem (Joseph Kosuth); a arte povera, centrado nas instalações, geralmente de materiais detríticos (Mario Merz, Jannis Kounellis); o body-art, com o corpo humano como suporte; o land-art, que utiliza a natureza como suporte, com um marcado componente efémero; o bio-art, que usa técnicas biológicas; etc.
  • Arte postmoderno: por oposição à denominada arte moderna, é a arte própria da postmodernidad. Assumem o falhanço dos movimentos de vanguardia como o falhanço do projecto moderno: as vanguardias pretendiam eliminar a distância entre a arte e a vida, universalizar a arte; o artista postmoderno, em mudança, é autorreferencial, a arte fala da arte, não pretendem fazer um labor social. Destacam artistas individuais como Jeff Koons, David Lhe saia, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Julian Schnabel, Miquel Barceló, etc.; ou também diversos movimentos como a transvanguardia italiana, o neoexpresionismo alemão, o neomanierismo, a figuración livre, etc.^[101]

Veja-se também: História da literatura, História da música, História do teatro, História da ópera, História de dança-a, História da fotografia, História do cinema e História da banda desenhada

Veja-se também

• Portal:Arte. Conteúdo relacionado com Arte.
• Belas Artes
• Artes liberais
• Teoria da arte
• Arte autodestructivo
• Arte marcial
• Arte e anatomía
• Artesanato
• Todos os artigos na Wikipedia que começam pela palavra Arte

Referências

Bibliografía

• AA.VV. (1991). Enciclopedia da Arte Garzanti, Edições B, Barcelona. ISBN 84-406-2261-9.
• Azcárate Ristori, José María de; Pérez Sánchez, Alfonso Emilio; Ramírez Domínguez, Juan Antonio (1983). História da Arte, Anaya, Madri. ISBN 84-207-1408-9.
• Beardsley, Monroe C. e Hospers, John (1990). Estética. História e fundamentos, Cátedra, Madri. ISBN 84-376-0085-5.
• Focinheira, Valeriano (e outros) (2000). História das ideias estéticas e das teorias artísticas contemporâneas (vol. I), Visor, Madri. ISBN 84-7774-580-3.
• Focinheira, Valeriano (e outros) (1999). História das ideias estéticas e das teorias artísticas contemporâneas (vol. II), Visor, Madri. ISBN 84-7774-581-1.
• Focinheira, Valeriano (1993). Modernos e postmodernos, História 16, Madri.
• Brandi, Cessar (2002). Teoria da restauração, Aliança, Madri. ISBN 84-206-4138-3.
• Eco, Umberto (2004). História da beleza, Lumen, Barcelona. ISBN 84-264-1468-0.
• Fatás, Guillermo e Borrás, Gonzalo (1990). Dicionário de termos de arte e elementos de arqueologia, heráldica e numismática, Aliança, Madri. ISBN 84-206-0292-2.
• Fuga, Antonella (2004). Técnicas e materiais da arte, Eleita, Barcelona. ISBN 84-8156-377-3.
• Givone, Sergio (2001). História da estética, Tecnos, Madri. ISBN 84-309-1897-3.
• Gombrich, Ernst (1997). História da Arte, Debate, Madri. ISBN 978-84-8306-044-5.
• González, Antonio Manuel (1991). As chaves da arte. Últimas tendências, Planeta, Barcelona. ISBN 84-320-9702-0.
• Hauser, Arnold (2004). História social da literatura e a arte, Debolsillo, Barcelona. ISBN 978-84-9793-220-2.
• Marty, Gisèle (1999). Psicologia da arte, Pirâmide, Madri. ISBN 84-368-1340-5.
• Souriau, Étienne (1998). Dicionário Akal de Estética, Akal, Madri. ISBN 84-460-0832-7.
• Tatarkiewicz, Władysław (2000), [Expressão errónea: operador < inesperado História da estética I. A estética antiga], Madri: Akal, ISBN 84-7600-240-8 

  (1989), [Expressão errónea: operador < inesperado História da estética II. A estética medieval], Madri: Akal, ISBN 84-7600-407-9 

  (1991), [Expressão errónea: operador < inesperado História da estética III. A estética moderna 1400-1700], Madri: Akal, ISBN 84-7600-669-1 

  (2002), [Expressão errónea: operador < inesperado História de seis ideias], Madri: Tecnos, ISBN 84-309-3911-3 

• Villa, Rocío da (2003). Guia da arte hoje, Tecnos, Madri. ISBN 84-309-3930-X.

Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga conteúdo multimédia sobre Arte.Commons
• Wikiquote alberga frases célebres de ou sobre Arte. Wikiquote
• Arte.Observatório.info (uma obra de arte ao dia, com explicação, comentários e votações).
• ArsSummum.é (arquivo digital de fotografia e documentos especializado em História da Arte).
• Arte10.com (portal de arte espanhol contemporâneo).
• ArteMuseos.com (portal de arte espanhol com todas as notícias relacionadas com a arte, os museus e artistas. A cada artista pode criar sua própria página site).
• CiudadSeva.com ("Que é a arte", de Lev Tolstoi).
• Revista.Escaner.cl (crítica de arte).
• Societarts; Revista de Artes e humanidades UABC
• ARTEHISTORIA, a página da Arte e a Cultura em Espanhol (Extensas secções de História da Arte Universal e Espanhol e centos de vídeos didácticos).mhr:Сымыктышmwl:Arte

This page is based in an article from Wikipedia (please colaborate or donate).
Reutilization of the present article (modified or copied) is encouraged with the only conditions of adding a link to this page and to keep the same license.