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Diego Velázquez

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Diego Velázquez
Diego Velázquez Autorretrato 45 x 38 cm - Colección Real Academia de Bellas Artes de San Carlos - Museo de Bellas Artes de Valencia.jpg
Autorretrato de Velázquez (1650),
Museu de Belas Artes de Valencia
Nome real Diego Rodríguez de Silva e Velázquez
Nascimento 6 de junho de 1599
Sevilla, Espanha
Fallecimiento 6 de agosto de 1660
Madri, Espanha
Nacionalidade Espanhol
Área Pintor
Para outros usos deste termo, veja-se Diego Velázquez (desambiguación).

Diego Rodríguez de Silva e Velázquez (Sevilla, 6 de junho de 1599 – Madri, 6 de agosto de 1660 ) conhecido como Diego Velázquez, foi um pintor barroco, considerado um dos máximos expoentes da pintura espanhola e figura indiscutible da pintura universal.

Passou em seus primeiros anos em Sevilla onde desenvolveu um estilo naturalista de iluminação tenebrista por influência de Caravaggio e seus seguidores. Transladou-se a Madri e aos 24 anos foi nomeado pintor do rei, e quatro anos depois foi ascendido a pintor de câmara, o cargo mais importante entre os pintores do rei. A este labor dedicou o resto de sua vida. Seu trabalho a partir de então consistia em pintar retratos do rei, de sua família, bem como outros quadros para decorar as mansões reais. Seu estilo evoluiu para uma pintura de grande luminosidade com pinceladas rápidas e soltas. Nesta evolução teve muito que ver o estudo da colecção real de pintura e sua primeira viagem a Itália onde estudou tanto a pintura antiga como a contemporânea. Em sua maturidade, a partir de 1631, pintou grandes obras como A rendición de Breda. Em sua última década seu estilo voltou-se mais esquemático e abocetado atingindo um domínio extraordinário da luz. Este período inaugurou-se com o retrato do papa Inocencio X, pintado em sua segunda viagem a Itália e a ele pertencem suas duas últimas obras mestres: As Meninas e As Hilanderas.

Seu catálogo consta de 120-125 obras. O reconhecimento como pintor universal se produziu tardiamente, para 1850. Atingiu sua máxima fama entre 1880 e 1920, coincidindo com os pintores impresionistas franceses para os que foi um referente. Manet sentiu-se maravillado com sua pintura e qualificou-o como «pintor de pintores» e «o maior pintor que jamais tem existido».

Conteúdo

Reseña biográfica

Primeiros anos em Sevilla

Sua casa natal em Sevilla .

Velázquez nasceu em Sevilla e foi baptizado o 6 de junho de 1599 na Igreja de San Pedro. Foi o maior de sete irmãos. Seu pai era João Rodrigues dá Silva, de origem português (seus avôs paternos tinham-se estabelecido na cidade procedentes de Porto). Justamente suas raízes portuguesas supor-lhe-iam mais adiante um problema, quando foi postulado para caballero da Ordem de Santiago, já que pára então Portugal acabava de se separar de Espanha (1640) e o ambiente no Corte não era precisamente muito favorável para as pessoas relacionadas com aquele país -apesar do qual conseguiu a nomeação, graças ao apoio directo do Rei-. Sua mãe, Jerónima Velázquez, era de ascendência sevillana. A família figurava entre a pequena hidalguía da cidade.[1] [2] Adoptou o apellido de sua mãe segundo o costume português, também habitual em Andaluzia; o mesmo faria seu colega Murillo.[3]

A Sevilla em que se formou o pintor era a cidade mais rica e povoada de Espanha , bem como a mais cosmopolita e aberta do império. Dispunha do monopólio do comércio com América e tinha uma importante colónia de comerciantes flamencos e italianos.[3] Também era uma sede eclesiástica de grande importância e dispunha de grandes pintores.[4]

Aprendizagem

Seu talento afloró a idade muito temporã. Recém cumpridos os dez anos começou sua formação na oficina de Francisco de Herrera o Velho, pintor prestigioso na Sevilla do século XVII. Herrera tinha muito mau carácter e o jovem aluno não pôde o suportar, de modo que em uns meses depois, em 1610, mudou de maestro e formalizou contrato de aprendizagem com Francisco Pacheco com o que permaneceu seis anos.[5]

Na oficina de Pacheco, Velázquez adquiriu sua primeira formação técnica e suas ideias estéticas. O contrato de aprendizagem fixava condições de servidão: o jovem aprendiz devia moler as cores, aquecer as bichas, decantar os barnices, tensar as telas, armar estruturas, bem como outras obrigações.[6]

Os pintores dos que foi aprendiz
La curación de San Buenaventura niño por San Francisco.jpg Retrato de Benito Arias Montano.jpg
Francisco de Herrera o Velho.
Cura de San Buenaventura menino por San Francisco. 		Francisco Pacheco.
Retrato de Benito Arias Montano.

Pacheco (1564-1644) era um homem de ampla cultura, autor de um importante tratado A arte da pintura. Como pintor era bastante limitado, fiel seguidor dos modelos de Rafael e Miguel Ángel, interpretados de forma dura e seca. No entanto como desenhista realizou excelentes retratos a lápis . Ainda assim, soube dirigir a seu discípulo e não limitar suas capacidades.[5] Pacheco é mais conhecido por seus escritos e por ser o maestro de Velázquez que como pintor. Em seu importante tratado, publicado postumamente em 1649 e imprescindible para conhecer a vida artística espanhola de então, mostra-se fiel à tradição idealista do anterior século XVI e pouco proclive aos progressos da pintura naturista flamenca e italiana. Tinha um grande prestígio entre o clero e era muito influente nos círculos literários sevillanos que reunia à nobreza local.[7]

Justi, o primeiro grande especialista sobre o pintor, assinalou que se convém em considerar que no breve tempo que passou com Herrera deveu lhe transmitir o impulso inicial que lhe deu grandeza e exclusividade. Deveu-lhe ensinar a liberdade de mão, ainda que a execução livre era já um rasgo conhecido em seu tempo e anteriormente se tinha encontrado no Greco, Velázquez não atingi-la-ia até anos mais tarde em Madri. Possivelmente seu primeiro maestro servisse-lhe de exemplo na busca de seu próprio estilo. As analogias que se encontram entre os dois são sozinho de carácter geral. Em suas primeiras obras de Diego encontra-se um desenho estrito atento a perceber a exactidão da realidade do modelo, de plástica severa, totalmente oposto aos contornos soltos da tumultuosa fantasía das figuras de Herrera. Continuou com um maestro totalmente diferente, bem como Herrera era um pintor nato muito temperamental, Pacheco era culto mas pouco pintor que o que mais valorizava era a ortodoxia. Justi conclui ao comparar os quadros de Pacheco e Velázquez que pouca influência artística exerceu em seu discípulo.[1]

