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Arte abstrata

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Pintura realizada no estilo neoplasticista de Piet Mondrian.

Arte abstrata é o estilo artístico que enfatiza os aspectos cromáticos, formais e estruturais, os acentuando, realçando seu valor e força expresiva, sem tratar de imitar modelos ou formas naturais. A arte abstrata deixa de considerar justificada a necessidade da representação figurativa e tende a substituir por uma linguagem visual autónomo, dotado de suas próprias significações. A arte abstrata usa uma linguagem visual de forma, cor e linha para criar uma composição que pode existir com independência de referências visuais do mundo real.[1] A arte ocidental tinha estado, desde o Renacimiento até mediados do século XIX, submetido à lógica da perspectiva e a uma tentativa de reproduzir uma ilusão de realidade visível. A arte de culturas diferentes à Européia fizeram-se acessíveis e mostravam formas alternativas de descrever experiências visuais aos artistas. No final do século XIX muitos artistas sentiram a necessidade de criar um novo tipo de arte que assumiria as mudanças fundamentais que se estavam a produzir em tecnologia, ciências e filosofia. As fontes das que os artistas individuais tomavam seus argumentos teóricos eram diversas, e refletiam as preocupações intelectuais e sociais em todas as áreas da cultura ocidental daquela época.[2]

A abstracção aparta-se da realidade na representação da imaginería na arte. Este distanciamiento de uma representação exacta pode ser só ligeira, parcial ou completa. A abstracção existe com certa graduación. Inclusive a arte que pretende verosimilitud do mais alto grau pode ser abstrato, ao menos em teoria, pois a representação perfeita é extremamente improvável. A obra de arte que se toma liberdades, alterando por exemplo a cor e a forma de maneiras evidentes, pode se dizer que em parte é abstrata. A abstracção total não conserva nenhuma traça de referência a nada reconocible. A arte figurativo e a abstracção total são quase mutuamente excluyentes. Mas a arte figurativo e o representativo (ou realista) com frequência contém algo de abstracção parcial. Entre os muito diversos movimentos artísticos que personifican uma abstracção parcial estariam por exemplo o fauvismo no que a cor está intencionadamente alterada em relação com a realidade, e o cubismo, que claramente altera as formas da vida real nos objectos que representa.[3] [4]

Mas a abstracção pura, na que não há referência alguma a realidades naturais, surgiu ao redor de 1910 , como reacção ao realismo, e influído pelo aparecimento da fotografia que provocou a crise da arte figurativo. É uma das manifestações mais significativas da arte do século XX. Esta linguagem elaborou-se a partir das experiências de vanguardia precedentes. Por um lado, o fauvismo e o expresionismo libertaram a cor, o que derivou para a abstracção lírica ou informalismo. Outra via foi a do cubismo, que fez hincapié na conceptualización da forma e da composição, o que levou a outro tipo de abstracção, as diferentes abstracções geométricas e construtivas. Tanto a abstracção geométrica como a abstracção lírica são com frequência totalmente abstratas. Portanto, já desde seus começos, a arte abstrata tem tendido para dois pólos: um, cujas origens se remontam ao fauvismo, é livre e lírico; o outro, inspirando-se mais no cubismo, é rigorosamente geométrico.

O conceito de arte abstrato designa uma série de tendências em pintura, escultura e artes gráficas, que recusam a cópia ou a imitação de todo modelo exterior à consciência do artista. Entende-se por arte abstrata aquele que prescinde de toda figuración (espaço real, objectos, paisagens, figuras, seres animados e inclusive formas geométricas se se representam como objectos reais, com iluminação e perspectiva); segundo esta acepción, uma obra abstrata não pode fazer referência a algo exterior à obra em si mesma, senão que propõe uma nova realidade diferente à natural.

Conteúdo

História

Século XIX

Três movimentos artísticos que contribuíram ao desenvolvimento da arte abstrata foram o Romantismo, o impresionismo e o expresionismo.[cita requerida] Ao longo do século XIX conseguiu-se a independência dos artistas. O mecenazgo da igreja diminuiu e o privado do público foi mais capaz de proporcionar uma forma de vida para os artistas.

As primeiras insinuaciones de uma nova arte foram obra de James McNeill Whistler quem, em sua pintura Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket, («Nocturno em negro e ouro: o foguete que cai», 1872), deu grande énfasis à sensação visual que à representação dos objectos. Um interesse objectivo no que se vê, pode distinguir de outras pinturas de John Constable, J M W Turner, Camille Corot e deles os impresionistas que continuaram a pintura ao ar livre da escola de Barbizon.

