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Carlos Saura

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Carlos Saura Atarés
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Carlos Saura em Calanda (21 de março de 2008)
Nascimento4 de janeiro de 1932 , 78 anos
Bandera de España Espanha, Huesca
OcupaçãoCineasta, Escritor, Roteirista, Fotógrafo

Carlos Saura Atarés (Huesca, 4 de janeiro de 1932 ) é um director de cinema espanhol, de amplo prestígio internacional.

Conteúdo

Biografia

Nasceu em Huesca o 4 de janeiro de 1932 . Recém finalizado o bachillerato começou a aficionarse pela fotografia, por causa do qual abandonaria seus estudos de Engenharia industrial para ingressar no Instituto de Investigações e Experiências Cinematográficas de Madri, em onde obteve o diploma de Direcção.

Debutó com o documental Cuenca (1958), ao que seguiu o filme Os golfos (1960), que abriu o cinema espanhol ao caminho do Neorrealismo, estilo já estendido por toda a Europa. Mas é na caça (1965), quando aparece o melhor cinema de Saura, com um assunto de grande dureza que fazia uma análise das feridas provocadas pela guerra civil na terrível história de uma partida de caça entre personagens que representavam diferentes posturas vitais. A cenografia em exteriores, em uma paisagem árido e a fotografia muito contrastada de Luis Quadrado, fizeram desta obra uma referência para o cinema posterior e obteve grandes sucessos internacionais, conseguindo o prêmio à melhor direcção no Festival Internacional de Cinema de Berlim.

Depois de seus primeiros filmes, começa em 1967 sua colaboração com o produtor Elías Querejeta com o filme Peppermint frappé, dando início ao período mais destacado de sua carreira. Peppermint frappé é de novo uma indagación psicológica sobre os efeitos da repressão franquista depois da guerra civil, as inhibición eróticas e outras carências de sua geração. O desvincule é tão violento como A caça, mas aparece agora situado no espaço da memória ou os instintos mais primários das personagens.

Temas e formas, puliendo este estilo abstrato, desenvolvido em colaboração com Querejeta, que pretendia radiografiar os males da sociedade espanhola burlando a censura, continuam em Stress, é três, três (1968), A madriguera (1969), O jardim das delícias (1970) e Ana e os lobos (1972).

Ana e os lobos oferece-nos no mundo fechado de uma casona de uma família espanhola aristocrática. Rafaela Aparicio, a matriarca deste mundo fechado, retomará esta personagem em Mamãe cumpre cem anos (1979), uma continuação de Ana e os lobos. À casa solariega chega uma institutriz estrangeira para educar às meninas de Juan, o varão da casa. As pulsiones sexuais frustradas de três homens da família aparecem depois da chegada desta bela jovem cujos modos mais livres e sua sinceridade provocam no subconsciente dos varões desejos irreprimibles. Ana destapa a inquietude ambiente fechado e conservador desta família, revelando assim os rasgos que tanto definem à sociedade de seu tempo.

Em Prima-a Angélica (1973) que recebeu o Prêmio Especial do Júri no Festival de Cannes, o passado (1936) e o presente (1973) se fundem e isto se mostra mediante a confusão do tempo histórico que se produz nos planos do filme, inclusive dentro de uma mesma sequência. Assim se delata o tema da presença das feridas do passado no presente, clássico assunto do psicoanálisis. A fusão do tempo tem também outras consequências frustrantes, como o contraste entre o amor infantil de Luis e Angélica, que tem sido talvez seu único amor, e a relação adulta de um Luis com uma Angélica já casada em uma situação que faz impossível a recuperação daquela relação afectiva. Não é este o primeiro filme que explora a lembrança e a intromisión do passado no presente, que estava já bem desenhado em obras anteriores, como O jardim das delícias (1970).

María Clara Fernández de Loaysa, em seu papel de Angélica menina, estabelece uma relação com a figura de José Luis López Vázquez, cuja personagem seguia a estela do que interpretou no jardim das delícias, onde aparecia em uma cadeira de rodas, simbolizando com isso a parálisis psíquica daquela geração. Neste caso representa a frustración amorosa por sua prima, no duplo papel de menino e adulto, representado pelo mesmo actor.

Criança corvos (1975), também prêmio do Júri no Festival de Cannes, volta a explodir o tema da memória, opondo em feroz contraste a mirada da menina Ana Torrent às personagens autoritarios.

