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Gustav Klimt

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Gustav Klimt
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Gustav Klimt
Nome real Gustav Klimt
Nascimento 14 de julho de 1862
Baumgarten, Áustria
Fallecimiento 6 de fevereiro de 1918 , 55 anos
Viena, Áustria-Hungria
Nacionalidade Austrohúngaro
Movimento Simbolista, Modernista
Obras destacadas O Beijo (Gustav Klimt), Retrato de Adele Bloch-Bauer I

Gustav Klimt (14 de julho, 1862 – 6 de fevereiro, 1918) foi um pintor simbolista austríaco, e um dos mais conspicuos representantes do movimento modernista da secessão vienesa. Klimt pintou telas e murales com um estilo pessoal muito ornamentado, que também manifestou através de objectos de artesanato, como os que se encontram reunidos na Galería da Secessão vienesa. Intelectualmente afín a verdadeiro ideário romântico, Klimt encontrou no nu feminino uma de seus mais recorrentes fontes de inspiração.[1] Suas obras estão dotadas de uma intensa energia sensual, refletida com especial clareza em seus numerosos apontes e layouts a lápis,[2] em verdadeiro modo herdeiros da tradição de desenhos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt converteu-se em uma personagem muito notável na alta sociedade vienesa, e esteve relacionado de um modo ou outro com os mais notáveis círculos intelectuais do momento, em uma época na que Viena estava a deixar de ser a capital mundial da arte.

Conteúdo

Sua vida e obra

Juventude e formação

Klimt nasceu em Baumgarten , cerca de Viena , o segundo de sete filhos (três garotos e quatro garotas).[3] Já desde a infância, os três filhos varões mostraram inclinações artísticas, que podiam ter herdado tanto de seu pai,[4] Ernst Klimt (1832-1892) que era grabador de ouro como de sua mãe, Anna Klimt (Finster, de soltera), cuja ambição frustrada era dedicar ao canto. Klimt viveu em uma relativa pobreza a maior parte de sua infância, enquanto como família de imigrantes, o trabalho escaseaba tanto como as oportunidades de promoção social. Foi por tanto só graças a seu talento que em 1876, com catorze anos, recebeu uma bolsa para estudar na Kunstgewerbeschule, a Escola de Artes e Oficios de Viena, onde formar-se-ia até 1883 como pintor e decorador de interiores.[4] Seus maestros foram Michael Rieser, Ludwing Minnigerode e Karl Hrachowina. Klimt admirava e reverenciava ao então pintor de moda, Hans Makart, e submeteu-se gustoso aos ditados de uma educação artística clasicista. É por isso que sua obra temporã pode se considerar académica.[4] Em 1877 seu irmão Ernst -que com o tempo converter-se-ia em grabador, como seu pai- também foi admitido na escola. Os dois irmãos, com a companhia de seu amigo comum Franz Matsch, começaram a trabalhar juntos: Para 1880 já geriam modestos encargos como um colectivo que se fazia chamar a "Companhia de artistas", colaborando como assistentes de seu professor na decoración do Kunsthistorisches Museum de Viena.[4] Klimt começou sua carreira individual como pintor de interiores em grandes edifícios públicos da Ringstraße, desenvolvendo já alguns temas alegóricos que posteriormente converter-se-iam em um rasgo distintivo de sua obra.

Em 1888, Klimt recebeu a Ordem de Ouro ao Mérito de mãos do Imperador Francisco José I da Áustria por seu trabalho nos murales do Burgtheater de Viena.[4] Foi nomeado membro honorario das universidades de Munique e Viena, e para quando em 1892 seu pai e seu irmão Ernst morreram, Klimt estava em condições de suportar o ónus económico de seus parentes. A tragédia familiar pesou também em sua expressão artística, e marcou o início da definição de seu estilo pessoal. A princípios da década de 1890, Klimt conheceu também a Emilie Flöge, quem aparentemente suportou as constantes aventuras amorosas do artista e converter-se-ia em sua colega até o final de sua vida. O componente sexual desta relação tem sido objecto de certa discussão, ainda que está documentado que Klimt teve ao menos catorze meninos durante esta relação.[5]

A Secessão vienesa

Artigo principal: Secessão de Viena
Fragmento do Friso de Beethoven.

