Olivier Messiaen

Olivier Messiaen

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Olivier Messiaen (Aviñón, 10 de dezembro de 1908 — Clichy, Île-de-France, 27 de abril de 1992 ) foi um compositor, organista e ornitólogo francês. Ingressou no Conservatorio de Paris à idade de 11 anos, e teve como professores a Paul Dukas, Marcel Dupré, Maurice Emmanuel e Charles-Marie Widor. Foi designado organista na Igreja da Santísima Trinidad de Paris em 1931 , já que ocupou até sua morte.

Em 1940, na Batalha da França, Messiaen foi feito prisioneiro de guerra, e enquanto estava encarcerado compôs seu «Quatuor pour o fim du temps» (‘Cuarteto para o fim dos tempos’) para os quatro instrumentos disponíveis ali: piano, violín, violonchelo e clarinete. A obra foi estreada por Messiaen e seus amigos prisioneiros ante uma audiência de prisioneiros e vigilantes.^[1] Ao sair de prisão em 1941 , cedo Messiaen foi nomeado professor de harmonia, e depois professor de composição em 1966 no Conservatorio de Paris, já que manteve até seu retiro em 1978 . Entre seus distintos alunos estão Pierre Boulez, Yvonne Loriod (quem depois seria a segunda esposa de Messiaen, e a intérprete por excelencia de suas obras escritas para piano ou com piano solista), Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis, William Bolcom e George Benjamin.

A música de Messiaen é rítmicamente complexa (ele estava interessado nos ritmos da antiga Grécia e de origens indianas), e se baseia harmônica e melódicamente nos modos de transposición limitada, que foram uma inovação própria de Messiaen. Muitas de suas composições representam o que ele chamou «os aspectos maravilhosos da fé», mostrando seu inquebrantável catolicismo. Viajou muito e escreveu suas obras inspirado por diversas influências tais como a música japonesa, a paisagem do Canhão de Bryce em Utah ou a vida de San Francisco de Asís. Messiaen experimentou uma verdadeira sinestesia manifestada como uma percepción de cores quando ouvia certas harmonias. Durante um período muito curto, Messiaen experimentou com o serialismo integral, em cujo campo é citado com frequência como um inovador. Seu estilo absorveu muitas influências musicais exóticas tais como gamelan da Indonésia (a percussão refinada tem com frequência um prominente papel em suas obras orquestales), e também usou as ondas Martenot.

Messiaen estava fascinado pelo «canto dos pássaros»; dizia que os pássaros eram os melhores músicos e se considerava a si mesmo tanto ornitólogo como compositor. Transcribía o canto dos pássaros em suas viagens por todo mundo, e incorporou as transcrições destes cantos em grande parte de sua música. Seu uso inovador da cor, sua concepção pessoal da relação entre o tempo e a música, seu uso do canto dos pássaros, e sua tentativa de expressar profundas ideias religiosas, todo se combina de tal modo que faz quase impossível confundir uma composição de Messiaen com uma obra de qualquer outro compositor clássico ocidental.

Biografia

Um erro dos músicos contemporâneos é atribuir uma excessiva importância ao fenómeno sonoro. A música não se compõe exclusivamente de sons.

Messiaen

Juventude e estudos

Olivier Eugène Prosper Charles Messiaen nasceu o 10 de dezembro de 1908, em Avignon, em uma família com tradição literária. Seu pai, Pierre Messiaen —professor de inglês que traduziu as obras de William Shakespeare ao francês— e sua mãe, a poetisa Cécile Sauvage,^[2] se tinham casado em um ano dantes, o 10 de setembro de 1907, na pequena igreja de Sieyes em Digne. Pierre trabalhava no conselho editorial da revista literária Revue Forézienne e conheceu a Cécile quando está enviou o manuscrito de sua obra Lhes Trois Muses. Depois de um curto noviazgo casaram-se, com desgosto da família Messiaen, que não via com bons olhos que ela não assistisse à igreja. Ao mês de casados, Pierre ingressou em 58º Regimiento de Infantería para cumprir seu serviço militar. Em fevereiro de 1909, Pierre já licenciado, obteve um posto de professor em uma escola de secundária em Ambert (Puy-de-Dôme), e sua família se reuniu ali com ele esse mesmo verão. Em Ambert, lugar de nascimento de Chabrier, o jovem Olivier terá por vez primeira «a revelação da natureza», e aprendeu a ler, desenvolvendo cedo uma grande paixão pela leitura que levar-lhe-á a devorar as histórias de Perrault e madame de Aulnoy. O 30 de agosto de 1912 nasceu seu único irmão, Alain, quase quatro anos menor. O pai consegue sacar as oposições de agregado e consegue praça em Nantes. Ali Messiaen começou a assistir ao colégio, sendo o melhor aluno de sua classe.

