Arte de paisagens

Arte de paisagens

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A Arte de paisagens representa pictoricamente cenas da natureza, tais como montanhas, vales, árvores, rios e bosques. Quase sempre se inclui na vista o céu, e o tempo usualmente é um elemento da composição. Tradicionalmente, a arte de paisagens plasma a superfície da terra, mas pode ter outros tipos de paisagens, como os que se inspiram nos sonhos.

Na pintura ocidental, a paisagem foi adquirindo pouco a pouco a cada vez mais relevância, como fundo de quadros de outro género (como a pintura de história ou o retrato) até se constituir como género autónomo na Holanda do século XVII.

Dentro da hierarquia dos géneros, a paisagem ocupava um lugar muito baixa, superior só ao bodegón.

Conteúdo 1 Classes de paisagem 2 História 2.1 Antigüedad 2.2 Idade Média 2.3 Renacimiento 2.4 Barroco 2.5 Século XVIII 2.6 Século XIX 2.7 Pintura contemporânea 3 Veja-se também 4 Referências 4.1 Bibliografía 4.2 Em linha 4.3 Outras wikipedias 4.4 Notas 5 Enlaces externos

Classes de paisagem

Pelo jeito que está tratado o tema da paisagem, cabe distinguir três tipos fundamentais: 1.A paisagem «cósmico» ou «sublime», no que se apresenta a natureza de maneira selvagem, imensas paisagens que não necessariamente representam lugares realmente existentes, e em elogio que o homem se sente perdido. Dentro desta linha estaria a «paisagem naturalista» que reflete uma natureza grandiosa, abundante e selvagem, na que aparecem fenómenos atmosféricos como tormentas. É próprio dos artistas do norte da Europa, como Durero, Elsheimer ou Friedrich.

2.A natureza «dominada» pelo homem, como ocorre com a paisagem flamenco ou neerlandés. A presença do homem faz que a natureza não pareça amenazadora. Muitas vezes acaba sendo uma «paisagem topográfico», que representa necessariamente um lugar preciso e identificable, com uma natureza apresentada da maneira mais humilde. Dentro desta linha podem citar-se a Patinir , Pieter Brueghel o Velho ou os maestros holandeses do século XVII.

3.A natureza «colonizada» pelo homem, o qual é típico da paisagem italiana. Aparecem campos cultivados de relevo, colinas, vales e planícies com casas, canais, estradas e outras construções humanas; a natureza já não é uma ameaça, senão que o homem, ademais, a fez sua. Dentro deste tipo de paisagem pode falar da paisagem clássico», onde se representa uma natureza ideal, grandiosa. A representação não é creíble, senão recompuesta para sublimar a natureza e a apresentar perfeita. Neste tipo de paisagem costuma esconder-se uma história. É tópica a presença de elementos de arquitectura romana, combinados com uma montanha ou uma colina e com um plano de água. Este tipo de paisagem ideal» foi criação de Annibale Carracci, ao que seguiram Albano, Domenichino e o francês Poussin. A paisagem italiana foi o preferido durante séculos porquanto era o lugar ao que viajavam os artistas de toda a Europa e onde se formavam.

Desde outro ponto de vista, referido ao tema que se representa e não tanto à maneira em que se trata, cabe diferenciar entre:

• Marinhas em composições que mostram oceanos, mares ou praias.
• Paisagens fluviales composições com rios ou riachuelos.
• Paisagens estelares ou paisagens nublados são representações de nuvens, formações do clima e condições atmosféricas.
• Paisagens lunares mostram paisagens da visão da lua na terra.
• Paisagens urbanas mostra cidades.
• Hardscape ou paisagens duras, no que o que se representa são zonas como ruas pavimentadas e grandes complexos de negócios ou indústrias.
• Paisagem aérea ou etéreo, mostrando a superfície terrestre vista desde acima, especialmente desde aeroplanos ou naves espaciais. Quando o ponto de vista é muito pronunciado para abaixo, não se aprecia o céu. Este género pode combinar-se com outros, como na arte etéreo nublado de Georgia Ou'Keeffe, a paisagem etéreo lunar de Nancy Graves ou a paisagem etéreo urbano de Yvone Jacquette.
• Paisagem onírico, em composições parecidas às paisagens (geralmente surrealistas ou abstratos) que procuram expressar a visão psicoanalítica da mente como um espaço tridimensional.