Klimt converteu-se em um dos membros fundadores -e presidente- da Wiener Sezession, um grupo de artistas fundado em 1897, e do colectivo temporário "Ver Sacrum" (a "Sagrada Primavera"). A Sezession tinha surgido como uma alternativa independente aos artistas promocionados pela Academia vienesa -da que o mesmo Klimt tinha fazer# parte em sua juventude-. Entre seus objectivos contavam-se a promoção de artistas jovens, a exhibición de obras produzidas no estrangeiro e a publicação de uma revista sobre as principais obras realizadas pelos membros.[6] A diferença da maioria dos grupos de vanguardia, o grupo nunca redigiu um manifesto, e também não se definiu por uma determinada direcção estilística: entre seus membros contavam-se naturalistas, realistas e simbolistas. O grupo encontrou verdadeiro apoio governamental -ainda que suas obras eram geralmente detestadas- e pôde construir uma sala de exposições permanente sobre um solar cedido pelas autoridades. Os artistas da Sezession tomaram a Pás Atenea, a deusa grega da sabedoria e a justiça como seu símbolo. Klimt, que realizou uma aproximação bastante radical à imagem da deusa em 1898, esteve adscrito a este colectivo até 1908.

Em 1894, Klimt tinha recebido o encarrego de criar três pinturas para decorar o teto do Aula Magna da Universidade de Viena. Inacabadas até o fim de século, estas três fazes Filosofia, Medicina e Jurisprudencia- foram muito criticadas pelo radical de seu enfoque e sua própria representação, que alguns consideraram "pornográfica".[7] Klimt adaptava a forma clássica da alegoria e seu simbolismo convencional, dando-lhe forma com sua própria linguagem plástica, abertamente sexual e de matizes provocativos.[7] O clamor foi geral: protestaram políticos, mas também personalidades relacionadas com o mundo da arte e a moral pública. A universidade decidiu finalmente não colocar as obras de Klimt,[8] e este não voltaria a admitir encargos a partir de então. Em 1899, Klimt confirmou-se em seu estilo: Provocadora e cheia de turbadora energia, sua Nuda Veritas -a "Verdade nua"- supunha um passo adiante em sua estética pessoal, mas também constituía uma declaração de princípios, quase um desafio, dirigido principalmente aos críticos de sua obra mais conservadores: O cru nu frontal de uma mulher, sustentando um alegórico "espelho da verdade", ia coroado com uma conhecida sentença de Schiller :

Se não podes agradar a todos com teus méritos e tua arte, agrada a poucos. Agradar a muitos é mau.[9]
Schiller

Em 1902, Klimt concluiu seu trabalho no Friso de Beethoven a tempo para a XIV exposição dos secessionistas vieneses, que se tinha organizado a modo de homenagem ao compositor, e na que se apresentava uma monumental escultura policromada de Max Klinger. Destinado a ser exposto temporariamente, o friso foi pintado directamente sobre a parede com uma técnica ligeira. Depois da exposição, no entanto, o friso foi conservado, conquanto não voltou a ser exposto em público até 1986. Ao ano seguinte Klimt viajou por Itália, visitando Florencia, Veneza e Rávena, e descobrindo os mosaicos bizantinos das igrejas de San Vital e San Apolinar. Começava então o que alguns críticos têm interpretado como a etapa de maturidade artística do pintor: libertado de encargos públicos, Klimt tinha começado em 1890 a viajar com a família Flöge ao lago Attersee, onde realizou numerosas paisagens. Estas obras converteram-se em uma excepção no corpus de Klimt, dedicado desde sempre à figura com enérgica devoción:

"Não existe nenhum autorretrato meu. Não me interessa minha própria personalidade como objecto de um quadro, senão mais bem me interessam outras pessoas, em especial mulheres, outras aparências…estou convencido de que como pessoa não sou especialmente interessante".
Gustav Klimt

Klimt foi um pintor enérgico e arrebatado,[10] e seus próprios parentes comentavam surpreendidos sobre sua dedicação:

“A cada noite vinha a casa, tomava o jantar em silêncio e ia-se à cama… Quando tinha descansado, retomava com tal impulso o trabalho que com frequência pensávamos que os lumes de seu genialidad consumi-lo-iam vivo…”

Estilísticamente, as paisagens realizadas naquela temporada caracterizavam-se pelo mesmo refinado desenho ornamental e por um enfático uso de motivos compositivos. O espaço pictórico aparece aplainado" de um modo tão rotundo que alguns críticos têm assinalado a possibilidade de que Klimt os pintasse servindo de algum tipo de catalejo.[11]

A "etapa dourada" e o sucesso de crítica

O beijo, detalhe, 1907–1908. Quadro mais conhecido do pintor. Óleo/tela. Österreichische Galerie Belvedere.

