música do romantismo - Wikilingue - Encydia
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Música na Prehistoria |
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| Música do Romantismo | |
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| Origens musicais: | Música clasicista tardia (1790–1825) |
| Origens culturais: | Sturm und Drang e clasicismo europeu |
| Instrumentos comuns: | Piano, violín, clarinete, orquestra sinfónica, etc. |
| Popularidade: | muita no século XIX e primeira metade do XX |
O romantismo foi um período que decorreu, aproximadamente, entre princípios dos anos 1820 e a primeira década do século XX, e costuma englobar toda a música escrita de acordo às normas e formas de dito período. O romantismo musical é um período da música académica que foi precedido pelo clasicismo e continuado pelo modernismo.
O romantismo musical está relacionado com o romantismo, a corrente de mudanças em literatura, belas artes e filosofia, ainda que costuma ter ligeiras diferenças temporárias, dado que o romantismo naquelas artes e na filosofia costuma-se reconhecer entre os anos 1780 e 1840. O romantismo como movimento global nas artes e a filosofia, tem como preceito que a verdade não podia ser deduzida a partir de axiomas, no mundo tinha realidades inevitáveis que só se podia captar mediante a emoção, o sentimento e a intuición. A Música do Romantismo tentava expressar estas emoções
O termo música romântica, que poderia confundir com a Música do Romantismo, se entende como toda música suave ou com uma atmosfera ensoñadora (não sempre tem de ser assim). Esse termo poderia relacionar com a palavra romântico que se estabeleceu durante o romantismo, mas não toda a Música do Romantismo cumpre com estas características. Do mesmo modo, não toda a música romântica se pode relacionar com o período romântico.
Conteúdo |
História do romantismo
Influências extramusicales
A controvérsia iniciou-se nos anos 1830 quando Hector Berlioz compôs seu Sinfonía fantástica, que se apresentou acompanhada de extenso texto que descrevia o programa da sinfonía, o que causou que muitos críticos e académicos opinassem sobre a questão. Entre os primeiros detractores encontrava-se François-Joseph Fétis, director do recém criado Conservatorio de Bruxelas, que declarou que a obra "não era música".
Robert Schumann defendeu a obra, mas não o programa, argumentando que a boa música não podia se ver afectada por maus títulos, mas que os bons títulos não serviam para salvar uma má obra. Franz Liszt foi um dos defensores da inspiração extra-musical.
À medida que passou o tempo as diferenças aumentaram, com polémicas azuzadas por ambos bandos. Para aqueles que criam na música "absoluta", a perfección formal descansava na expressão musical que respeitava os esquemas traçados em obras prévias, sobretudo na forma sonata que já tinha sido codificada. Para os impulsores da música de programa, a expressão rapsódica da poesia ou qualquer outro texto externo, era, em si mesmo, uma forma. Argumentavam que ao envolver a vida do artista na obra seria necessário seguir o curso da narração. Tanto uns como outros citavam a Beethoven como fonte de inspiração e justificativa. Esta disputa resumiu-se como o conflito entre os seguidores de Johannes Brahms e Richard Wagner: Brahms era considerado o pináculo da música absoluta, sem textos ou referências externas, e Wagner, o predicador da poesia como provedora de forma harmônica e melódica para a música.
As causas que provocaram esta controvérsia são complexas. Uma destas causas foi, indubitavelmente, a importância crescente da poesia romântica, bem como um interesse crescente por canções que pudessem ser interpretadas em concertos ou em casa. Também se mencionou a natureza mesma dos concertos, que passaram de ser apresentações de uma ampla variedade de obras, a ser bem mais especializados, o qual aumentou a demanda de obras instrumentales com maior expresividad e especificidad.
Alguns exemplos notáveis de inspiração extra-musical encontramo-los na sinfonía Faust, sinfonía Dante, e vários poemas sinfónicos de Liszt; a sinfonía Manfredo de Tchaikovski ; a primeira sinfonía de Gustav Mahler; e o Carnaval dos animais de Camille Saint-Saëns. Por outro lado, compositores como Schubert utilizaram melodias de canções em obras mais extensas, e outros, como Liszt, transcribieron arias de ópera ou canções em obras puramente orquestales.