História

Antigüedad

Nos tempos das mais antigas pinturas chinesas a tinta estabeleceu-se a tradição de paisagens «puros», nos que a diminuta figura humana simplesmente convida ao observador a participar na experiência.

Do Antigo Egipto conservam-se algumas representações paisajísticas esquemáticas nas tumbas dos nobres, gravadas em relevo durante o Império Antigo e pintadas ao fresco no Império Novo; costumam enmarcar cenas de caça ou cerimónias rituales.

Em Pompeya e Herculano preservaram-se frescos romanos de quartos decorados com paisagens do século I a. C. Na antigüedad grecorromana, a paisagem pinta-se como fundo ou meio para contextualizar uma cena principal.

Idade Média

Durante toda a Idade Média cristã e o Renacimiento, a paisagem se concebe como uma obra divina e sua representação faz referência a seu Criador. Na pintura ocidental, a representação realista da paisagem começou dentro das obras religiosas do século XIII. Até então, as representações da natureza na arte pictórico tinha sido arqutípica: linhas onduladas para a água ou festones para as nuvens. Foi Giotto o primeiro que, abandonando os precedentes modelos bizantinos, substituiu o fundo dourado das imagens sagradas por palcos da realidade. Ainda que autores como Boccaccio alabaram seu realismo de Giotto,^[1] o verdadeiro é que não deixavam de ser muitas vezes representações simples: uma árvore representava um bosque, uma rocha uma montanha. Pouco a pouco, ao longo da Baixa Idade Média, a atenção a esses retazos de natureza que apareciam nas cenas sagradas ou míticas foi se ampliando, mas seu carácter secundário o revela o facto de que muitas vezes se deixava a ayudantes, como ocorre na Anunciación florentina de Fra Angélico. Dentro do estilo italo-gótico, Ambrogio Lorenzetti superou a representação topográfica para criar autênticas paisagens dentro de suas alegorias do Bom e do Mau Governo no Palácio Comunal de Siena, ao estudar as horas do dia e as estações. A pintura gótico-flamenca caracteriza-se por seu «realismo nos detalhes», conseguido em grande parte graças à nova técnica da pintura ao óleo; entre os aspectos aos que se prestou mais atenção e realismo esteve a paisagem, tanto natural como urbano. Cabe citar, a este respecto, o plano do fundo da Virgen do Chanceler Rolin, autêntica paisagem no que se detalha um jardim, para além dele um rio e aos lados uma cidade contemporânea do pintor.

Renacimiento

A paisagem adquiriu autonomia iconográfica no século XVI. Em sua forma realista, deve-se sobretudo à arte flamenco e alemão, como por exemplo, Alberto Durero, que deixou numerosas acuarelas de paisagens. Em sua forma idealizada de inspiração clássica, é algo que deve se atribuir a Itália , sendo O Perugino, maestro de Rafael , um dos mais destacados elaboradores de vastos espaços nos que se situavam as personagens, com uma forte acentuación da paisagem. Em Veneza , com sua luz cambiante sobre as águas, ainda que a paisagem seguiu sendo fundo de obras e não seu motivo principal, se esmeraron por conseguir realismo refletindo vistas da lagoa, suas ruas e monumentos, bem como a «terra firme», e dos fenómenos atmosféricos como ocorre com a tormenta que já desde o século XVI dá nome ao quadro mais conhecido de Giorgione .