Seus começos como pintor

Terminado o período de aprendizagem, em 1617, aprovou o exame ante o grémio de pintores de Sevilla. Recebeu licença para exercer como mestre de imaginería e ao óleo podendo praticar sua arte em todo o reino, ter loja pública e contratar aprendices. Não se sabe se abriu oficina. Dantes de cumprir os 20 anos, em abril de 1618, casou-se com a filha de Pacheco e depois nasceram nesta cidade as duas filhas do pintor.[5] [4]

Nestes primeiros anos desenvolveu uma extraordinária maestría dominando o natural, conseguindo a representação do relevo e das qualidades, mediante os novos métodos do claroscuro, influído principalmente pelo naturalismo de Caravaggio . Em seus quadros aparece uma forte luz dirigida que acentua os volumes e objectos singelos aparecem destacados em primeiro plano. O quadro de género ou bodegón, de procedência flamenca, com sua representação de objectos quotidianos e tipos vulgares, serviu-lhe para desenvolver estes aspectos. Também a produção do pintor neste tempo se vira nos encargos religiosos como a Imaculada Concepção da National Gallery de Londres e o Jantar em Emaús do Metropolitan Museum de Nova York. Essa forma de interpretar o natural permitiu-lhe chegar ao fundo das personagens, demonstrando cedo uma grande capacidade para o retrato transmitindo força-a interior e temperamento dos retratados. Como o retrato de sor Jerónima da Fonte de 1620, do que se conhecem duas instâncias de grande intensidade, onde transmite a energia dessa freira que com 70 anos parte de Sevilla para fundar um convento em Filipinas .[8]

Consideram-se obras mestres desta época a Velha fritando ovos de 1618 e O aguador de Sevilla realizada em 1620. Na Velha fritando ovos demonstra sua maestría na bicha de objectos de primeira bicha mediante uma luz forte e intensa que destaca superfícies e texturas. O aguador de Sevilla, quadro que levou a Madri e presenteou a Juan Fonseca quem lhe ajudou a posicionar na corte, tem excelentes efeitos: o grande jarro de varro capta a luz em suas estrias horizontais enquanto pequenas gotas de água transparentes escorregam por sua superfície.[9]

Primeiro estilo
Diego Velázquez 017.jpg Aguador de sevilla.jpg Diego Velázquez 033.jpg
Velha fritando ovos (1618)
National Gallery of Scotland, Edimburgo 		O aguador de Sevilla (1620)
Apsley House, Londres 		Jerónima da Fonte (1620)
Museu do Prado, Madri

Suas obras, em especial suas bodegones, tiveram grande influência nos pintores sevillanos contemporâneos, existindo grande quantidade de cópias e imitações de suas bodegones. Das vinte obras que se conservam deste período, nove se podem considerar bodegones.[10]

Debateu-se amplamente a inspiração destas obras tão diferentes ao que se fazia em Sevilla. Para Brown a originalidad destas pinturas permite formular a hipótese que o autor conhecia de alguma maneira a arte que se estava a realizar em Espanha e na Europa.[9]

Rápido reconhecimento no corte

Em sua primeira visita a Madri em 1622 pintou o retrato de Góngora captando sem nenhuma concessão sua triste amargura (detalhe).[11]

Em 1621 morre em Madri Felipe III e o novo monarca Felipe IV favorece a um nobre de família sevillana Gaspar de Guzmán, depois conde duque de Olivares, que se converte em pouco tempo no todopoderoso valido do rei. Olivares abogó por que a corte estivesse integrada maioritariamente por andaluces. Pacheco deveu entendê-lo como uma grande oportunidade para sua yerno procurandose os contactos oportunos para que Velázquez fosse apresentado no corte. Sua primeira viagem a Madri teve lugar na primavera de 1622.[12] Velázquez deveu ser apresentado a Olivares por Juan de Fonseca ou por Francisco de Rioja, mas segundo relata Pacheco «não se pôde retratar ao rei ainda que se tentou».[13] . O pintor voltou a Sevilla.

Retrato do infante Dom Carlos (1626-27). Museu do Prado, (Madri).

Graças a Fonseca, Velázquez pôde visitar as colecções reais de pintura, de enorme qualidade, onde Carlos I e Felipe II tinham reunido quadros de Tiziano , Veronés, Tintoretto e os Bassano. Segundo Julián Gállego então deveu compreender a limitação artística de Sevilla e que além da imitação da natureza existia «uma poesia na pintura e uma beleza na entonación»[14] O estudo posterior da colecção real, especialmente os tizianos, teve uma decisiva influência na evolução estilística do pintor que passou do naturalismo austero de sua época sevillana e das severas faixas terrosas à luminosidade das cinzas prata e azuis transparentes em sua maturidade.[8]

Ano e médio após sua primeira viagem a Madri, no verão de 1623, os amigos de Pacheco, principalmente Juan de Fonseca, que era capellán real e tinha sido canónigo de Sevilla, conseguiram que o conde duque chamasse a Velázquez para retratar ao rei.[13] Assim o relatou Pacheco:[15]

«Chamado a Madri hospedou-se em casa de dom Juan e fez seu retrato. Llevaronlo a palácio aquela noite e em uma hora viram-no todos os de palácio, os infantes e o rei. Ordenose que retratase ao infante, mas pareceu mais conveniente fazer primeiro o de sua Majestade, ainda que não pôde ser tão presto por grandes ocupações; fez-se o 30 de agosto a gosto de sua Majestade e dos infantes e do conde duque, que afirmou não ter retratado ao rei até então... Realizou também um esquema do Príncipe de Gales, que se encontrava naqueles dias em Madri, que lhe deu cem escudos».

Em outubro de 1623 ordenou-se a Velázquez que transladará sua casa a Madri e foi nomeado pintor do rei com um salário de vinte ducados ao mês, ocupando a vaga de Rodrigo de Villandrando que tinha falecido no ano anterior.[13]

Depois pintou um primeiro retrato ecuestre do rei, que foi exposto junto ao célebre Carlos V a cavalo em Mühlberg de Tiziano na rua Maior na visita do cardeal Barberini em 1626.[4]

O triunfo de Baco, popularmente conhecida como os bêbados, está considerada a obra mestre deste período (1628-29). Museu do Prado, Madri.