Ópera romântica (1800–1924)
Na ópera tendeu-se a relaxar, romper ou misturar entre si, as formas estabelecidas no barroco ou o clasicismo. Este processo atingiu seu clímax com as óperas de Wagner, nas quais as arias, coros, recitativos e peças de conjunto, são difíceis de distinguir. Pelo contrário, procura-se um contínuo fluir da música.
Também ocorreram outras mudanças. Os castrati desapareceram e por tanto os tenores adquiriram papéis mais heroicos, e os coros tornaram-se mais importantes. No final do período romântico, o verismo se popularizó na Itália, retratando na ópera cenas realistas, mais que históricas ou mitológicas. Na França a tendência também se acolheu, e ficaram exemplos populares como Carmen de Bizet .
Muitos compositores do romantismo, a partir da segunda metade do século XIX, escreveram música nacionalista, que tinha alguma conexão particular com seu país. Isto se manifestou de várias maneiras. Os temas das óperas de Mikhail Glinka, por exemplo, são especificamente russos, enquanto Bedrich Smetana e Antonín Dvorák utilizaram ritmos e temas de dança-las e canções populares checas. No final do século XIX, Jean Sibelius escreveu Kullervo, música baseada na épica finlandesa (a Kalevala) e sua peça Finlândia converteu-se em um símbolo do nacionalismo finés.
Instrumentação e escala
Como em outros períodos, a instrumentação seguiu melhorando durante o período romântico. Compositores como Hector Berlioz orquestraram suas obras de uma forma nunca dantes escutada, lhe dando uma nova prominencia aos instrumentos de vento. O tamanho da orquestra regular aumentou, e incluíram-se instrumentos tais como o piccolo e corno inglês, que dantes se utilizavam muito ocasionalmente. Mahler escreveu sua oitava sinfonía, conhecida como a Sinfonía dos milhares, pela massa orquestal e coral que se requer para a interpretar.
Além de precisar uma orquestra maior, as obras do romantismo tornáronse mais longas. Uma sinfonía típica de Haydn ou Mozart pode durar aproximadamente vinte ou vinte e cinco minutos. Já a terceira sinfonía de Beethoven, que se costuma considerar como do romantismo inicial, dura ao redor de quarenta e cinco minutos. E esta tendência cresceu notavelmente nas sinfonías de Anton Bruckner e atingiu suas cotas máximas no caso de Mahler, com sinfonías que têm uma hora de duração (como é o caso da primeira e a quarta) até sinfonías que duram mais de uma hora e meia (como a segunda, terceira ou nona).
Por outro lado, no romantismo cresceu a importância do instrumentista virtuoso. O violinista Niccolò Paganini foi uma das estrelas musicais de princípios de século. Liszt, além de ser um notável compositor, foi também um virtuoso do piano, muito popular. Durante as interpretações dos virtuosos, costumavam destacar mais eles que a música que estavam a interpretar.
Breve cronología
As raízes clássicas do romantismo (1780–1815)
Em literatura, costuma-se dizer que o romantismo se iniciou nos anos 1770 ou 1780, com o movimento alemão chamado Sturm und Drang. Foi principalmente influenciado por Shakespeare, as sagas folkclóricas, reais ou ficticias, e pela poesia de Homero. Escritores como Goethe ou Schiller, mudaram radicalmente suas práticas, enquanto na Escócia Robert Burns transcribía a poesia das canções populares. Este movimento literário refletiu-se de várias maneiras na música do período clássico, incluindo a obra de Mozart na ópera alemã, a eleição das canções e melodias que utilizar-se-iam em trabalhos comerciais, e no incremento gradual da violência na expressão artística. No entanto, a habilidade ou interesse da maioria dos compositores para aderir ao romantismo e a revolução" estava limitada por sua dependência aos cortes reais. Exemplo disso é a história da estréia de Lhe nozze dei Figaro de Mozart, que foi censurada por ser revolucionária.