Nesta época, a paisagem serviu para expressar as utopias urbanas e políticas emergentes. Com frequência «percebido» através do marco das janelas nos quadros que representavam cenas interiores, foi conseguindo um papel a cada vez mais importante, até ocupar toda a superfície da teia. Paralelamente, as personagens das cenas religiosas em exterior foram «encolhendo» até não estar mais que simbolizados pelos elementos da paisagem, p.e. Jesús de Nazaret por uma montanha. Mas, como se vê, a paisagem seguia sendo só parte de um quadro de história ou de um retrato.

Em Flandes , a primeira representação da paisagem independente foi a de Joachim Patinir, cujas composições religiosas ou mitológicas estão totalmente dominadas pela representação realista da natureza, até o ponto de que a cena é mero «pretexto» para representar uma «paisagem panorámico» ou «geográfico», desde um ponto de vista muito elevado. Na geração seguinte, algumas obras de género de Pieter Brueghel o Velho a figura humana fica reduzida à insignificancia, sendo o importante a paisagem representada, igualmente panorámico e desde ponto de vista alto, como ocorre por exemplo no inverno do ciclo de estações do ano. Tem de mencionar-se também a Escola do Danubio ou «danubiana», na que autores como Albrecht Altdorfer ou Lucas Cranach o Jovem segue com o tipo de paisagem panorámico», com amplas extensões de terreno percebidas a vista de pássaro.

Na pintura espanhola não abunda a paisagem, se limitando a representações de interesse topográfico ou botánico. Mas sim cabe mencionar uma paisagem «pura» que atraiu grandemente a atenção, séculos depois, de surrealistas e expresionistas: a Vista de Toledo que pintou O Greco ao final de sua vida. Os monumentos aparecem com verdadeiro detalhe, mas rodeados por um campo resolvido através de manchas de cor verde, o mesmo que o céu são manchas de azul e todo isso banhado por uma luz tormentosa.

Barroco

A princípios de século, na época do tenebrismo, a paisagem seguia sendo pouco cultivado. Somente o alemão Adam Elsheimer destaca por tratar as histórias, geralmente sagradas, como autênticas paisagens nos que muitas vezes realiza espectaculares estudos sobre os efeitos atmosféricos, a luz ou os estudos de amanhecer e anochecer.

O flamenco Rubens pintou ao final de sua vida alguns quadros que se contam entre a pintura paisagista européia mais importante.

Foi no Barroco quando a pintura de paisagens se estabeleceu definitivamente como um género na Europa, com o desenvolvimento do coleccionismo, como uma distracção para a actividade humana. É um fenómeno próprio do norte da Europa que se atribui, em grande parte, à reforma protestante e o desenvolvimento do capitalismo nos Países Baixos. A nobreza e o clero, até então os principais clientes dos pintores, perderam relevância, sendo substituídos pela burguesía comerciante. As preferências desta não iam para as complexas pinturas de história, com temas da Antigüedad clássica, a mitología ou a História Sagrada, nem para complexas alegorias, senão que preferiam temas singelos e quotidianos, pelo que atingiram independência géneros até então secundários como o bodegón, a paisagem ou a cena de género. Produziu-se tal especialização que a cada pintor se dedicava a um tipo de paisagem específico. Assim tinha pintores que tomavam como tema os «países baixos», isto é, os terrenos que ficavam baixo o nível do mar, com seus canais, pólders e molinos de vento; destacaram neste tipo vão Goyen, Jacob Ruysdael e Meindert Hobbema. Hendrick Avercamp especializou-se em estampas invernais, com estanques gelados e patinadores.

Outros se especializaram em pintar animais. Por exemplo, Paulus Potter costuma pintar vacas dentro da paisagem das planícies e os pastos holandeses. Teve quem especializou-se em marinhas, diferenciando-se entre quem retrataban os barcos nas tranquilas águas dos portos (Jan vão de Cappelle, Willem vão de Velde o jovem) e os que preferiam o mar agitado pelos ventos e as ondas.