Século XX

Vejam-se também: Pintura ocidental, Fauvismo e Cubismo

Paul Cézanne tinha começado como impresionista mas o que pretendia, uma construção lógica da realidade baseada em uma vista desde um simples ponto de vista,[5] com cor modulado em áreas planas, se converteu na base de uma nova arte visual, para ser mais tarde desenvolvido para o cubismo por George Braque e Pablo Picasso.

Os pintore[Expresionismo|expresionistas]] exploraram o uso grosseiro da superfície pictórica, desenhando distorsiones e exageros e cor intensa. Os expresionistas produziram pinturas carregadas emocionalmente que eram reacções e percepciones da experiência contemporânea; e reacções ao impresionismo e outras direcções mais conservadoras da pintura de finais do XIX. Ainda que artistas como Edvard Munch e James Ensor se viram influídos principalmente pela obra dos posimpresionistas foram decisivos para a chegada da abstracção no século XX.

O posimpresionismo tal como o praticaram Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent vão Gogh e Paul Cézanne teve um enorme impacto na arte do século XX e levou à chegada da abstracção do século XX. A herança de pintores como Vão Gogh, Cézanne, Gauguin e Seurat foi essencial para o desenvolvimento da arte moderna. A começos do século XX, Henri Matisse e outros jovens artistas incluindo aos precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e Maurice de Vlaminck revolucionaram o mundo artístico de Paris com pinturas de paisagens e figuras «selvagens», de muito colorido e expresivos, que os críticos chamaram fauvismo. A crua linguagem de cor tal como o desenvolveram os fauves directamente influíram a outro pioneiro da abstracção Vasili Kandinski.

Ainda que o cubismo ao final depende do tema representado foi junto com o fauvismo o movimento artístico que directamente abriu a porta à abstracção no século XX. Pablo Picasso fez suas primeiras obras cubistas baseando na ideia de Cézanne de que toda a representação da natureza pode se reduzir a três sólidos: cubo, esfera e cone. Com a pintura As señoritas de Aviñón 1907, Picasso creio dramaticamente um quadro novo e radical representando um burdel primitivo e cru com cinco prostitutas, mulheres violentamente pintadas, que recordavam máscaras trbales africanas e suas novas criações cubistas. O cubismo analítico foi desenvolvido conjuntamente por Pablo Picasso e Georges Braque, desde ao redor de 1908 até 1912. O cubismo analítico, a primeira manifestação clara do cubismo, foi seguido pelo cubismo sintético, praticado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Cinza, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e inumeráveis artistas para os anos vinte. O cubismo sintético caracteriza-se pela introdução de diferentes texturas, superfícies, elementos de collage , papier collé e grande variedade de objectos diversos unidos. Os artistas de collage com Kurt Schwitters e Man Ray e outros influídos pelo cubismo foram decisivos para o desenvolvimento do movimento chamado dadá.

Desde princípios de século as conexões culturais entre artistas das principais cidades européias e norte-americanas tinham-se voltado extremamente activos conforme esforçaram-se por criar uma forma de arte que igualasse as altas aspirações do modernismo. As ideias foram capazes de influir-se mutuamente através de livros de artistas, exposições e manifiestos de maneira que muitas fontes estavam abertas à experimentación e formaram a base da diversidade de modos de abstracção. O seguinte extracto, de The World Backwards, proporciona alguma impressão das interconexiones da cultura da época:

«O conhecimento de David Burliuk dos movimentos de arte moderno deveu ser extremamente actualizados, pois a segunda exposição Knave of Diamonds, celebrada em janeiro em de 1912 (em Moscovo) incluó não só pinturas enviadas desde Munique, senão alguns membros do grupo alemão Die Brücke, enquanto de Paris vieram obras de Robert Delaunay, Henri Matisse e Fernand Léger, bem como de Picasso. Durante a primavera David Burliuk deu duas conferências sobre o cubismo e planeou uma publicação polémica, que o Knave of Diamonds ia financiar. Foi ao estrangeiro em maio e regressou determinado a rivalizar com o almanaque Der Blaue Reiter que tinha emergido dos impresores enquanto o estava na Alemanha».

Música

Algumas aproximações à arte abstrata tinha conexões com a música. A música proporciona um exemplo de uma forma de arte que usa os elmentos abstratos do som e as divisões do tempo. O mesmo Vasili Kandinski, que também era músico, foi inspirado pela possibilidade de marcas e cor associativa ressoando na alma. A ideia tinha sido prouesta por Charles Baudelaire, que todos nossos sentidos respondem a diversos estímulos mas os sentidos estão ligados em um nível estético mais fundo.