A rápida ascensión de Velázquez provocou o ressentimento dos pintores mais veteranos, como Vicente Carducho e Eugenio Cajés que o acusavam de ser só capaz de pintar cabeças. Segundo escreveu Jusepe Martínez, isto provocou a realização de um concurso em 1627 entre Velázquez e os outros três pintores reais: Carducho, Cajés e Angelo Nardi.[16] O ganhador seria eleito para pintar a tela principal do Salão Grande do Alcázar. O motivo do quadro era A expulsión dos moriscos de Espanha. O júri, presidido por Juan Bautista Maíno, entre os esquemas apresentados declarou vencedor a Velázquez. O quadro foi pendurado no Alcázar de Madri e perdeu-se posteriormente no incêndio do mesmo (1734). Este concurso contribuiu à mudança do gosto do corte, abandonando o velho estilo de pintura e aceitando a nova pintura.[16]

Em 1628 Velázquez tinha sido já ascendido a pintor de câmara, o cargo mais importante entre os pintores do corte. Seu trabalho principal consistia em realizar retratos da família real, pelo que estes representam a maior parte de sua produção. Outro trabalho era pintar quadros para decorar os palácios reais, o que lhe deu uma maior liberdade na eleição de temas e em como os representar, liberdade da que não gozavam os pintores comuns, atados aos encargos e à demanda do mercado. Velázquez podia aceitar também encargos particulares, mas desde que se transladou a Madri, só aceitou encargos dos membros mais influentes do corte.[17] Sabe-se que pintou vários retratos do rei e do conde duque, muitos dos quais se perderam no incêndio do Alcázar de 1734.[13]

Entre as obras conservadas deste período destaca especialmente Os bêbados, sua primeira composição mitológica, representando a antigüedad clássica de forma vigorosa e quotidiana como uma reunião de camponeses de seu tempo reunidos alegremente para beber, onde ainda persistem alguns modos sevillanos. Entre os retratos da família real destaca O infante Dom Carlos, e dos retratos não pertencentes à família real sobresalen O geógrafo do Museu de Belas Artes de Ruan e o Retrato de homem jovem da Alte Pinakothek de Munique .[18]

Em 1628 Rubens chegou a Madri para realizar gestões diplomáticas e aproveitou pintando da ordem de dez retratos da família real. Também estudou a colecção real de pintura copiando para Tiziano. Permaneceu na cidade quase em um ano. Velázquez acompanhou-o ao monasterio do Escorial. Deveu ser uma grande experiência para Velázquez conhecer a este gan pintor que se encontrava em seu apogeo criativo e seguramente lhe ajudou a compreender que precisava para completar sua formação. Ao comparar-se os retratos de Felipe IV realizados por ambos pintores, Rubens pintou ao rei de forma alegórica, enquanto Velázquez o continuou representando como a esencia do poder. Picasso analisou-o assim: o Felipe IV de Velázquez é pessoa diferente do Felipe IV de Rubens.[19]

Primeira viagem a Itália

A fragua de Vulcano (1630), Museu do Prado (Madri).
A túnica de José (1630), Monasterio do Escorial (San Lorenzo do Escorial).

Após a marcha de Rubens e seguramente influído por ele, Velázquez solicitou licença ao rei para viajar a Itália a completar seus estudos.[20] O 22 de julho de 1629 concederam-lhe para a viagem dois anos de salário, 480 ducados, e ademais dispunha de 400 ducados pelo pagamento de vários quadros. Velázquez viajou com um criado e levava cartas de recomendação para as autoridades dos lugares que queria visitar.[21]

Esta viagem a Itália representou uma mudança decisiva em sua pintura. Seu estilo transformou-se radicalmente. Desde o século anterior os artistas de toda a Europa viajavam a Itália para conhecer o centro admirado por todos da pintura européia. Ademais Velázquez era o pintor do rei de Espanha e por isso se lhe abriram todas as portas podendo contemplar obras que só estavam ao alcance dos mais privilegiados.[22]

Partiu do Porto de Barcelona na nave de Spinola, geral genovés ao serviço do rei espanhol que voltava a sua terra. Primeiro dirigiu-se a Veneza onde o embaixador espanhol lhe geriu visitas às principais colecções artísticas dos diferentes palácios. Segundo Palomino copiou obras de Tintoretto. Como a situação política era delicada em Veneza permaneceu ali pouco tempo e partiu para Ferrara, onde encontrar-se-ia com a pintura de Giorgione ; desconhece-se o efeito que lhe produziu a obra deste grande inovador.[23]

Depois esteve em Cento interessado em conhecer a obra de Guercino , que pintava seus quadros com uma iluminação muito branca, suas figuras religiosas eram tratadas como personagens correntes e era um grande paisagista. Para Julián Galego a obra de Guercino foi a que mais ajudou a Velázquez a encontrar seu estilo pessoal.[23]

Em Roma o cardeal Francesco Barberini facilitou-lhe a entrada às estadias vaticanas, nas que dedicou muitos dias à cópia dos frescos de Míguel Angel e Rafael. Depois transladou-se a Villa Medicis nas afueras de Roma, onde copiou sua colecção de escultura clássica e realizou paisagens do natural. Não só estudou o maestro antigos; naquele momento encontravam-se activos em Roma os grandes pintores do barroco, Pietro dá Cortona, Andrea Sacchi, Nicolás Poussin, Claudio Lorena e Gianlorenzo Bernini. Não há depoimento directo de que Velázquez contactasse com eles, mas existem importantes indícios de que conheceu de primeira mão as novidades do mundo artístico romano.[24]

A assimilação da arte italiana no estilo de Velázquez comprova-se nas telas do período A fragua de Vulcano e A túnica de José que foram pintados por iniciativa própria sem encarrego de por médio. Na fragua de Vulcano, ainda que persistem elementos do período sevillano, é uma ruptura importante com sua pintura anterior. No tratamento espacial apreciam-se mudanças: a transição para o fundo é suave e o intervalo entre figuras está muito medido. Nas pinceladas, dantes eram capas de pintura ópaca, agora a imprimación é muito ligeira, a pincelada é fluída e os toques de luz produzem surpreendentes efeitos entre as zonas alumiadas e as sombras. Assim o descreveu o pintor contemporâneo Jusepe Martínez: «veio muito melhorado quanto a perspectiva e arquitectura refere-se».[24]

Permaneceu em Roma até o outono de 1630 e regressou a Madri passando por Nápoles a princípios de 1631. Ali conheceu a José de Ribera, que se encontrava em sua plenitude pictórica.[17]

Maturidade em Madri

A costurera (1640), um de suas retratos mais íntimos.