Teve quem cultivou a paisagem urbana, as perspectivas das cidades holandesa, com suas casas de tijolos e as agulhas das igrejas no horizonte, como Gerrit Adriaenszoon Berckheyde ou Carel Fabritius. Ainda que Vermeer dedicou-se sobretudo à cena de género, pintou a paisagem urbana mais conhecido da época; sua Vista de Delft, foi considerada por Marcel Proust como «o quadro mais belo do mundo», e inmortalizó esta pintura em sua obra Em procura do tempo perdido.^[2]

Finalmente, desenvolveu-se um sub-género exclusivamente holandês como o quadro de arquitectura que representava o interior das igrejas; nesta última linha destacaram Saenredam e De Witte. A grande especialização dos pintores holandeses não impedia que, em ocasiões, se combinassem os diversos temas artísticos, e assim Fabritius pintou uma vista de Delft, com um tenderete de vendedor de instrumentos musicais em primeiro plano, combinando assim a paisagem urbana com o bodegón.

Enquanto no Norte da Europa desenvolvia-se com essa amplitude todo o tipo de paisagens puros, no sul seguia precisando-se um episódio religioso, mítica ou histórica como pretexto para pintar paisagens. Tratava-se da paisagem chamada «clássico», «clasicista» ou «heroico», de carácter idílico, que não se correspondiam com nenhum concreto que existisse realmente, senão construídos a partir de elementos diversos (árvores, ruínas, arquitecturas, montanhas...). O título do quadro e as pequenas personagens perdidas na natureza dão a chave da história representada no que a simples vista parece só uma paisagem. Este tipo foi criado pelo clasicismo romano-boloñés, e em concreto pelo mais destacado de seus pintores, Annibale Carracci, em cuja Fugida a Egipto as personagens sagradas têm menos importância que a paisagem que lhes rodeia.

Esta linha seguiram os dois grandes paisagistas franceses, formados na Itália: Nicolas Poussin e Claudio Lorena. Lorena é considerado um paisagista moderno como observou atenciosamente a natureza e fez estudos ao ar livre sobre a luz às diferentes horas do dia, as sombras sobre os edifícios, os reflejos na água. No entanto, ainda que realizou algumas paisagens puras, a imensa maioria de sua obra segue tendo como tema uma história religiosa ou mitológica e para isso inclui figuras humanas, às vezes executadas por mão de outros pintores. Teve enorme influência na pintura romântica e inclusive no impresionismo.

Século XVIII

No século XVIII cultivaram este género artistas italianos como Canaletto. Especializou-se no sub-género das vedute, perspectivas urbanas que os viajantes estrangeiros do Grand Tour viam em suas viagens a Itália e que depois se levavam como lembrança a seus países de origem. Canaletto visitou a Inglaterra e ali recebeu encargos de pintar, no mesmo estilo, as paisagens inglesas. Seu sobrinho Bellotto seguiu a mesma linha, mas conseguiu plotar a sua obra um estilo próprio.

O resto da pintura dieciochesca carece de originalidad quanto ao tratamento da paisagem. Thomas Gainsborough, em quadros como O abrevadero (1777) se inspira nos paisagistas holandeses do século anterior. Em Espanha , foram paisagistas Miguel Ángel Houasse e Luis Paret e Alcázar, cultivador da «paisagem com figuras» como suas Vistas de portos do norte de Espanha.

Século XIX

«Tudo conduz necessariamente à paisagem», disse o pintor alemão Runge, frase que se pode aplicar a todo o século XIX. Na Europa, como se deu conta John Ruskin,^[3] e expôs sir Kenneth Clark, a pintura de paisagem foi a grande criação artística do século XIX, com o resultado de que no seguinte período a gente era «capaz de assumir que a apreciação da beleza natural e a pintura de paisagens é uma parte normal e permanente de nossa actividade espiritual».^[4] Na análise de Clark, as formas européias subjacentes para converter a complexidade da paisagem em uma ideia foram quatro aproximações fundamentais: pela aceitação de símbolos descritivos, pela curiosidade sobre os factos da natureza, pela criação de fantasías para aliviar sonhos de profundas raízes na natureza e pela crença em uma Idade de ouro, de harmonia e ordem, que poderia ser recuperada.

