Neoclasicismo

Neoclasicismo

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O termo Neoclasicismo surgiu no século XVIII para denominar de forma peyorativa ao movimento estético que vinha a refletir nas artes, os princípios intelectuais da Ilustração que desde mediados do século XVIII, se vinha produzindo na filosofia e que consequentemente se tinha transmitido a todos os âmbitos da cultura. No entanto após a queda de Napoleón os artistas não demoraram em mudar suas ideias para o Romantismo e o Neoclasicismo foi deixado.

Conteúdo 1 Origens 2 Arquitectura 3 Escultura 4 Pintura 5 Música 6 Literatura 7 Referências 8 Veja-se também 9 Enlaces externos

Origens

Com o desejo de recuperar as impressões do passado puseram-se em marcha expedições para conhecer as obras antigas em seus lugares de origem. A que em 1749 empreendeu desde França o arquitecto Jacques-Germain Soufflot, deu lugar à publicação em 1754 das Observations sul lhes antiquités da ville d'Herculaneum, uma referência imprescindible para a formação dos artistas neoclásicos franceses. Na Inglaterra a Society of Dilettanti (Sociedade de Amateurs) subvencionou campanhas arqueológicas para conhecer as ruínas gregas e romanas. Destas expedições nasceram livros como as Antigüedades de Herculano (1757-1792) financiada pelo Rei de Nápoles (logo Carlos III de Espanha), que serviram de fonte de inspiração para os artistas desta época.

Também há que valorizar o papel que desempenhou Roma como lugar de cita para viajantes e artistas de toda a Europa e inclusive da América. Na cidade visitavam-se as ruínas, trocavam-se ideias e a cada um ia adquirindo um bagaje cultural que levaria de volta a sua terra de origem. Ali surgiu em 1690 o telefonema Academia da Arcadia ou Arcades de Roma, que com suas numerosas sucursais ou coloniae por toda a Itália e sua aposta pelo equilíbrio dos modelos clássicos e a clareza e a singeleza impulsionou a estética neoclásica.

A villa romana converteu-se em um centro de peregrinaje onde viajantes, críticos, artistas e eruditos iam com a intenção de ilustrar em sua arquitectura clássica. Entre eles estava o prusiano Joachim Winckelmann (1717-1768), um entusiasta admirador da cultura grega e um detractor do rococó francês; sua obra História da Arte na Antigüedad (1764) é uma sistematización dos conhecimentos artísticos desde a antigüedad aos romanos.

...Em Roma também trabalhava Giovanni Battista Piranesi (1720-1778); em seus gravados, como Antichitá romana (1756) ou Os cárceres inventados (1745-1760), e transmite uma visão diferente das ruínas com imagens nas que as proporções desusadas e os contrastes de luzes e sombras procuram impressionar ao espectador.

O trabalho está carregado de simbolismo: a figura no centro representa a verdade rodeada por uma luz brilhante (o símbolo central da iluminação). Dois outras figuras à direita, a razão e a filosofia, estão a rasgar o velo que cobre verdade.

A Ilustração representava o desejo dos filósofos da época de Razão (filosofia) racionalizar todos os aspectos da vida e do saber humanos. Vinho a substituir o papel da religião (como organizadora da existência do homem) por uma ética laica que ordenará desde então as relações humanas e levará a um conceito deísta da verdade.

Arquitectura

A arquitectura pode ser analisada como um ramo das artes social e moral; A Enciclopedia atribuiu-lhe a capacidade de influir no pensamento e nos costumes dos homens. Proliferan assim as construções que podem contribuir a melhorar a vida humana como hospitais, bibliotecas, museus, teatros, parques, etc., pensadas com carácter monumental. Esta nova orientação fez que se recusasse a última arquitectura barroca e se voltassem os olhos para o passado à busca de um modelo arquitectónico de validade universal.

...Nascem movimentos de crítica que propugnan a necessidade da funcionalidade e a exclusão do ornato nos edifícios. Francesco Milizia (1725-1798) em Principi dei Architettura Civile (1781) estendeu desde Itália as concepções rigoristas a toda a Europa. Enquanto, na França, o abate Marc-Antoine Laugier (1713-1769) propugna em suas obras Essai sul l'Architecture (1752) e Observations sul l'Architecture (1765) a necessidade de criar um edifício no qual todas suas partes tivessem uma função essencial e prática e no que as ordens arquitectónicos fossem elementos construtivos e não só decorativos, todo isso para fazer uma arquitectura verdadeira: a construída com lógica.