Concluído sua primeira viagem a Itália, tinha atingido «uma técnica de severa perfección». Com 32 anos iniciou seu período de maturidade. Na Itália tinha completado seu processo formativo estudando as obras mestres do renacimiento e sua educação pictórica era a mais ampla que um pintor espanhol tinha recebido até a data.[25]

A partir de 1631 volta a sua principal tarefa de pintor de retratos reais em um período de ampla produção, participando em dois grandes projectos decorativos do momento: o novo Palácio do Bom Retiro e a Torre da Parada, um pavilhão de caça do rei.[26]

Concebido o Palácio do Bom Retiro como uma grande exaltación da monarquia espanhola e de seu soberano, Velázquez realizou para o mesmo uma série de cinco retratos ecuestres de Felipe III, Felipe IV, ambos com suas esposas e do príncipe herdeiro. Estes decoravam os testeros (extremos) do grande Salão de Reinos, para cujos muros laterais se encarregou também uma ampla série de telas com batalhas mostrando o triunfo da monarquia. Realizou Velázquez um deles, A rendición de Breda, o chamado também As Lanças.[25] Tanto o retrato de Felipe IV a cavalo como o do príncipe se encontram entre as obras mestres do pintor. Quiçá nos outros três retratos ecuestres pôde receber ajuda de sua oficina, mas de todas formas se observam nos mesmos detalhes de soma destreza que pertencem à mão de Velázquez. A disposição dos retratos ecuestres do rei Felipe IV, a rainha e o príncipe herdeiro no Salão de Reinos, tem sido reconstruída por Brown apoiando-se em descrições da época:[27]


Principe baltasar carlos caballo Velazquez lou.jpg.jpg
210px La reina Isabel de Borbón a caballo.jpg

Para a Torre da Parada pintou três retratos do rei, de seu irmão e do príncipe vestidos de caçadores. Também para aquele pavilhão de caça pintou outros três quadros, Esopo, Menipo e Marte descansando. Por então pintou também seus retratos de bufões, sobresaliendo entre eles os quatro de figuras sentadas.[26]

A década de 1630 foi a que mais pintou; quase um terço de seu catálogo pertence a este período. Para 1640 esta intensa produção baixou drasticamente e já não se recuperou no futuro. Não se conhece com segurança o motivo de tal redução, conquanto se argumenta que Velázquez foi acaparando labores cortesanas ao serviço do rei, que lhe ajudaram a ganhar uma melhor posição mas que lhe restaram tempo para pintar.[28]

Em 1633 tinha-se casado a filha de Velázquez, de nome Francisca, com Juan Bautista Martínez do Mazo, pintor também. Em um ano depois, seu suegro ceder-lhe-ia seu posto de ujier de câmara, para assegurar o futuro económico de sua filha. Velázquez ocuparia em 1643 o posto de Ajuda de Câmara, que supunha os favores reais, dado que era uma das pessoas mais próximas ao monarca. Por outra parte, depois desta nomeação, sucederam-se uma série de desgraças no corte e nas proximidades do monarca: queda do poder do valido do rei, o Conde-Duque de Olivares (que tinha sido protector seu), a morte da rainha Isabel em 1644 , a morte de sua suegro e mestre Francisco Pacheco, o 27 de novembro desse mesmo ano, e a morte do príncipe Baltasar Carlos, aos 17 anos de idade.

Segundo viaje a Itália

Vénus do espelho (1650).

Em 1649-51 Velázquez realizou uma segunda viagem a Itália com o fim de adquirir para o rei pinturas e esculturas antigas. Também devia contratar a Pietro dá Cortona para pintar ao fresco vários tetos de estadias que se tinham reformado no Alcázar de Madri . Depois ao não poder comprar esculturas antigas teve que se conformar com encarregar cópias em bronze mediante cascas ou moldes obtidos de originais famosos. Também não pôde convencer a Pietro de Cortona para realizar os frescos do Alcázar e em seu lugar contratou para isso a Angelo Michele Colonna e Agostino Mitelli, experientes na pintura de trampantojo . Este trabalho de gestão mais que propriamente criativo lhe absorvia muito tempo; viajou por várias cidades procurando pinturas de maestros antigos, seleccionando esculturas antigas para copiar e obtendo as permissões para fazê-lo. Esteve em um ano na Itália sem pintar.[29]

O Retrato de Inocencio X desencadeou que outros membros da curia papal desejassem retratos seus da mão de Velázquez. Palomino diz que realizou sete de personagens que cita, dois não identificados e outros que ficaram inacabados. Resulta bastante surpreendente em Velázquez, sobretudo tratando de um pintor que se prodigaba muito pouco.[29]

Outra vez realiza um percurso pelos principais estados italianos, ainda que em duas etapas: a primeira, que chega até Veneza, onde adquire obras de Veronés e Tintoretto para o monarca espanhol; e a segunda, que chega até Roma, depois de passar por Nápoles, onde se reencuentra com Ribera. Em Roma retrata ao pontífice Inocencio X, obra na que, utilizando como médio o contraste de luzes, consegue encher de expresividad todo o quadro. Há teorias que adjudican a famosa Vénus do Espelho a esta etapa na Itália e identificam ao modelo como a pintora Lavinia Triunfi, conquanto certos autores acham que é o retrato de uma amante de Velázquez, que lhe deu um filho ilegítimo. O tema da Vénus já tinha sido tratado em multidão de versões por duas dos maestros que mais influência tiveram na pintura velazqueña: Tiziano e Rubens. A Vénus de Velázquez contribui ao género uma nova variante: a deusa encontra-se de costas e mostra seu rosto ao espectador em um espelho.

Última década: sua cimeira pictórica

De volta a Madri seus cargos administrativos absorveram-lhe a cada vez mais. Felipe IV nomeou-o Aposentador Real, cargo que lhe tirou grande quantidade de tempo para desenvolver seu labor pictórica[30] . Velázquez devia supervisionar não só a decoración dos palácios reais, senão também o hospedaje do monarca quando se deslocava a outros lugares.