A "etapa dourada" de Klimt veio determinada por uma progressiva aproximação da crítica e um grande sucesso comercial. Muitas de suas pinturas deste período incorporam pan de ouro à pintura, ainda que este era um médio que Klimt já tinha utilizado esporadicamente desde 1898 (Pallas Athene) e sua primeira versão de Judith , de 1901. Depois de regressar de sua viagem italiana, Klimt participou na decoración do suntuoso palácio Stoclet, lar de um opulento magnata belga. Este edifício converter-se-ia na síntese do Art Nouveau centroeuropeo. A contribuição de Klimt -representada pelo Cumprimento e A Expectación- significaram o clímax de sua energia criativa, e tal como ele mesmo afirmou, "possivelmente o último passo de meu desenvolvimento da ornamentación".[12] As obras mais notáveis realizadas nesta etapa foram no entanto o Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) e O beijo (1907-1908). Paralelamente, Klimt realizou retratos de diversas damas da alta sociedade vienesa, normalmente envolvidas em peles. É possível que muitos dos modelos que Flöge luze em algumas fotografias tomadas pelo autor fossem desenhados pelo mesmo artista. Tal como se aprecia em muitas fotografias, Klimt costumava vestir túnica e sandalias quando estava em sua casa. Levava uma vida bastante singela, completamente absorvido por seu trabalho e sua família, e excetuando alguns encontros com outros artistas da Sezession, Klimt costumava evitar os encontros de sociedade e os círculos intelectuais "de café". Pese a sua imagem de libertino, Klimt também levava sua activa vida sexual discretamente, e ainda que se rodeava de modelos femininas de muito diversa categoria social, nunca se viu pessoalmente envolvido em nenhum escândalo público. Atraídos por sua grande fama, alguns clientes que iam a sua casa costumavam descobrir que Klimt podia se permitir ser muito selectivo dantes de aceitar um encarrego.

Uma vez admitido um encarrego, o artista iniciava seu particular método de trabalho, depois de longas meditaciones e ainda mais prolongadas sessões de posado de modelos. A natureza abertamente erótica de suas obras costumava ver-se "suavizada" por um enfoque alegórico, ou simbólico, que a fazia de algum modo mais admissível para a pacata opinião pública da burguesía vienesa. Klimt nunca destacou por seu carácter teórico. Não escreveu mal nada sobre sua visão artística ou seus métodos.[13] Do mesmo modo, nunca levou um diário, e sua correspondência se limita a algumas postales enviadas a Flöge.

Velhice e fama póstuma

Em 1911, graças à vida e a morte, Klimt é galardoado com o primeiro prêmio da Exposição Universal de Roma . Em 1915, morreu sua mãe, Anna. Três anos mais tarde, depois de ter passado um infarto, pneumonia e a chamada gripe espanhola, Klimt faleceu.[14] , [15] O artista, em seu leito de morte, perguntou por Emilie Flöge, vinte anos menor que ele e com a que nunca quis contrair casal. Em sua oficina deixou inacabadas grande quantidade de obras.

Retrato de Adele Bloch-Bauer I, vendido em 2006 por um preço recorde de 135 milhões de dólares. Neue Galerie, Nova York.

As obras de Klimt têm batido alguns recordes nos leilões de arte. Em novembro de 2003, uma paisagem de Attersee foi vendido por 29 milhões de dólares,[16] uma cifra que cedo ficou eclipsada pelos preços finais de outras de suas obras.[17] [18] Em 2006, o primeiro retrato de Adele Bloch-Bauer foi vendido na Neue Galerie de Nova York por 135 milhões de dólares, superando assim o recorde estabelecido pelo Chico com pipa (1905) de Picasso (vendido o 5 de maio de 2004 por 104 milhões de dólares). O 7 de agosto de 2006, a casa de pujas Christie's anunciou o leilão de um novo lote de obras de Klimt, obras que tinham sido recuperadas por Maria Altman e seus herdeiros depois de um longo pleito que lhes enfrentou ao governo austríaco. Finalmente, o segundo retrato de Adele Bloch-Bauer foi subastado em novembro de 2006 -convertendo-se na terceira obra de arte mais cara da história-,[19] o Manzano, I (aprox. 1912) foi vendido por 33 milhões, o Bosque de abedules (1903) por mais de 40 milhões de dólares,[20] e as Casas em Unterach, no lago Atter (1916) por outros 31 milhões. Ao todo, as cinco peças representam um valor total de 327 milhões de dólares.[21]