Todos os arquitectos partem de uns supostos comuns como são a racionalidad nas construções e a volta ao passado. Os modelos dos edifícios da Grécia e Roma e inclusive do Egipto e Ásia Menor convertem-se em referentes que todos empregam ainda que desde pontos de vista diferentes.

Os modelos greco-romanos deram lugar a uma arquitectura monumental que reproduz frequentemente o templo clássico para lhe dar um novo sentido na sociedade civil. O perfil dos Propileos de Atenas serviu-lhe ao alemão Carl Gotthard Langhans para configurar sua Porta de Brandeburgo em Berlim (1789 a 1791),^[1] um tipo muito repetido como atestigua a entrada ao Downing College de Cambridge (1806) obra do inglês William Wilkins ou a posterior Gliptoteca de Munique de Leio von Klenze.^[2]

Também o inglês James Stuart (1713-1788), um arquitecto arqueólogo ao que se chamou o Ateniense, em seu monumento a Lisícrates em Staffordshire , reproduziu o monumento corágico a Lisícrates de Atenas . Os irmãos Adam estenderam por toda a Inglaterra um modelo decorativo para interiores com temas sacados da arqueologia; uma de suas obras mais representativas é Osterley Park, com uma notável estadia etrusca e um clássico hall primeiramente (1775-80).

Itália preferiu recrear seus modelos antigos já bem avançado no século XVIII e nos começos do século XIX. O modelo do Panteón de Agripa em Roma repete-se em um grande número de templos, como o da Grande Mãe de Deu em Turín e San Francisco de Paula em Nápoles , ambos terminados em 1831 , que reproduzem o pórtico octástilo e o volume cilíndrico do Panteón.

Outros arquitectos, os chamados utópicos, revolucionários ou visionarios, propuseram edifícios baseados nas formas geométricas. Não desprezaram a herança do passado clássico e, ainda que respeitaram as normas de simetría e a monumentalidad, seus edifícios são às vezes o resultado da combinação caprichosa das formas geométricas. Étienne-Louis Boullée (1728-1799) e Claude-Nicolas Ledoux (1736-1806) encabeçaram esta postura; entre a grande quantidade de projectos não construídos vale a pena mencionar o Cenotafio para Isaac Newton concebido por Boullée como uma esfera, representação do modelo ideal, levantada sobre uma base circular que tinha de cobijar o sarcófago do cientista. Ledoux tem deixado edifícios construídos, entre eles uma parte da utópica cidade industrial das Salinas de Arc-et-Senans, de planta circular no Franco Condado ou o conjunto da Villette em Paris.

...Entre um e outros grupos aparece uma terceira categoria, a arquitectura pintoresca, a partir da criação de jardins ingleses no século XVIII, ordenados de forma natural longe do geometrismo do jardim francês. Nesta arquitectura valoriza-se a combinação da natureza com o arquitectónico, a inclusão na paisagem natural de edifícios que remedan as construções chinesas, índias ou medievales. Este jogo de formas caprichosas e o aprovechamiento da luz procuram suscitar sensações no espectador. Horace Walpole (1717-1797) construiu em Londres (Inglaterra), Strawberry Hill (1753-1756) uma fantasía gótica da que seu autor disse que lhe tinha inspirado para escrever uma novela gótica, uma expressão do efeito inspirador da arquitectura. Também William Chambers (1723-1796) criou um conjunto pintoresco nos Jardins de Kew (Londres) (1757-1763) com a inclusão de uma pagoda chinesa que refletia seu conhecimento das arquitecturas orientais.

Escultura

Também na escultura neoclásica pesou a lembrança do passado, muito presente se consideramos o grande número de peças que as excavaciones iam sacando à luz, além das colecções que se tinham ido formando ao longo dos séculos.

As esculturas neoclásicas realizavam-se na maioria dos casos em mármol branco, sem policromar, já que assim se pensava que eram as esculturas antigas, predominando nelas a nobre singeleza e a serena beleza que Winckelmann tinha encontrado na estatuaria grega. Neste mesmo sentido tinham ido as teorias de Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781) que em seu livro Laocoonte, ou dos limites da pintura e da poesia (1766) tinha tratado de fixar uma lei estética de carácter universal que pudesse guiar aos artistas; suas concepções sobre a moderación nas expressões e no plasmado dos sentimentos são regras que adoptará o modelo neoclásico.