A chegada da nova rainha, Mariana da Áustria, motivou a realização de vários retratos. Também a infanta casadera Maria Teresa foi retratada em várias ocasiões pois devia se enviar sua imagem aos possíveis esposos. Os novos infantes, nascidos de Mariana, também originaram vários retratos, sobretudo Margarita, nascida em 1651 .[30]

No final de sua vida pintou suas duas composições maiores e complexas, suas obras magistrales A fábula de Aracné (1658), conhecida popularmente como As Hilanderas, e o mais celebrado e famoso de todos seus quadros A família de Felipe IV ou As Meninas (1656). Neles vemos seu estilo último onde parece representar a cena mediante uma visão fugaz. Empregou pinceladas atrevidas que de perto parecem inconexas mas contempladas a distância adquirem todo seu sentido, antecipando à pintura de Manet e aos impresionistas do século XIX nos que tanto influiu seu estilo[31] . As interpretações destas duas obras têm originado multidud de estudos e são consideradas duas obras mestres da pintura européia.[30]

O último encarrego que recebeu do rei foi pintar quatro pinturas mitológicas para o Salão dos Espelhos, onde se colocaram junto a obras de Tiziano, Tintoretto, Veronés e Rubens, os pintores preferidos de Felipe IV. Das quatro obras, só se conservou Mercurio e Argos, e as outras três resultaram destruídas no incêndio do Alcázar em 1734[30] . Esta perda é especialmente grave porque, por seu tema, alguma das pinturas incluía nus, um género pouco comum entre os pintores espanhóis da época.


Retratos dos infantes
Retrato de la infanta Margarita, by Diego Velázquez.jpg 156px Diego Velázquez 030.jpg Diego Velázquez 046.jpg
Os dois primeiros retratos correspondem à infanta Margarita pintados em 1653 e 1659, o terceiro é da infanta María Teresa (1652) e o quarto é o príncipe Felipe Próspero (1659). Todos eles se encontram em Kunsthistorisches Museum, Viena.

De acordo à mentalidade de sua época, Velázquez desejava atingir a nobreza e foi proposto para a Ordem de Santiago em 1658. Precisava-se ser de ascendência nobre, não judeu nem converso, e por isso o Conselho de ordens Militares realizou uma investigação sobre sua linhagem. Tomou-se declaração a 148 testemunhas e foi recusado ao não se encontrar ascendência nobre em sua avó paterna nem em seus avôs maternos. Nestas circunstâncias só a dispensa do Papa podia conseguir que Velázquez fosse admitido na a Ordem. Por sorte, Inocencio X apreciava ao pintor que tão certeiramente lhe tinha retratado, e foi graças à dispensa papal que Velázquez conseguiu pertencer à ordem de Santiago o 28 de novembro de 1659.[30]

Em 1660 o rei e o corte acompanharam à infanta María Teresa a Fuenterrabía , cerca da fronteira francesa, onde se encontrou com seu novo esposo Luis XIV. Velázquez como aposentador real se encarregou de preparar o alojamento do séquito e de decorar o pavilhão onde se produziu o encontro. O trabalho deveu ser esgotador e à volta enfermó de viruela.[30] Morreu em Madri o 6 de agosto de 1660. Foi enterrado ao dia seguinte com todas as honras da Ordem de Santiago na igreja de San Juan Bautista.[32] Sua mulher, Juana Pacheco, morreu sete dias depois.

Além dos escritos de Francisco Pacheco sobre sua juventude e da biografia de Palomino, praticamente contemporânea, dispõe-se de muitos documentos administrativos sobre acontecimentos que lhe sucederam. No entanto nada se sabe de suas cartas, escritos pessoais, amizades ou vida privada, que permitiriam indagar em sua vida, seu trabalho e seu pensamento. O qual faz difícil o entendimento da personalidade do artista.[33]

Sim conhecem-se seus interesses em livros. Sua biblioteca, muito numerosa para a época, estava formada por 154 instâncias sobre matemáticas, geometria, geografia, mecânica, anatomía, arquitectura e teoria da arte. Recentemente vários estudiosos através destes livros têm tentado acercar à compressão de sua personalidade.[34]

O artista

Príncipe Baltasar Carlos a cavalo (Detalhe-1635). Considerada uma de suas obras mestres. Seus pinceladas rápidas, abocetadas e de enorme precisão, anteceden em dois séculos os modos impresionistas.
(Para ampliar a imagem clikear sobre a mesma e sobre as sucessivas que aparecerão; se reverte volte a clikear.).

Seu estilo pictórico

Até Os bêbados, Velázquez pintava suas personagens com contornos precisos e destacando-os claramente dos fundos, seus pinceladas eram ópacas e empastadas.[35]

Em sua primeira viagem a Itália realizou uma radical transformação de seu estilo. Nesta viagem o pintor ensayó novas técnicas procurando a luminosidade. Velázquez, que tinha ido desenvolvendo sua técnica nos anos anteriores, concluiu esta transformação em meados de 1630 onde se considera que encontrou sua linguagem pictórico mediante uma combinação de pinceladas soltas de cores transparentes e toques precisos de pigmento para realçar os detalhes.[35]

A partir da Fragua de Vulcano, pintada na Itália, a preparação dos quadros mudou e manteve-se o resto de sua vida. Compunha-se basicamente de alvo de chumbo aplicado com espátula, que formava um fundo de grande luminosidade complementada com pinceladas a cada vez mais transparentes.[35] Na rendición de Breda e no Retrato ecuestre de Baltasar Carlos, pintados na década de 1630, concluiu esta mudança. O recurso de fundos claros e capas transparentes de cor para criar uma grande luminosidade eram frequentes em pintores flamencos e italianos, mas Velázquez desenvolveu esta técnica até extremos nunca vistos.[35]

Esta evolução produziu-se devido ao conhecimento da obra de outros artistas, especialmente a colecção real e os quadros que estudou na Itália. Também por sua relação directa com outros pintores, Rubens em sua visita a Madri e os que conheceu em sua primeira viagem a Itália.[35] Velázquez, por tanto, não fazia como os outros pintores que tinha em Espanha que pintavam sobrepondo capas de cor. Ele desenvolveu seu próprio estilo de pinceladas diluidas e toques rápidos e precisos nos detalhes. Estes pequenos detalhes tinham muita importância na composição. A evolução de sua pintura prosseguiu para uma maior simplificação e rápidez de execução. Sua técnica, com o passo do tempo, voltou-se mais precisa e esquemática. Foi o resultado de um amplo processo de maduración interior.[35]

O pintor não tinha a composição totalmente definida ao princípio, mais bem preferia a ajustar segundo ia progredindo o quadro introduzindo modificações que melhorassem o resultado. Não fazia desenhos preparatorios, simplesmente fazia um bosquejo das linhas gerais da composição. Em muitas de suas obras seus célebres corecciones apreciam-se a simples vista. Os contornos das figuras vão-se sobrepondo no quadro segundo modificada sua posição, acrescentava ou eliminava elementos. A simples vista podem-se observar muitos destes ajustes: modificações na posição das mãos, das mangas, nos pescoços, nos vestidos.[35] Outro costume seu era retocar suas obras após concluídas, em alguns casos estes retoques produziram-se muito tempo depois.[36]