Elisa, vida minha (1977) é provavelmente sua obra mestre. Partindo de um conceito muito ambicioso de interrelación do cinema e a literatura, o filme dialoga constantemente com os elementos peculiares do cinema: imagens, som, música e textos. Quanto às imagens, há uma profunda relação entre escritura de textos e escritura visual. O diário que escreve a personagem interpretada por Fernando Rei é a fonte, ou ponto de vista da enunciación, do que vemos, mas tudo se complica ao ser sua filha, interpretada por Geraldine Chaplin, quem lê esse diário a sua morte. Por tanto há que estar muito avisados para conhecer a origem da narração visual, que poderia ser produzida pela leitura da filha, a escritura do pai ou a voz enunciadora de um narrador externo às vozes das personagens, algo bem como um Saura-narrador. Todo isso entretejido de referências ao grande teatro do mundo de Calderón da Barca, O Criticón de Baltasar Gracián e o mito de Pigmalión que ouvimos na versão da Ópera de Jean-Philippe Rameau (Pygmalion, 1748). Todo isso está pautado pela Gnosienne I de Erik Satie, que nos leva aos espaços da memória.

Com a chegada da democracia a Espanha Saura converte-se em um dos cineastas mais destacados da Transição. Os olhos vendados (1978) é um alegato contra a tortura e as injustiças em Latinoamérica. Ao ano seguinte aborda sua primeira comédia com sua revisão da família de Ana e os lobos em chave cómica e com um ar de fim de franquismo em Mamãe cumpre cem anos. Foi todo um sucesso de crítica e público, premiada em vários festivais e seleccionada para o Oscar ao melhor filme estrangeira.

Em 1980 Saura muda de registo e, abandonando o cariz intelectual, reflexivo e polisémico, com o que tratava de diseccionar as consequências da guerra civil e o franquismo, volta ao cinema popular, ao que trata problemas contemporâneos, como a marginación juvenil, com Depressa, depressa, que obteve o Urso de Ouro do Festival de Berlim.

Em 1981 começa a colaboração com Antonio Gades e com o produtor Emiliano Pedra. Depois de ver seu ballet teatral Casamentos de sangue Saura propõe-lhe levar ao cinema, com o que inicia um género de musical genuino e afastado dos moldes anglosajones. O musical recabó um sucesso inesperado internacional depois de projectar-se em Cannes . Com o filme Casamentos de sangue (1981) inventa um novo género de filme de dança e contribui com isso à extraordinária divulgação que experimenta nestes últimos anos o dance espanhol no mundo. De novo com Antonio Gades e Emiliano Pedra prepara uma adaptação da ópera de Bizet Carmen que se converte em um sucesso internacional em 1983, premiada em Cannes e seleccionada para o Óscar. Com O amor bruxo, inspirada em fá-la homónima de Falha, seu musical mais ambicioso até esse momento, fecharia uma trilogía dedicada ao musical espanhol contemporâneo.

Depois de Doces horas, a última colaboração com Elías Querejeta, Saura roda em 1982 seu primeiro filme latinoamericano: Antonieta, a história de uma mulher durante a revolução mexicana. Em 1984 Saura roda com Pedra Os zancos.

Em 1985 vai ao produtor Andrés Vicente Gómez para financiar um ambicioso filme sobre a expedição de Lope de Aguirre em procura do Dourado. O rodaje leva-se a cabo em Costa Rica durante 1987, e o filme converte-se na mais cara da história do cinema espanhol até esse momento.

Em 1989 estreia A noite escura, um filme intimista sobre o período de prisão que sofreu San Juan da Cruz, o grande místico e poeta espanhol do século XVI. Em 1990 roda Ai, Carmela!, adaptação da obra teatral de José Sanchis Sinisterra. Para este filme, que revisa de novo a Guerra Civil, volta a trabalhar com o roteirista Rafael Azcona, e na V edição dos Prêmios Goya obtém 13 estatuetas.

Em 1991 translada-se a Buenos Aires para rodar O Sur, versão do conto de Borges. Com Sevillanas faz uma homenagem ao mais significativo do género, desta vez mediante uma série de quadros independentes.

Ao ano seguinte, faz-se cargo do filme oficial dos Jogos Olímpicos de Barcelona, Maratona.