Assim, os escultores de fins do século XVIII e começos do XIX, criarão obras nas que prevalecerá uma singeleza e uma pureza de linhas que apartá-los-á do gosto curvilíneo do Barroco. Em todos eles o nu tem uma notável presença, como desejo de rodear as obras de uma verdadeira intemporalidad. Os modelos gregos e romanos, os temas tomados da mitología clássica e as alegorias sobre as virtudes cívicas encheram os relevos dos edifícios, os frontones dos pórticos e os monumentos, como arcos de triunfo ou colunas conmemorativas.

O retrato também ocupou um importante lugar na escultura neoclásica; Antonio Canova (1757-1822) representou a Napoleón como Marte (1810, Milão) e a sua irmã Paulina como Vénus Victrix (1807, Roma) tomando assim os modelos dos deuses clássicos. Não obstante outros preferiram um retrato idealizado mas ao tempo realista que captasse o sentimento do retratado, como Jean-Antoine Houdon (1741-1828) com seu Voltaire idoso (Museu do Hermitage) ou o belo busto da Emperatriz Josefina (1806, Castillo de Malmaison) de Joseph Chinard (1756-1813).

Antonio Canova (1757-1822) e Bertel Thorvaldsen (1770-1844) resumem as diferentes tendências da escultura neoclásica. Enquanto Canova chega ao clasicismo desde uma formação barroca e configura um estilo de grande singeleza racional, o dinamarquês Thorvaldsen seguiu mais directamente as teorias de Winckelmann até conseguir um estilo voluntariamente distante e frio que deve muito à estatuaria grega. Seu Jasón ou Marte e o Amor refletem essa fidelidade ao modelo grego.

Pintura

É estética neoclásica. Obras como o Juramento dos Horacios propõem um espaço preciso no que as personagens se situam em um primeiro plano; o predominio do desenho. Jean Auguste Dominique Ingres (1839-1867) ainda que não foi um pintor neoclásico, tem obras -como A Fonte- que representam este movimento artístico.

Os pintores, entre os que destacou Jacques-Louis David, reproduziram os principais factos da revolução e exaltaram os mitos romanos, aos que se identificou com os valores da revolução.

Música

Após a Segunda Guerra Mundial vários compositores (como Ígor Stravinski e Paul Hindemith) realizaram composições onde se notava uma volta aos cánones do clasicismo da escola de Viena (de Haydn e Mozart), ainda que com uma harmonia bem mais disonante e rítmicas irregulares. Esse movimento musical denominou-se "neoclasicismo".

Segundo a musicología actual, o termo "música clássica" refere-se unicamente à música do clasicismo (1750-1827 aprox.), inspirada nos cánones estéticos grecorromanos de equilíbrio na forma e moderación na dinâmica e a harmonia.

Comummente chama-se "música clássica" ao tipo de música que se contrapõe à música popular e à folclórica. Isto pode comprovar nos meios de comunicação, nas revistas de divulgação musical e os folletos que acompanham ao CD de música académica. Para definir esse tipo de música que se relaciona com os estudos em conservatorios e universidades, os musicólogos preferem o termo "música académica" ou "música culta".

Como os antigos gregos e romanos não puderam inventar maneiras de conservar a música (mediante suportes gráficos como partituras ou suportes sonoros como grabadores), o neoclasicismo dos séculos XVIII e XIX como resurgimiento das artes clássicas grecorromanas (arquitectura, escultura, pintura) não atingiu à música. De todos modos os músicos de fins do século XVIII, influenciados sem dúvida pela arte e a ideologia da época, trataram de gerar um estilo de música inspirado nos cánones estéticos grecorromanos:

• notável maestría da forma,
• moderación no uso dos artificios técnicos (no barroco o contrapunto e a harmonia tinham chegado a um ponto que o público considerava extravagante),
• soma reserva na expressão emocional.

A essa música não lha chamou neoclásica (já que em realidade não possuía modelos grecorromanos), senão "clássica".