A paleta de cores que empregava era muito reduzida utilizando em toda sua vida os mesmos pigmentos. O que variou com o tempo é a forma dos misturar e os aplicar.[35]

O grau de acabamento é outra parte fundamental de sua arte e depende do tema. As figuras são sempre a parte mais elaborada, no caso da família real estão bem mais trabalhadas que nos bufões onde se tomou as maiores liberdades técnicas.[35] Em quadros como A encajera a zona abocetada com amplas pinceladas ocupa grande parte do quadro. Ao longo de sua vida, em muitos retratos e outras composições mitológicas, religiosas ou históricas aparecem estas zonas esboçadas. Para López Rei é claro que estas partes abocetadas têm uma intensidade expresiva intrínseca estando bem integradas na composição do quadro e pode se considerar parte da arte de Velázquez.[36]

Las Meninas detail.jpg
Detalhe das meninas onde se aprecia seu último estilo: traços longos e soltos nos contornos e pinceladas breves nos toques de luz, fundamentalmente nos vestidos.
Para ver com detalhe o estilo de Velázquez, ampliar clikeando sobre esta imagem e as sucessivas que aparecerão, se reverte volte a clikear.

Reconhecimento de sua pintura

O reconhecimento de Velázquez como grande maestro é bastante tardio. Praticamente até o princípio do século XIX não aparece seu nome entre os artistas considerados maiores.[37] As causas são várias; Velázquez não acostumava a assinar suas obras, pelo que muitas se atribuíam a outros artistas. Ademais, a maior parte de sua carreira consagrou-a ao serviço de Felipe IV, pelo que quase toda sua produção permaneceu nos palácios reais, lugares pouco acessíveis ao público. Ao invés que Murillo e Zurbarán, não dependeu da freguesia eclesiástica e realizou poucas obras para igrejas e demais edifícios religiosos, pelo que não foi um artista popular.

O retrato de Pablo de Valladolid (1636-37) foi dos mais admirados por Manet.

A obra de Velázquez começou a ser conhecida quando os viajantes estrangeiros que visitavam Espanha puderam contemplar no Museu do Prado, que começou a mostrar as colecções reais em 1819. Dantes só os que dispunham de um premiso especial podiam contemplar sua obra nos palácios regios.[33]

O reconhecimento de pintores e críticos foi crescendo. O estudo sobre o pintor de Stirling Maxwell, publicado em Londres em 1855 e traduzido ao francês em 1865, ajudou no redescubrimiento do artista, tratava-se do primeiro estudo moderno sobre a vida e obra do pintor. A revisão da importância de Velázquez concidió com uma mudança de sensibilidade artística.[33]

Quando Manet realizou sua famosa viagem de estudo a Madri em 1865, a fama do pintor já estava estabelecida, mas ninguém se sentiu tão maravillado e foi quem mais fez pelo entendimento e valoração de sua arte.[33] Qualificou-o como o pintor de pintores e o maior pintor que jamais tem existido.[38]

Por tanto o surgimiento de Velázquez como pintor universal se produziu para 1850. Na segunda parte do século foi considerado como o realista supremo e o pai da arte moderna.[39]

No final de século acrescentou-se a interpretação de Velázquez como um pintor protoimpresionista. Stevenson em 1899 estudou seus quadros com mirada de pintor e encontrou numerosa conexões entre a técnica de Velázquez e os impresionistas franceses.[30]

Ortega e Gasset situou o momento de máxima fama de Velázquez entre 1880 e 1920, coincidindo com o tempo dos impresionistas franceses.[40]

Depois aconteceu o inverso, para 1920 o impresionismo e suas ideias estéticas declinaron e com ele a consideração de Velázquez.[41] Segundo Ortega começou um período que chamou de invisibilidad de Velázquez.[40]

Catálogo e museografía

Arquivo:Sebastián Morra (Velázquez) detail.jpg
Detalhe do retrato do anão Sebastian Morra (1645). Observese a luminosidade do rosto, sua mirada concentrada, a representação de suas roupas e o tratamento do fundo neutro.

As obras conservadas do pintor estimam-se entre cento vinte e cento vinte e cinco telas, quantidade reduzida dados os quarenta anos de dedicação pictórica. Se acrescentam-se as obras que se têm referência mas que se perderam deveu pintar sobre cento sessenta quadros. Nos vinte primeiros anos de actividade pintou sobre cento vinte a razão de seis ao ano, enquanto em seus últimos vinte anos sozinho pintou sobre quarenta quadros a razão de dois anuais.[42] Palomino explicou que esta redução se produziu porque as múltiplas actividades do corte lhe tiravam muito tempo.[43]

O primeiro catálogo sobre a obra de Velázquez realizou-o Stirling-Maxwell em 1848 e incluía 226 quadros. Os sucessivos catálogos de outros autores têm ido reduzindo o número de quadros autênticos até chegar à cifra actual de 120-125. Dos catálogos actuais, o mais utilizado é o de López Rei publicado em 1963 e revisado em 1979, no primeiro incluía cento vinte obras e na revisão eram cento vinte e três.[44]

Actualmente o Museu do Prado tem umas cinquenta obras do pintor, a parte fundamental da colecção real, enquanto em outros lugares e museus de Madri encontram-se outras dez obras.[45]

No Kunsthistorisches Museum de Viena podem-se admirar dez quadros, entre eles cinco retratos da última década.[23] Estes quadros, a maioria retratos da infanta Margarita, eram enviados ao corte imperial de Viena para que seu primo o imperador Leopoldo que se tinha prometido com ela em seu nascimento pudesse observar seu crescimento.[46]

Em Grã-Bretanha há uma veintena de quadros e já em vida de Velázquez tinha afición por coleccionar sua pintura. É onde têm mais obras do período sevillano e a única Vénus de Velázquez que tem sobrevivido. Os bodegones encontram-se em galerias públicas de Londres, Edimburgo e Dublin. A maior parte destas obras saíram de Espanha durante a invasão napoleónica.[47]

Nos Estados Unidos encontra-se outra veintena de obras, dos que a metade se encontram em museus de Nova York.[23]

Obra

Vejam-se também: Anexo:Quadros de Velázquez e Categoria:Quadros de Diego Velázquez

A rendición de Breda

Artigo principal: A rendición de Breda
A rendición de Breda (1635), faz cimeira do Barroco pictórico.