Na época romântica, a paisagem converte-se em actor ou produtor de emoções e de experiências subjetivas. O pintoresco e o sublime aparecem então como dois modos de ver a paisagem. As primeiras guias turísticas reemprenden estes pontos de vista para fabricar uma lembrança popular sobre os lugares e suas paisagens. Abriu o caminho o inglês John Constable, que se dedicou a pintar as paisagens da Inglaterra rural, não afectados pela Revolução industrial, incluindo aqueles lugares que lhe eram conhecidos desde a infância, como o Vale de Dedham. Fazer com uma técnica de descomposição da cor em pequenos traços que o faz precursor do impresionismo; realizou estudos de fenómenos atmosféricos, em particular de nuvens. A exposição de suas obras no Salão de Paris de 1824 obteve grande sucesso entre os artistas franceses, começando por Delacroix . O também inglês William Turner, contemporâneo seu mas a mais longa vida artística, refletiu em mudança a modernidad, como ocorre em sua obra mais famosa: Chuva, vapor e velocidade, na que aparecia um tema certamente inovador, o caminho-de-ferro, e a ponte de Maidenhead, prodígio da engenharia da época. Com Turner as formas da paisagem dissolviam-se em torbellinos de cor que não sempre permitiam reconhecer o refletido no quadro.

Na Alemanha, Blechen seguiu refletindo a paisagem tradicional por excelencia, o italiano, mas de forma muito diferente a épocas precedentes. Apresentou uma Itália pouco pintoresca, nada idílica, o qual foi objecto de críticas. Philipp Otto Runge e Caspar David Friedrich, os dois artistas mais destacados da pintura romântica alemã, sim dedicaram-se à paisagem de seu país. Animados por um espírito pietista, pretendiam criar quadros religiosos, mas não mediante a representação de cenas com tal tema, senão refletindo a grandeza das paisagens de maneira que movessem à piedade.

O passo da «paisagem clássica» à paisagem realista dá-o Camille Corot quem, como Blechen ou Turner, passou sua etapa de formação na Itália. Com ele começou outra forma de tratar a paisagem, diferente à dos românticos. Como fez depois a escola de Barbizon e, posteriormente, o impresionismo, deu à paisagem um papel bem diferente ao dos românticos. Observaram-no de maneira meticulosa e relativa em termos de luz e de cor, com o objectivo de criar uma representação fiel à percepción vista que possa ter um observador. Esta fidelidade, que se experimenta por exemplo nos contrastes e os toques de modo «vibrante». Quando Corot voltou a França, viajou por todo o país em procura de novas paisagens; frequentou o bosque de Fontainebleau , onde conheceu a uma série de pintores que cultivaram a paisagem realista, refletindo prados, rios e árvores do natural. Eram obras que acordaram escasso interesse entre o público ou a crítica, já que a pintura académica seguia dominada pelos quadros de história, o grande tema por excelencia. O mais destacado pintor da escola de Barbizon foi Théodore Rousseau, ao que seguiram Díaz da Peña e Jules Dupré. Albert Charpin, o pintor de ovelhas e rebanhos, da mesma escola, é outro exemplo de pintura de paisagens, com beleza natural. Gustave Courbet não pertenceu à Escola de Barbizon, mas pintou em sua juventude paisagens realistas.