Intimamente relacionado com isto, está a ideia de que a arte tem A dimensão espiritual e pode transcender a vida da cada dia, atingindo um plano espiritual. A Sociedade Teosófica popularizó a antiga sabedoria dos livros sagrados da Índia, China nos primeiros anos do século. Foi neste contexto que Piet Mondrian, Vasili Kandinski, Hilma af Klint e outros artistas trabalhando para o «estado sem objecto» se viram interessados no oculto como uma maneira de criar um objecto «interior». As formas universais e intemporales que se encontram em geometria: o círculo, o quadrado e o triângulo converteram-se em elementos espaciais na arte abstrata; eram, como a cor, sistemas fundamentais que estavam por embaixo da realidade visível.

Abstracção Lírica

Artigo principal: Abstracção lírica

Cronologicamente, o lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por suas composições não figurativas datadas em 1904 , como o primeiro pintor abstrato. Mas a abstracção como um estilo moderno internacional, coerente, viu suas verdadeiras bases estabelecidas por Vasili Kandinski. Sua obra ilustra a chamada abstracção lírica. Chegou, entre 1910 e 1912, a uma abstracção impregnada de sentimento, idealmente representativa das aspirações dos artistas do grupo expresionista de Munique Der Blaue Reiter, do que ele mesmo fazia parte. A partir de 1912, quase todos os artistas europeus fizeram experimentos nesta linha.

Para o ano 1911 tinham-se criado muitas obras experimentales que procuravam a «arte pura». Na França, Robert Delaunay elaborou, desde 1912, a partir das teorias de Chevreul sobre o contraste simultâneo das cores, suas Janelas e suas primeiras Formas circulares cósmicas abstratas, enquanto Frank Kupka expunha no Salão de Outono de 1912 Amorfa, fuga de duas cores e em 1913 Planos verticais azuis e vermelhos. Em 1913 o poeta Guillaume Appollinaire chamou orfismo à obra de Robert e Sonia Delaunay. Definiu-o como a arte de pintar novas estruturas a partir de elementos que não têm sido tomados prestados da esfera visual, senão que tinham sido criados totalmente pelo artista... é arte puro.

Vanguardia russa

Vejam-se também: Vanguardia russa e Futurismo (arte)

Na mesma época, na Rússia, Mijaíl Larionov e Natalia Goncharova levaram até a abstracção pura seu método de transcrição do fenómeno luminoso, ao que denominaram rayonismo (Luchizm). Seus desenhos usavam linhas como raios de luz para fazer uma construção. Muitos dos artistas abstratos na Rússia converteram-se em constructivistas achando que a arte não era já nunca mais algo remoto, senão a vida mesma. O artista devia converter em um técnico, aprendendo a usar as ferramentas e materiais de produção moderna. A arte à vida! era o eslógan de Vladímir Tatlin, e de todos os futuros constructivistas. Varvara Stepánova e Alexandre Exter e outros abandonaram a pintura de caballete e puseram suas energias no desenho para teatros e a obra gráfica.

Kasimir Malevich completou sua primeira obra inteiramente abstrata, a suprematista, Quadrado negro em 1915. Outro membro do grupo suprematista, Liubov Popova, criou as Construções Arquitectónicas e Construções de Força Espacial entre 1916 e 1921. Malévich, Anton Pevsner e Naum Gabo argumentavam que a arte era essencialmente uma actividade espiritual; para criar o lugar do indivíduo no mundo, não para organizar a vida em um sentido materialista e prático. Muitos daqueles que eram hostis à ideia de produção materialista da arte abandonaram a Rússia. Anton Pevsner foi a França, Gabo marchou primeiro a Berlim, depois a Inglaterra e ao final aos Estados Unidos. Kandinski estudou em Moscovo depois marchou-se à Bauhaus. Em meados dos anos vinte o período revolucionário (de 1917 a 1921) quando artistas tinham sido livres de experimentar, estava acabado; e para os anos trinta só estava permitido a arte do realismo social.[6]

Outras Abstracções

Piet Mondrian foi evoluindo sua linguagem abstrata, de linhas horizontais e verticais com retângulos de cor, entre 1915 e 1919, o neoplasticismo foi a estética que Mondrian, Theo vão Doesburg e outros do grupo De Stijl pretendiam reformar o médio do futuro. Na Itália o futurismo, misturado com a influência Bauhaus, guiou o caminho para uma arte abstrata com uma paleta de cor distintivamente cálida como nas obras de Manlio Rho e Mario Radice.[7]

No período de entreguerras (1918-1939), Theo vão Doesburg, após ter sido um dos principais defensores do neoplasticismo, renovou de maneira decisiva a arte abstrata ao manter que a criação artística só devia estar submetida a regras controlables e lógicas, excluindo assim qualquer subjetividad.