Este quadro da batalha de Breda estava destinado a decorar o grande Salão de Reinos do Palácio do Bom Retiro, juntos com outros quadros de batalhas de vários pintores. O Salão de Reinos estava concebido como uma grande exaltación da monarquia e de Felipe IV.[48]

Trata-se de uma obra de total maturidade técnica onde encontrou uma nova forma de captar a luz. O estilo sevillano tem desaparecido, já não se emprega a forma caravaggista de tratar o volume alumiado. A técnica volta-se muito fluída até o ponto que em algumas zonas o pigmento não cobre a tela deixando ver a preparação do mesmo.[48] Neste quadro Velázquez terminou de desenvolver seu estilo pictórico. A partir deste quadro pintará sempre com esta técnica, somente realizará pequenos ajuste nela.[49]

Na cena representada o general espanhol Spinola recebe do holandês Justin de Nassau as chaves da cidade conquistada. As condições da rendición foram excepcionalmente benignas e permitiu-se-lhes aos vencidos sair da cidade com as armas. A cena é uma invenção pois realmente o acto de entrega de chaves não existiu.[50]

Sobre a marcha Velázquez foi modificando a composição várias vezes, apagava o que não gostava com de ligeiras sobreposições de cor. As radiografias permitem distinguir a sobreposição de muitas modificações. Uma das mais significativas são lança-las dos soldados espanhóis, elemento capital da composição, que foram acrescentadas em uma fase posterior. A composição articula-se em profundidade mediante uma perspectiva aérea. Entre os soldados holandeses da esquerda e os espanhóis da direita há rostos fortemente alumiados e outros estão tratados em diferentes níveis de sombras. A figura do geral vencido tratado com nobreza é uma forma de realçar ao vencedor.[50] À direita o cavalo de Spinola move-se impaciente. Os soldados uns atendem e outros parecem distraídos. São estes pequenos movimentos e gestos os que tiram rigidez à rendición e lhe dão uma aparência de naturalidad.[49]

O retrato do papa Inocencio X

O retrato de Inocencio X (1649-51).
Artigo principal: Retrato de Inocencio X

O retrato mais aclamado em vida do pintor e que segue hoje em dia suscitando admiração, é o que realizou ao papa Inocencio X. Pintado em sua segunda viagem a Itália, o artista estava na cume de sua fama e de sua técnica.[29]

Não era fácil que o Papa posasse para um pintor, era um privilégio que muito poucos conseguiam. Para Enriqueta Harris as pinturas que Velázquez lhe levou como presente do rei deveram pôr a Inocencio em boa disposição. Como se explicou o artista levava em um ano sem tocar os pinceles e para apanhar prática dantes pintou a seu criado Juan de Casal.[29]

Inspirou-se no retrato que Rafael pintou ao papa Julio II e na evolução sobre o mesmo que Tiziano realizou ao papa Paulo III, ambos muito célebres e copiados. Velázquez rendeu homenagem a seu admirado mestre veneciano neste quadro mais que em nenhum outro, ainda que se trata de uma criação independente: a figura erguida em seu cadeirão tem muita força.[29]

Com pinceladas soltas vários tons de vermelhos combinam-se, desde o mais longínquo ao mais próximo, ao fundo o vermelho escuro da cortina, depois o mais claro do cadeirão, em primeiro plano o impressionante vermelho da muceta com seus luminosos reflejos. Sobre este ambiente domina a cabeça do pontifice de rasgos fortes e mirada severa.[29]

Este retrato sempre tem sido muito admirado. Tem inspirado a pintores de todas as épocas desde Neri a Francis Bacon com sua atormentada série. Para Joshua Reynols era o melhor quadro de Roma e um dos primeiros retratos do mundo.[29]

Palomino disse que Velázquez levou em sua volta a Madri uma réplica (cópia autógrafa), que se considera que é a versão do Museu Wellington (Apsley House, Londres). Wellington arrebatou-a aos franceses em Vitoria, que a sua vez a tinham expoliado em Madri durante a Guerra da Independência. Trata-se da única cópia crida autógrafa de Velázquez das muitas réplicas existentes.[29]

As meninas

Artigo principal: As meninas
As Meninas, nome com o que é conhecido popularmente este quadro desde o século XIX, é considerada a obra mais importante do pintor.

Trata-se de uma das obras mais famosas e controvertidas de nosso tempo. Graças a Palomino sabemos os nomes de todas as personagens que aparecem no quadro. No centro em primeiro plano aparece a infanta Margarita, assistida por duas damas de honra ou meninas. Na direita estão os anões Maribarbola e Nicolás Pertusato, este último dando um puntapié ao cão. Detrás, em penumbra, aparecem uma dama de companhia e um guarda de corps, ao fundo na porta José Neto, aposentador da rainha. À esquerda pintando uma grande tela que vemos por detrás se encontra o pintor Diego Velázquez. No espelho refletidos adivinham-se os reis Felipe IV e sua esposa Mariana da Áustria.[51]

Já se assinalou que Velázquez ajustava a composição conforme o quadro avançava. A modificação mais importante que realizou é a cabeça de Velázquez que dantes olhava para a infanta e finalmente olha para o espectador. Empregou muito poucas cores, praticamente o que se vêem em sua paleta mais a faixa de azuis.[51] Palomino explicou que a cruz da Ordem de Santiago que aparece na vestimenta do pintor foi acrescentada após a morte de Velázquez por ordem de Felipe IV.[52]

As figuras de primeiro termo estão resolvidas mediante pinceladas soltas e longas com pequenos toques de luz. Detrás a execução é ainda mais somera aparecendo as figuras em penumbra. A falta de definição aumenta para o fundo e são os reis representados no espelho as figuras mais someras. Esta mesma técnica emprega-se para criar a atmosfera nebulosa da parte alta do quadro, que habitualmente tem sido destacada como a parte mais conseguida da composição.[51]

O espaço arquitectónico é mais complexo que em outros quadros sendo o único onde aparece o teto da habitação. A profundidade do ambiente está acentuada pela alternancia das jambas das janelas e os marcos de quadros da parede direita, enquanto na esquerda esse papel de remarcar o espaço assume-o a grande estrutura do quadro que aparece representado por detrás, também ajuda a sequência em perspectiva dos ganchos de aranha do teto. Este palco em penumbra realça o grupo bem alumiado da infanta.[52]

No entanto não parece que a infanta Margarita seja a razão da composição. Os espectadores que observamos o quadro advertimos que os gestos congelados e as miradas para nós do grupo da infanta: está a assinalar-nos que o centro da acção não está pintado e se encontra fora do quadro na zona desde onde nós olhamos. Estudos recentes baseados nesta ideia de Michel Foucault têm prestado muita atenção à relação entre a cena que se desenvolve no quadro e o espaço adiante do quadro onde está o espectador.[53]