Estilo e temas recorrentes

A obra de Klimt identificou-se com a suntuosa decoración baseada em dourados e elementos ornamentales de vivas cores, ainda que também com formas fálicas encobertas que indicam o carácter dos desenhos em que se inspiravam. Na primeira versão de Judith , por exemplo, ainda que também no beijo e, sobretudo, na Dánae de 1907 aparecem elementos abstratos de um carácter sexual inconfundível. Sendo a mulher um dos temas mais recorrentes de Klimt, resulta lógico que o artista representasse muitas das facetas do carácter feminino, ainda que sentia especial predilección por um tipo de mulher agressiva e dominante que poderia identificar com o modelo icónico da femme fatale. Os historiadores da arte coincidem em assinalar o carácter ecléctico de seu estilo pictórico; e apontaram-se, entre outras, referências à arte do antigo Egipto, à cultura Micénica, à Grécia clássica e à arte bizantino. Homem de formação clássica, Klimt não sentia no entanto conserto em manifestar seu entusiasmo pela arte de artistas medievales -como Durero- ou exóticos -como os artistas da escola Rinpa japonesa. Suas obras de maturidade caracterizam-se por uma rejeição de seus inícios naturalistas, sendo de modo que assinalou-se o progressivo desenvolvimento de motivos simbólicos ou abstratos que enfatizavam a liberdade de espírito que impregnou todas as vanguardias artísticas de princípios do século XX. Do mesmo modo, resulta significativo o valor da linha em sua obra. Suas dramáticas composições -utilizando às vezes estranhos pontos de vista, planos verticais e cortes atípicos- sublinham o carácter inovador de sua plástica, e antecipam o valor expresivo da linha que caracterizará o expresionismo posterior.

Legado

Retrato de Margaret Stonborough-Wittgenstein, 1905 (Neue Pinakotek).

A obra de Klimt teve uma enorme influência sobretudo o grupo da Secessão Vienesa. Em seu papel de líder do grupo, Klimt não só foi uma poderosa influência para artistas como Egon Schiele, senão que tratou de apoiar a obra destes jovens talentos com a instituição do Küntshalle, em 1917, com o que pretendia evitar o éxodo de artistas ao estrangeiro. Sua relação com a aristocracia e a intelectualidad vienesas permitiu-lhe um contacto estreito com as personalidades mais importantes do continente, como Oskar Kokoschka e Alma Mahler, entre outros. Sua estética inconfundível, e verdadeiro aroma decadentista com que se costuma identificar sua obra, o converteram em um referente inevitável da moda e a estética contemporâneas. As astronómicas cifras atingidas em leilões de suas obras provam, em verdadeiro modo, que o sucesso comercial de Klimt não tem decaído, em um século após sua morte.[22] Também se realizaram filmes sobre sua vida -a mais conhecida delas, protagonizada por John Malkovich, foi estreada o 28 de janeiro de 2006 durante o Festival Internacional de Cinema de Rotterdam (Holanda).

Obras seleccionadas

Judith com a cabeça de Holofernes, 1901. Belvedere, Viena.
Avenida em Schloss Kammer Park, 1912. Belvedere, Viena.
Dánae, por Gustav Klimt, de 1907. Colecção privada, Viena.
As amigas, 1916-17.
Mäda Primavesi. 1912. Óleo s/tela. 150 × 110 cm. Metropolitan Museum of Art, Nova York.
Mulher jogada, (1916).

A "Moeda de Ouro" de pintura

Por seu imponente legado artístico e sua relação familiar com o gravado em ouro, Gustav Klimt tem sido tema frequente dos artistas de medalhas e moedas de colecção. A mais recente é uma moeda de ouro timbrada em 100 €, acuñada o 5 de novembro de 2003. No envés, a moeda mostra a Klimt em seu estudo, com duas obras inacabadas sobre sendos caballetes.