De enlace entre esta escola e o impresionismo serviram Eugène Boudin e Johan Barthold Jongkind, que trabalharam no campo, ao ar livre, pintando paisagens banhados de luz. Como os pintores de Barbizon, os impresionistas procuravam seus motivos na natureza real que os rodeava, sem idealizarlas, mas sua visão não é a sobria da escola realista, senão que glorificaban essa natureza intacta e a vida singela que refletiam em seus quadros. Diversos factores confluyeron para que surgisse o impresionismo em torno do ano 1860, entre eles a paixão pela pintura ao ar livre e novos temas, refletindo simplesmente aqueles que está ante os olhos: tanto o campo como a cidade, o mar ou os rios com seus interessantes reflejos sobre a água, tanto a luz do dia como a artificial, em definitiva, «o banal», considerando que não há tema menor, senão quadros bem ou mau executados. Trabalharam com manchas de cor, grandes pinceladas, sem o acabamento polido, esmaltado e frio de uma pintura de paisagens tradicional, senão refletindo mais bem a impressão da paisagem. A obra emblemática deste movimento, da que obteve seu nome, é precisamente uma paisagem: Impressão, sol naciente (1874), de Claude Monet. Seus principais seguidores foram Camille Pissarro e Alfred Sisley.

A paixão do posimpresionista Vincent vão Gogh pela obra de seus predecessores, levou-lhe a pintar a paisagem provenzal a partir do ano 1888. Sua obra, de cores intensos, nos que as figuras se deformam e curvam, afastando do realismo, é um precedente das tendências expresionistas.

As escolas nacionais de pintura surgiram, em grande parte, através de paisagistas que se inclinaram por pintar sua terra, em lugar da tradicional paisagem italiana. Nos Estados Unidos, Frederick Edwin Church, grande pintor de panoramas, realiza amplas composições que simbolizam a grandeza e imensidão do continente americano (As cataratas do Niágara, 1857). a escola do rio Hudson, que destacou na segunda metade do século XIX, é provavelmente a mais conhecida manifestação autóctona da arte de paisagens. Estes pintores criaram obras de tamanho colosal tentando captar o alcance épico das paisagens que os inspiraram. A obra de Thomas Escola, a quem reconhece-se geralmente como fundador da escola, tem muito em comum com os ideais filosóficos das pinturas paisajísticas européias, uma espécie de fé secular nos benefícios espirituais que podem se obter da contemplación da beleza natural. Alguns dos artistas posteriores da escola do rio Hudson, como Albert Bierstadt, criaram obras menos cómodas, seguramente com exagero romântico, que enfatizavam mais os ásperos, inclusive terríveis, poderes da natureza.

Conforme os navegadores, naturalistas, marinheiros, comerciantes e colonos chegaram à costa do Canadá atlántico nos primeiros anos de sua exploração, enfrentaram-se ao que viam como um meio hostil e perigoso e um mar implacable. Estes europeus tentaram dominar este novo território surpreendente traçando mapas do mesmo, documentando-o e reivindicando-o como próprio. Seu entendimento da natureza específica desta terra e suas habitantes foi muito variada, desde observações muito exactas e cientistas a outras fantásticas ou extravagantes. Estas observações estão documentadas na arte de paisagens que produziram. Melhore-los exemplos da arte de paisagens canadiana podem encontrar na obra do Grupo dos sete, que destacou nos anos 1920.^[5]

Em Espanha , ainda que seguiu sem cultivar-se com particular intensidade este género, sim aprecia-se a recepção da paisagem realista através da obra do belga Carlos de Haes. Agustín Riancho refletiu as paisagens da Montanha o mesmo que a Escola de Olot se dedicou a paisagens dessa zona catalã, sendo seu criador Joaquín Vayreda. O impresionismo, como no resto da Europa, se recebeu de maneira atenuada, mas pode se citar a Darío de Regoyos como um exemplo de cultivador desse estilo de paisagem.

Na Itália sobresalieron os pintores de manchas (macchia) de cor yuxtapuestas, chamados os macchiaioli, próximos ao impresionismo: Giovanni Fattori, Silvestro Lega e Giuseppe Abbati, entre outros.