O anterior tem que ver com o que Velázquez está a pintar no grande quadro da esquerda que não se vê. O mais provável é que esteja a pintar a Felipe IV e à rainha Mariana que são os bustos que se vêem refletidos no espelho e que seriam as figuras que estariam por tanto na zona onde está o espectador.[52]

A fábula de Aracné (As hilanderas)

Artigo principal: A fábula de Aracné

A fábula de Aracne pintou-a para um cliente particular, Pedro de Arce, que pertencia ao corte. No quadro representa-se o mito de Aracne , uma extraordinária tejedora, que Ovidio descreveu em suas Metamosfosis. A mortal desafiou à deusa Minerva para demonstrar que tecia como uma deusa. O resultado foi um empate e concluiu-se que o tápiz de Aracne era de igual qualidade que o da deusa. No quadro em primeiro termo vêem-se à deusa e a Aracne tecendo seus respectivos tápices. No fundo representa-se o momento posterior, pendurados nas paredes os tápices terminados, em que se declaram de qualidade equivalentes.[54]

Las hilanderas Velázquez detail.jpg
Detalhe da zona cental das hilanderas (1658). Corresponde à parte pintada por Velázquez. Em primeiro termo, a competição entra a deusa Minerva, coberta com um manto branco e Aracne, à direita com blusa branca tecendo sua tàpiz . Ao fundo, de forma anacrónica, julga-se o resultado que termina em empate.
Para ver com detalhe o estilo de Velázquez, ampliar clikeando sobre esta imagem e as sucessivas que aparecerão, se reverte volte a clikear.

Após pintá-lo Velázquez, acrescentaram-se 4 bandas suplementando os quatro lados do quadro: o superior aumentou-se uns 50 cm, sobre 22 cm o lateral direito, 21 o esquerdo e uns 10 cm o lado inferior,[55] ficando ao final com 222 cm de altura e 293 de largura.

Está executado de forma muito rápida sobre um fundo anaranjado empregando misturas muito fluídas. As figuras em primeiro termo estão esmaecidas, definidas com toques rápidos que provocam essa borrosidad e mais ao fundo este efeito aumenta sendo as pinceladas mais breves e transparentes. À esquerda representa uma rueca cujos rádios se adivinham em uma borrosa impressão de movimento. Velázquez realçou este efeito dispondo no interior da circunferencia uns toques de luz que sugerem os fugaces reflejos das rádios em movimento.[55]

Introduziu na composição muitos mudanças, um dos mais significativos é a mulher da esquerda que aparta a cortina que ao princípio não figurava no quadro.[55]

O quadro tem chegado em más condições de conservação, atenuadas mediante uma delicada restauração nos anos 80. Para os estudiosos, é a obra onde a cor é mais luminosa e onde atingiu o maior domínio da luz. O contraste entre a intensa luminosidade da cena do fundo e o claroscuro da estadia em primeiro plano é muito acusado. Também há outro grande contraste no primeiro termo entre a luminosa figura de Aracne e as figuras em sombra da deusa Minerva e demais tejedoras.[56]

Relação de obras

O bufão Calabacillas (1637-39).
Menipo (1639).
Juan de Casal (1649-50).
Quadro conhecido como o barbero do Papa (1649-50).
Último retrato de Felipe IV (1655).

Veja-se também

Os maestros antigos que estudou na colecção real e na Itália:

A pintura contemporânea que se encontrou em sua primeira viagem a Itália:

Seus protectores:

Os principais museus onde se conserva sua obra:

Referências

  1. ↑ a b Justi, op. cit., p.107-114
  2. ↑ Galego, op. cit., p.15
  3. ↑ a b Ragusa, op. cit., p.23
  4. ↑ a b c Harris, Biografia, p.424-425
  5. ↑ a b c Pérez Sánchez, op. cit., p.24-26
  6. ↑ Galego, op. cit., p.37-38
  7. ↑ Ragusa, op. cit., p.24-29
  8. ↑ a b Pérez Sánchez, op. cit., p.27-31
  9. ↑ a b Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.12
  10. ↑ López Rei, Velázquez, p.10
  11. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.34
  12. ↑ García Serraller,, op. cit., p.36-37
  13. ↑ a b c d Pérez Sánchez, op. cit., p.31-32
  14. ↑ Galego, op. cit., p.52
  15. ↑ García Serraller, op. cit., p. 40-43.
  16. ↑ a b Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.60-61
  17. ↑ a b Brown, Velázquez. A técnica do génio, p.10
  18. ↑ García Serraller,, op. cit., p.55-59
  19. ↑ López Rei, Velázquez, p.17
  20. ↑ Pérez Sánchez, op. cit., p.35-36
  21. ↑ Galego, op. cit., p.74-75
  22. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.69
  23. ↑ a b c d Galego, op. cit., p.76-80
  24. ↑ a b Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.70-77
  25. ↑ a b Pérez Sánchez, op. cit., p.36-37
  26. ↑ a b Harris, Biografia, p.426
  27. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.107-111
  28. ↑ Brown, Velázquez. A técnica do génio, p.11-12
  29. ↑ a b c d e f g h Harris, Inocencio X, p.203-213
  30. ↑ a b c d e f g Brown, Velázquez. A técnica do génio, p.13
  31. ↑ Harris, Biografia, p.427-428
  32. ↑ MADRI | Tumba de Velázquez. Aparece o pavimento da igreja onde se enterrou
  33. ↑ a b c d Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.305-6
  34. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.266
  35. ↑ a b c d e f g h i Brown, Velázquez. A técnica do génio, p.16-20
  36. ↑ a b López Rei, Velázquez, p.122-127
  37. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.267-9
  38. ↑ García Serraller,, op. cit., p.131-3
  39. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.307-8
  40. ↑ a b Ortega, A fama de Velázquez
  41. ↑ Herzer, op. cit., p.7-10
  42. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.169
  43. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.183
  44. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.306-7
  45. ↑ Galego, op. cit., p.193-204
  46. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.222
  47. ↑ Harris, Velázquez e Grã-Bretanha, p.333-337
  48. ↑ a b Pérez Sánchez, op. cit., p.37-38
  49. ↑ a b Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.84-87
  50. ↑ a b López Rei, Velázquez, p.17
  51. ↑ a b c Brown, Velázquez. A técnica do génio, p.181-194
  52. ↑ a b c López Rei, Velázquez, p.156-164
  53. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.259
  54. ↑ Brown, Velázquez. Pintor e cortesano, p.252
  55. ↑ a b c Brown, Velázquez. A técnica do génio, p.200-204
  56. ↑ López Rei, Velázquez, p.135-136

Bibliografía

Enlaces externos

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