Veja-se também

Referências

  1. "O elemento mais importante para entender sua fama é seu reconhecimento como um maestro do erotismo", vid. GOTTFRIED, Fleidel, "Gustav Klimt 1862-1918. O mundo em forma de mulher", Benedikt Taschen, 1994, p. 14.
  2. Sabarsky, Serge, et a o., Gustav Klimt: Drawings, p. 18. Moyer Bell Limited, 1983. ISBN 0-918825-19-9
  3. GOTTFRIED, Fliedl; op. cit. pág. 230.
  4. a b c d e Sabarsky, p. 7.
  5. John Collins, Klimt: Modernism In The Making, Harry N. Abrams, 2001, p.99, ISBN 0-8884-718-1
  6. Frank Whitford, Klimt, Thames and Hudson, 1990. p.69.
  7. a b Sabarsky, p. 9.
  8. As três obras foram destruídas pelas SS durante sua retirada, em maio de 1945.
  9. Frank Whitford Klimt, Thames and Hudson, 1990, p.52.
  10. Referindo à energia do pintor, os ribereños do Attersee chamavam a Klimt "Waldschrat", ou o demónio do bosque. Koja, Stephan, et a o.: Gustav Klimt Landscapes, pág. 27. Prestel, 2002.
  11. Anselm Wagner: "Klimt's Landscapes and the Telescope", Gustav Klimt Landscapes, págs. 161-171. Prestel, 2002.
  12. Frank Whitford Klimt, Thames and Hudson, 1990, p.103
  13. Em um raro escrito, titulado Comentário sobre um autorretrato inexistente", Klimt afirmava que "não existe nenhum autorretrato meu. Não me interessa minha própria personalidade como objecto de um quadro, senão mais bem me interessam outras pessoas, em especial mulheres, outras aparências…estou convencido de que como pessoa não sou especialmente interessante. Sou um pintor que pinta dia depois de dia da manhã à noite...Quem queira saber algo de mim,(...) deveria olhar cuidadosamente meus quadros", em WHITFORD, Frank; Klimt, Thames & Hudson, 1990, p.18. Esta afirmação poderia explicar em parte o aparente desinterés do autor por estabelecer um enfoque programático da criação artística.
  14. Gilles Neret, Gustav Klimt: 1862-1918, Taschen, 1999, p.84. ISBN 3-8228-5980-X
  15. Alessandra Comini, Gustav Klimt, George Braziller, 2001, p.5. ISBN 0-8076-0806-8
  16. Nina Siegal, [1], Bloomberg, November 6, 2003. Revisado o 4 de fevereiro de 2007.
  17. Klimt encabeça recordes de leilão, no Universal, 20 de junho de 2006, Leilões, ao vermelho vivo refere um preço final de quase 88 milhões de dólares para o retraro de Adele Bloch-Bauer II.
  18. «'Record price' for Klimt portrait]», BBC News, 19 de junho de 2006.
  19. Christopher Michaud, Christie's stages record art sai, Reuter's, November 9, 2006. Accessed November 9, 2006.
  20. Kinsella, Eileen: "Gold Rush", Artnews, pág. 111. janeiro de 2007.
  21. Kinsella, Eileen, pág. 112, janeiro de 2007.
  22. A NBC anunciou o 17 de fevereiro de 2006 que "a Galería Nacional Austríaca será requerida por um comité nacional a devolver cinco quadros de Gustav Klimt a uma mulher residente em Los Angeles, herdeira de uma rica família judia que foi expoliada pelos nazistas. O valor estimado das pinturas é de 150 milhões de dólares". Veja-se o artigo de BURBANK, Luke; Áustria to return paintings to Jewish heir, National Public Rádio, 17 de janeiro de 2006.
  23. http://www.lamp.ac.uk/philosophy/phil.jpg
  24. http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/klimt/klimt.beethoven-frieze1.jpg
  25. http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/klimt/klimt.beethoven-frieze2.jpg
  26. http://www.ecfs.org/Projects/Fieldston65/bome/cities/vienna/eband/Sochynsky/Pictures/Jurisprudence.jpg

Bibliografía

Enlaces externos



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