Em 1993 roda "Dispara", uma adaptação de um conto do escritor italiano Scerbanenco. Em janeiro de 1994, começa o rodaje de Flamenco , que provavelmente é o mais importante documento audiovisual sobre esta arte, apesar do desaparecimento de Camarón , que sim interveio em Sevillanas . Já não se trata de uma série de quadros inconexos, senão de um conjunto rodado com milimétrica precisão onde colaborava como director de fotografia o mago da luz Vittorio Storaro.

Em junho de 1997, Saura translada-se a Argentina para rodar Tango; este filme, depois de múltiplos polémicas, coincide aos Oscar baixo bandeira argentina: a fita é a mais galardoada do ano na Argentina, e Saura recebe o Prêmio Cóndor da Associação de Críticos Argentinos como melhor director do ano. Aparece sua novela Pajarico solitário. Em abril de 1998 estreia-se o filme Pajarico.

Em 1999 estreia Goya em Burdeos. Publica sua novela Essa luz. Em 2000 Saura é distinto com o Prêmio à Melhor Contribuição Artística e o Prêmio do Júri do Festival de Montreal por Goya em Burdeos.

Em 2001 Buñuel e a mesa do rei Salomón supõe um tributo a seu maestro declarado, Luis Buñuel, e ao ambiente da Residência de Estudantes da Espanha dos anos 20. No guion contou com a colaboração de Agustín Sánchez Vidal, quem ganhasse em 1988 o Prêmio Espelho de Espanha de ensaio por sua obra Buñuel, Lorca, Dalí: o enigma sem fim, e que depois desta experiência como fabulador se dedicou com sucesso à novela de ficção.

Começa no novo século dirigindo três filmes musicais baseados em idênticos orçamentos estéticos: Salomé (2002), posta em cena da conhecida tragédia bíblica pela companhia de Aída Gómez; Iberia (2005), homenagem à Suite homónima do compositor Isaac Albéniz; e Fados (2007), em coproducción com Portugal, sobre o fado, expressão musical portuguesa por excelencia. Nestes filmes Saura reitera as mesmas convenções dos musicais prévios dos anos 90, começando pelo emprego da luz como elemento dramático, bem como a utilização de um mobiliário minimalista, obtendo em consequência uns musicais de grande sobriedad e beleza visual, mas já sem a novidade daqueles.

Entre seus últimos filmes destacam No sétimo dia (2004), fita inspirada no crime de Porto Hurraco, terrível massacre acaecida na Extremadura profunda que conmocionó a Espanha em 1990 , com guião de Ray Loriga e, sobretudo, Io, Dom Giovanni (2009), um de seus mais ambiciosos trabalhos, superproducción em torno da figura de Lorenzo dá Te põe; entre médias, Saura realiza para a Exposição Internacional de Zaragoza 2008 o cortometraje documental Sinfonía de Aragón (2008), magistral exercício audiovisual no que o protagonista é Aragón.

Carlos Saura tem também uma importante obra como fotógrafo e é autor de novelas traduzidas a mais de 20 línguas, como Essa Luz, Elisa, vida minha ou Pajarico solitário.

Em novembro de 1992 é-lhe concedida a Medalha de Ouro da Academia das Ciências e as Artes Cinematográficas de Espanha. Assim mesmo, têm-se-lhe outorgado importantes condecoraciones por parte dos Governos francês (em agosto de 1993 impõe-se-lhe a Ordem de Artes e Letras da França) e Italiano (Grande Oficial da Ordem do Mérito da República Italiana), bem como os galardões mais importantes que concede o Estado Espanhol. Em março de 1994 foi investido doutor honoris causa pela Universidade de Zaragoza.

Com a directora Adela Medrano teve seu filho Carlos Saura Medrano, viveu durante anos com Geraldine Chaplin, (filha de Charles Chaplin, Charlot), e em 2006 casou-se com a actriz Eulalia Ramón com a que tem uma filha.

Filmografía

Categoria principal: Filmes dirigidos por Carlos Saura

Anos 50

Anos 60

Anos 70

Anos 80

Anos 90

Anos 2000

Anos 2010

Prêmios

Obras literárias

Guiões editados em livro

Obra fotográfica

Referências

Enlaces externos

Modelo:ORDENAR:Saura, Carlos

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