Literatura

A Ilustração foi um movimento intelectual que provocou que no século XVIII fosse conhecido como no «Século das Luzes». O culto à razão promovido pelos filósofos ilustrados implicou uma rejeição do dogma religioso, que foi considerado origem da intolerância, e uma concepção de Deus que passava de reger o mundo mediante as leis naturais a desaparecer em concepções ateas do universo. Os ilustrados promoveram a investigação da natureza, o desenvolvimento científico-técnico, a educação e a difusão geral de todo o tipo de conhecimentos; foram os tempos de L'Encyclopédie. A arte fez-se assim mais acessível e com menos pretensões, e a literatura se dirigiu a um público mais amplo, se propondo como um instrumento social. O aumento do número de leitores, especialmente entre a burguesía, propõe a figura do escritor como um profissional, e a escritura como sua fonte principal ou secundária de sustento.^[3]

França foi a primeira em reagir contra as formas barrocas, e os três grandes ilustrados, Voltaire, Montesquieu e Rousseau contam-se entre seus principais expoentes. Também destacaram Pierre Bayle, Denis Diderot, George Louis Lecler e Chamblain de Marivaux. Na Inglaterra teve uma grande quantidade de adeptos a novela de aventuras, destacando Daniel Defoe, Jonathan Swift, Samuel Richardson e Henry Fielding, junto aos poetas John Dryden e Alexander Pope.^[4]

Da novela passou ao ensaio como género divulgador de ideias por excelencia. A literatura neoclásica realizou uma crítica dos costumes, incidindo na importância da educação, o papel da mulher e os prazeres da vida.^[5] Destacaram em Espanha o fraile benedictino Benito Jerónimo Feijoo, Gaspar Melchor de Jovellanos e José Cadalso.

Cobrou importância a fábula, relatos ou poesias normalmente ejemplificadas com animais, onde se expõem ensinos morais. A fábula caracterizava-se por ser uma composição de carácter didáctico, pela crítica de vícios e costumes pessoais ou da sociedade, e pela recurrencia à prosopopeya ou personificación. É o subgénero que mais se adaptou às preceptivas neoclásicas: uma composição singela na que a natureza intervém, e que ensina divertindo. Destacaram os fabulistas Félix María de Samaniego e Tomás de Iriarte em Espanha, e o francês Jean da Fontaine.^[6]

Em Espanha, teve uma continuidade barroca na poesia, com autores como Diego de Torres e Villarroel, que considerava a Quevedo seu maestro; Gabriel Álvarez de Toledo e Eugenio Gerardo Lobo. A segunda metade do século XVII mostrava já uma poesia neoclásica, dominada por sua admiração pela ciência e os temas filosóficos, ou centrada em temas anacreónticos e bucólicos, e marcada em ocasiões pelo fabulismo. Destacaram Nicolás Fernández de Moratín, autor de Arte das putas, proibida pela Inquisición, que pôde inspirar os Caprichos de Goya ; Juan Meléndez Valdés e José Cadalso, da escola salmantina; os fabulistas Iriarte e Samaniego em Madri; na escola sevillana destacaram José Marchena, Félix José Reinoso, José María Blanco-White e Alberto Pronta.^[7]

Deu-se também uma forte influência barroca no teatro espanhol, especialmente durante a primeira metade do século XVIII, com autores como Antonio de Zamora ou José de Cañizares. O teatro em Espanha teve mudanças como a proibição oficial de representar autos sacramentales, a reaparición do gosto popular pelo sainete e a transição dos antigos corrales aos teatros, como locais adequados à nova concepção do teatro. No final do primeiro terço de século os dramaturgos espanhóis começam a seguir os modelos franceses, como Boileau e Racine, renovando as estéticas aristotélicas e horacianas. A obra de teatro deve ser verosímil, cumprir com as unidades de acção, de espaço e de tempo, e ter um enfoque didáctico e moral. Destacaram na tragédia Nicolás Fernández de Moratín, José Cadalso, Ignacio López de Ayala e Vicente García da Huerta; no mais popular género do sainete, destacaram Antonio de Zamora, o prolífico Ramón da Cruz e Ignacio González do Castillo. Destacou especialmente a figura de Leandro Fernández de Moratín, criador do que se deu em chamar comédia moratiniana» (A comédia nova ou O café, O sim das meninas), em que ridiculizaba os vícios e costumes da época, usando o teatro como veículo para moralizar os costumes. Seguidores desta linha são também Manuel Bretón dos Ferreiros e Ventura da Vega.^[8]

Referências

Veja-se também

• Neoclasicismo em Espanha
• Neoclasicismo Hispanoamericano

Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga conteúdo multimédia sobre Neoclasicismo. Commons