O manifesto da arte concreta, que publicou em Paris em 1931 , deu lugar à tendência do mesmo nome que teve um grande desenvolvimento em Suíça com Max Bill e de Richard Paul Lose, na França com François Morellet, e em todas as formas de arte sistémico nascidas após a guerra. Estas tendências entraram então em concorrência com as diversas correntes tachistas e gestuales (Jean Bazaine, Alfred Manessier, Pierre Soulages e Georges Mathieu, entre outros) que o crítico Michel Tapié reagrupó baixo a denominação de arte informal.

A tradição abstrata conheceu um importante renacer nos Estados Unidos a partir de finais da década de 1940 com a Action Painting (Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline) e com a Colour-Field Painting (Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still).

Estas tendências foram desbancadas a partir de 1960 pelo aparecimento da arte minimalista, que marcou um novo período de interesse pela geometria e a estrutura enquanto na Europa e Latinoamérica o Op Art e a arte cinético conheciam suas horas de glória (Yaacov Agam, Jesús Soto, Carlos Cruz-Díez, Víctor Vasarely, Nicolas Schöfer e Bridget Riley, entre outros).

O final da década de 1960 viveu o desenvolvimento de uma abstracção centrada na análise de seus próprios componentes, com os grupos BMPT e Support(s)-Surface(s) na França, ou bem orientada para os problemas de definição da natureza da imagem com Sigmar Polke e Gerhard Richter na Alemanha. As tendências ao mesmo tempo neoexpresionistas e neogeométricas que se puseram de manifesto durante a década de 1980 mostraram um novo período de interesse pela abstracção, que seguem adoptando numerosos artistas inspirados pelas mais variadas motivações.

-Paul Klee, (1879-1940).

-Armando Bairros, (1920).

-Hugo Baptista, (1935).

-Francisco Hung, (1937).

-Enrique Ferrer, (1934).

-Piet Mondrian, (1872-1944).

-Theo Vão Doesburg, (1883-1931)

-Mercedes Pardo, (1922).

-Pedro Briceño, (1931).

-Vladímir Tatlin, (1885.1953)

-Aleksandr Ródchenko, (1891-1956)

-Kazimir Malévich, (1878-1935)

-Frank Stella, (1936).

-Esteban Castillo, (1941).

-Oswaldo Subero, (1943).

-Domenico Cassasanta, (1935)

-Edgar Guinand, (1943).

-Georg Baselitz, (1938).

-Sigmar Polke, (1941).

-Anselm Kiefer, (1945).

-Pedro Sandoval, (1966).

-Hans Hartung, (1904-1989).

-Jean Fautrier, (1897-1964).

-Georges Mathieu, (1922).

-Alberto Burri, (1915).

-Antonio Saura, (1930).

-Pablo Serrano, (1908-1985).

-Arschile Gorky, (1904-1948).

-Franz Kline, (1910-1962).

-Jackson Pollock, (1912-1956).

-Mark Rothko, (1903-1970).

-Jorge Gori, (1910).

-Héctor Poleo, (1918).

-Rolando Maruja, (1923).

-Humberto Jaime Sánchez, (1930).

-Alirio Oramas, (1924).

-Ramón Vásquez Brito, (1927).

-Bram Vão Velde, (1892-1981).

-Humberto Boccioni, (1882-1916).

-etc.

Veja-se também

Referências

  1. Rudolph Arnheim, Visual Thinking
  2. Mel Gooding, Abstract Art, Tate Publishing, Londres, 2000
  3. Abstract Art -- What Is Abstract Art or Abstract Painting, obtido o 7-1-2009
  4. Themes in American Art -- Abstraction, obtido 7-1-2009
  5. Herbert Read, A Concise History of Modern Art, Thames and Hudson
  6. Camilla Gray, The Russian Experiment in Art, 1863-1922, Thames and Hudson, 1962
  7. Serdar Hizli, From Futurism Towards Abstract Painting


Fontes

  1.   Compton, Susan (1978). The World Backwards: Russian Futurist Books 1912-16, The British Library. ISBN 0714103969.
  2.   Stangos, Nikos (editor) (revised 1981). Concepts of Modern Art, Thames and Hudson. ISBN 0500201962.
  3.   Gooding, Mel (2001). Abstract Art (Movements in Modern Art séries), Tate Publishing. ISBN 1854373021.


Enlaces externos

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