Pintura contemporânea

A pintura contemporânea dissolveu a existência dos géneros, mas dentro dos diferentes «ismos» de vanguardia podem distinguir-se quadros nos que o representado é uma paisagem, sempre com o estilo próprio do autor. Cézanne, o «pai da pintura moderna», dedicou toda uma série de pinturas à montanha Sainte-Victoire. Derain, Dufy, Vlaminck e Marquet pintaram paisagens fauvistas, e Braque, um dos fundadores do cubismo, tratou repetidamente a paisagem de L'Estaque. Na Viena de princípios de século, produziram obras deste género tanto o modernista Gustav Klimt como o expresionista Egon Schiele.

Os expresionistas transmitiram seus sentimentos e sensações cromáticas também através de paisagens, como fizeram Erich Heckel ou Karl Schmidt-Rottluff em seus quadros pintados no povo pesqueiro de Dangast; Emil Nolde (O molino de Nordet, 1932) ou Kokoschka.

As diferentes formas de abstracção acabaram por suprimir a importância da paisagem limitando o alcance do realismo e a representação. Não obstante, emprega-se com frequência a expressão «paisajismo abstrato» com respeito a vários pintores não figurativos (Bazaine, Lhe Moal ou Manessier). A paisagem siciliano inspirou a obra do pintor expresionista social Renato Guttuso.

Veja-se também

• Escola de Barbizon
• Escola Americana de Barbizon
• Escola do rio Hudson
• Em plein air
• Shanshui
• Veduta
• Arte Montanha Branca
• Perspectiva aérea
• Escola de Olot
• Escola de Heidelberg
• Grupo Hoosier
• Macchiaioli
• Pintoresco

Referências

Bibliografía

• Clark, Kenneth: Landscape into Art, 1949, the Slade Lectures.
• Fontbona, Francesc: O paisatgisme a Cataluña, 1979, Destino, Barcelona.[1]
• Laneyrie-Dagen, Nadeije: «A paisagem », em Ler a pintura, págs. 46-49, colecção Reconhecer a arte, Larousse, Barcelona, © Spes Editorial, S.L., 2005, ISBN 84-8332-598-5
• Machotka, Pavel: Cézanne: Paisagens na Arte
• Wilton, Andrew e Barringer, T.J.: Tate Britain (Galería); Academia de Pensilvania de Belas Artes; Instituto Minneapolis de Arte.
• VV.AA., História da Arte, © Ed. Anaya, 1986, ISBN 84-207-1408-9
• VV.AA., Os maestros da pintura ocidental, dirigida por Ingo F. Walther, © Taschen GmbH, 2005, ISBN 3-8228-4744-5

Em linha

• Nils Büttner, «Pintura de paisagens, uma história», Nova York/Londres, 2006.
• Dreikausen, Margret: «Perspectiva aérea: A terra Vista desde um Avião e Nave Espacial e sua influência na Arte Contemporânea» (Imprensa Associada de Universidades: Cranbury, NJ; Londres, ; Mississauga, Ontario: 1985) ISBN 0-87982-040-3.
• Hirsch, Sharon L.: «Paisagem: a grande tradição» (Texto de Catálogo de exposição), Universidade de Dickinson.
• Sublime americano: pintura de paisagens nos EE.UU., 1820-1880 (Princeton, Nova Camisola : Universidade de Princeton Imprensa, 2002)

Outras wikipedias

• Este artigo foi criado a partir da tradução do artigo Landscape art da Wikipedia em inglês, baixo licença Creative Commons Compartilhar Igual 3.0 e GFDL.
• Este artigo foi criado a partir da tradução do artigo Pittura paesaggistica da Wikipedia em italiano, baixo licença Creative Commons Compartilhar Igual 3.0 e GFDL.
• Este artigo foi criado a partir da tradução do artigo Paysage da Wikipedia em francês, baixo licença Creative Commons Compartilhar Igual 3.0 e GFDL.

Notas

Enlaces externos

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