Inclusive em termos puramente musicais, o romantismo tomou sua substância fundamental da estrutura da prática clássica. Neste período incrementaram-se os estándares de composição e interpretação, e criaram-se formas e conjuntos regulares de músicos. Sem faltar à razão, E.T.A. Hoffmann chamou "três compositores românticos" a Haydn, Mozart e Beethoven. Uma das correntes internas mais importantes do clasicismo é o papel do cromatismo e a ambigüedad harmônica. Todos os compositores clássicos mais importantes utilizaram a ambigüedad harmônica e a técnica de se mover rapidamente entre diferentes tonalidades sem estabelecer uma verdadeira tonalidad. Um dos exemplos mais conhecidos desse caos harmônico se encontra ao princípio da Criação de Haydn. No entanto, em todas estas excursiones a tensão se baseava em secções articuladas, um movimento para a dominante ou a relativa maior, e uma transparência da textura.
Para os anos 1810 tinham-se combinado a utilização do cromatismo e a tonalidad menor, o desejo de mover-se a mais tonalidades para conseguir uma faixa mais ampla de música, e a necessidade de um maior alcance operístico. Enquanto Beethoven foi tido depois como a figura central de movimento, compositores como Muzio Clementi ou Louis Spohr representavam melhor o gosto da época de incorporar mais notas cromáticas em seu material temático. A tensão entre o desejo a mais cor e o desejo clássico de manter a estrutura, implicou a uma crise musical. Uma resposta foi mover para a ópera, onde o texto podia outorgar uma estrutura inclusive quando não tivesse modelos formais. ETA Hoffman, conhecido actualmente mais por suas críticas musicais, apresentou com sua ópera Undine (1814) uma inovação musical radical. Outra resposta a esta crise obteve-se mediante a utilização de formas mais curtas, incluindo algumas inovadoras como o nocturno, onde a intensidade harmônica em si mesma era suficiente para mover a música adiante.
Romantismo temporão (1815–1850)
Na segunda década do século XIX, o altero para novas fontes para a música, junto a um uso mais acentuado do cromatismo nas melodias e a necessidade a mais expresividad harmônica, produziram uma mudança estilístico palpable. As razões que motivaram esta mudança não foram meramente musicais, senão também económicas, políticas e sociais. O palco estava preparado para uma nova geração de compositores que podia lhe falar ao novo ambiente europeu pós-napoleónico.
No primeiro grupo de compositores costuma-se agrupar a Beethoven , Louis Spohr, E. T. A. Hoffmann, Carl Maria von Weber e Franz Schubert. Estes compositores cresceram no meio da dramática expansão da vida concertística de finais do século XVIII e princípios do XIX, e isto lhe deu forma a seus estilos e expectativas. Muitos saudaram a Beethoven como o modelo a seguir, ou ao menos a aspirar. As melodias cromáticas de Muzio Clementi e as óperas de Rossini , Cherubini e Mehul, também exerceram certa influência. Ao mesmo tempo, a composição de canções para voz e piano sobre poemas populares, para satisfazer a demanda de um crescente mercado de lares de classe média, foi uma nova e importante fonte de entradas económicas para os compositores.
Os trabalhos mais importantes desta onda de compositores românticos foram quiçá os ciclos de canções e as sinfonías de Schubert, as óperas de Weber, especialmente Oberon, Der Freischütz e Euryanthe. Para a época, as obras de Schubert só se interpretaram ante audiências limitadas e só puderam exercer um impacto notável gradualmente. Pelo contrário, as obras de John Field conheceram-se rapidamente, em parte como era capaz de compor pequenas e "características" fazes para piano e danças.
A seguinte cohorte de compositores românticos inclui a Franz Liszt, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin e Hector Berlioz. Eles nasceram no século XIX e iniciaram cedo a produção de composições de grande valor. Mendelssohn foi particularmente precoz, escrevendo seus primeiros cuartetos, um octeto para sensatas e música orquestal dantes de cumprir os vinte anos. Chopin se abocó à música para piano, incluindo etudes (estudos) e dois concertos para piano. Berlioz comporia a primeira sinfonía notável depois da morte de Beethoven, a mencionada Sinfonía fantástica.
Ao mesmo tempo estabeleceu-se o que agora se conhece como "ópera romântica", com uma forte conexão entre Paris e o norte da Itália. A combinação do virtuosismo orquestal francês, as linhas vocais e poder dramático italianos, junto a libretos que se baseavam na literatura popular, estabeleceram as normas que continuam dominando a cena operística. As obras de Vincenzo Bellini e Gaetano Donizetti foram imensamente populares nesta época.
Um aspecto importante desta parte do romantismo foi a ampla popularidade atingida pelos concertos para piano (ou "recitais", como os chamava Franz Liszt), que incluíam improvisaciones de temas populares, peças curtas e outras mais longas, tais como as sonatas de Beethoven ou Mozart. Uma dos expoentes mais notáveis das obras de Beethoven foi Clara Wieck, que depois casar-se-ia com Robert Schumann. As novas facilidades para viajar que se ofereciam na época, graças ao comboio e depois ao vapor, permitiram que surgissem grupos internacionais de fanáticos de pianistas virtuosos, como Liszt, Chopin e Thalberg. Estes concertos transformaram-se em eventos por si mesmos. Niccolò Paganini, famoso virtuoso do violín, foi pioneiro deste fenómeno.
Entre finais dos anos 1830 e nos anos 1840, os frutos desta geração foram apresentados ao público, como por exemplo as obras de Robert Schumann, Giacomo Meyerbeer e o jovem Giuseppe Verdi. É importante notar que o romantismo não era o único, e nem sequer o mais importante, género musical da época, já que os programas dos concertos estavam em grande parte dominados por um género pós-clássico, ejemplificado pelo Conservatorio de Paris, bem como a música cortesana. Isto começou a mudar com o auge de certas instituições, tais como as orquestras sinfónicas com temporadas regulares, uma moda que promoveu o mesmo Felix Mendelssohn.
Foi neste momento quando Richard Wagner produziu sua primeira ópera exitosa, e iniciou sua busca de novas formas para expandir o conceito dos "dramas musicais". Wagner gostava chamar-se a si mesmo revolucionário, e tinha constantes problemas com seus prestamistas e com as autoridades; ao mesmo tempo rodeou-se de um círculo de músicos com ideias parecidas, como Franz Liszt, com quem se dedicou a criar a "música do futuro".
Costuma indicar-se que o romantismo literário terminou em 1848 , com as revoluções que ocorreram nesse ano e que marcaram uma meta na história da Europa, ou ao menos na percepción das fronteiras da arte e a música. Com a chegada da ideologia "realista", e a morte de figuras como Paganini, Mendelssohn e Schumann, e o retiro de Liszt dos palcos, apareceu uma nova geração de músicos. Alguns argumentam que esta geração deveria se chamar victorianos mais que românticos. De facto, nos anos finais do século XIX costumam descrever-se como romantismo tardio.
Romantismo tardio (1850–1910)
Ao chegar à segunda metade do século XIX, muitos das mudanças sociais, políticos e económicos que se iniciaram na era pós-napoleónica, se afirmaram. O telégrafo e as vias ferroviárias uniram a Europa bem mais. O nacionalismo, que foi uma das fontes mais importantes do princípio de século, se formalizou em elementos políticos e linguísticos. A literatura que tinha como audiência a classe média, se converteu no objectivo principal da publicação de livros, incluindo a ascensão da novela como a principal forma literária.
Muitas das figuras da primeira metade do século XIX tinham-se retirado ou tinham morrido. Muitos outros seguiram outros caminhos, aproveitando uma maior regularidade na vida concertística, e recursos financeiros e técnicos disponíveis. Nos anteriores cinquenta anos, muitas inovações na instrumentação, incluindo o piano de acção de duplo escape ("double escarpment"), os instrumentos de vento com válvulas, e a barbada ("rest chin") dos violines e violas, passaram de ser algo inovador a regular. O incremento da educação musical serviu para criar um público mais amplo para a música para piano e os concertos de música mais sofisticados. Com a fundação de conservatorios e universidades abriu-se a possibilidade aos músicos de fazer carreiras estáveis como professores, em vez de ser empresários que dependiam de seus próprios recursos. A soma destas mudanças pode ver-se na titánica onda de sinfonías, concertos, e poemas sinfónicos que foram criados, e a expansão das temporadas de óperas de muitas cidades e países, como Paris, Londres ou Itália.
O período romântico tardio também viu o auge dos géneros chamados "nacionalistas" que estavam associados com a música popular (folclórica) e a poesia de determinados países. A noção de música alemã ou italiana, já estava longamente estabelecida na história da música, mas a partir de finais do século XIX se criaram os subgéneros russo (Mijaíl Glinka, Músorgski, Rimski-Kórsakov, Chaikovski e Borodin); checo, finlandês e francês. Muitos compositores foram expressamente nacionalistas em seus objectivos, procurando compor ópera ou música associada com a língua e cultura de suas terras de origem.*
Posromanticismo (1870–1949)
Pode-se considerar um movimento de finais do século XIX e princípios do XX que se diferencia do Romantismo pela exuberancia orquestal e a desmesura nos desenvolvimentos sinfónicos, também se caracteriza por um intenso cromatismo que supera a Richard Wagner e acaba na atonalidad. Nos compositores postrománticos observa-se a melancolia que lhes produz a perda da cultura romântica.
Os compositores mais representativos deste estilo foram Gustav Mahler e Richard Strauss
Romantismo no século XX (1901, em adiante)
Muitos dos compositores que nasceram no século XIX e continuaram compondo já entrado no século XX, utilizaram formas que estavam em clara conexão com a era musical prévia, incluindo a Sergei Rachmaninoff, Giacomo Puccini, Richard Strauss e Kurt Atterberg. Por outro lado, muitos dos compositores que depois foram identificados como modernistas, escreveram em seus inícios fazes com um marcado estilo romântico, como por exemplo Igor Stravinsky (é notável seu ballet O pássaro de fogo), Arnold Schoenberg (Gurrelieder), e Béla Bartók (O castelo de Barbazul). Mas o vocabulario e a estrutura musical de finais do século XIX não ficou ali; Ralph Vaughan Williams, Erich Korngold, Berthold Goldschmidt e Sergéi Prokófiev continuaram este género de composição para além de 1950 .
Ainda que algumas novas tendências como o neoclasicismo ou a música atonal, questionaram a preeminencia do género romântico, o interesse por utilizar um vocabulario cromático centrado na tonalidad, seguiu presente às obras mais importantes. Samuel Barber, Benjamin Britten, Gustav Holst, Dmitri Shostakóvich, Malcolm Arnold e Arnold Bax, ainda que consideravam-se a si mesmos compositores modernos e contemporâneos, mostraram frequentemente tendências românticas em suas obras.
O romantismo atingiu um nadir retórico e artístico ao redor de 1960 : tudo indicava que o futuro estaria formado por géneros de composição avant garde ou com algum tipo de elementos neo-clássicos. Enquanto Hindemith regressava a estilos mais reconocibles em suas raízes românticas, muitos compositores moveram-se em outras direcções. Parecia que só na URSS ou Chinesa, onde tinha uma hierarquia académica conservadora, o romantismo tinha um lugar. No entanto, no final de 1960 iniciou-se um revival da música que tinha uma superfície romântica. Compositores como George Rochberg passaram da música serial a modelos baseados em Gustav Mahler, um projecto no que esteve acompanhado de outros como Nicholas Maw e David Do Tredici. Este movimento costuma-se denominar neorromanticismo, e inclui obras tais como a Primeira sinfonía de John Corigliano.
Outra área onde o género romântico tem sobrevivido, e inclusive tem florescido, é nas bandas sonoras. Muitos dos primeiros emigrantes que escapavam da Alemanha nazista foram compositores judeus que tinham estudado com Mahler ou seus discípulos em Viena. A partitura do filme O que o vento se levou do compositor Max Steiner, é um exemplo do uso dos leitmotivs wagnerianos e a orquestación mahleriana. A música de filme-los de era-a dourada de Hollywood foi composta em grande parte por Korngold e Steiner, bem como Franz Waxman e Alfred Newman. A seguinte geração de compositores para o cinema, composta por Alexander North, John Williams, e Elmer Bernstein baseou-se nesta tradição na composição da música orquestal para cinema mais familiar de finais do século XX.
Veja-se também
- Anexo:Compositores do período romântico
- Guerra dos românticos
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