Seus pais deram-lhe uma educação que influir-lhe-á toda sua vida e que o mesmo evocará como uma «educação mágica» (éducation féerique). A mãe de Messiaen publicou nessa época um conjunto de poemas, L'âme em bourgeon (‘A alma brotando’), último capítulo do ciclo Tandis que a terre tourne (‘enquanto a Terra gire’), que dedicou a seu filho ainda não nascido. Messiaen, mais adiante, disse que esses poemas lhe influíram profundamente, e os citou como proféticos de sua futura carreira artística.^[3]

Depois do estallido em 1914 da I Guerra Mundial, Pierre Messiaen foi mobilizado como soldado e sua esposa se transladou com seus dois filhos a viver com sua própria mãe. Marie Sauvage, a casa de um de seu irmão André, também mobilizado, a Grenoble . Em Grenoble, o jovem Olivier passou em seus primeiros anos e aos sete anos já começou a compor e já lhe interessava o teatro: recitaba a seu irmão pequeno obras de Shakespeare representadas em um teatrillo caseiro, com decorados translucidos factos com envoltorios velhos de celofán.^[4] Por essa época adoptou já a fé católica romana e começaram a lhe fascinar as montanhas. «Sou um francês das montanhas, como Berlioz»^[5] dirá mais adiante. Messiaen sentirá como sua pátria os Alpes, em especial A Meije (Dauphiné), onde com os anos construiu uma casa na que compôs a maioria de suas composições.^[6] Desde o ano 1998, em sua honra, celebra-se a cada ano na Grave um festival «Messiaen au Pays da Meije».

Começou a tomar lições de piano, depois de ter começado a tocar por si mesmo. Seu interesse abarca até a recente música francesa de Claude Debussy e Maurice Ravel, e pediu partituras vocais de ópera como presente de Navidad.^[7] Em 1918 seu pai regressa da guerra, e a família vai viver-se a Nantes . Contínua com as lições de piano; um de seus professores, Jehan de Gibon, lhe presenteou uma partitura da ópera de Debussy Pelléas et Mélisande, que Messiaen descreveu como uma bomba (a thunderbolt: ‘um raio’) e que será «provavelmente a influência mais decisiva sobre minha» e a que decidiu sua vocação.^[8] Descobriu pouco a pouco outras partituras, principalmente aquelas que chegaram a ser suas favoritas: Orphée de Gluck , Dom Giovanni de Mozart , A Damnation de Faust de Berlioz , a Tétralogie de Wagner ...

Ao ano seguinte, Pierre Messiaen obtuvó um posto de professor em Paris, e a família transladou-se à capital. Messiaen ingressou no Conservatorio em 1919, com sozinho 11 anos de idade e teve como professores a Georges Falkenberg (piano), Baggers (timpani e percussão), Paul Dukas (composição e orquestación), e Marcel Dupré (órgão e improvisación).

No Conservatorio Messiaen fez excelentes progressos académicos, sendo muitas vezes de melhore-los da classe: em 1924, com 15 anos, ganhou o segundo prêmio no curso de harmonia de Jean Gallon; em 1926, o primeiro prêmio no curso de contrapunto e fuga de Noël Gallon; em 1927, também o primeiro em acompañamiento de piano; em 1928, de novo o primeiro prêmio no curso de história da música ditado por Maurice Emmanuel. O exemplo de Emmanuel acordou em Messiaen um interesse na música grega antiga e os modos exóticos. Depois de ensinar-lhe seus trabalhos de improvisación ao piano, Messiaen começou a estudar órgão com Marcel Dupré, e dele herdou a tradição dos grandes organistas franceses (Dupré tinha estudado com Widor e Vierne; Vierne, a sua vez, foi discípulo de Franck ). Messiaen obtuvó o primeiro prêmio de interpretação e improvisación ao órgão em 1929. Após um ano de estudo de composição com Charles-Marie Widor,^[9] no outono de 1927 entrou na classe do novamente designado Paul Dukas, que lhe inculcó o magisterio da orquestación, ganhando em 1930 Messiaen de novo o primeiro prêmio de composição.

Sendo ainda estudante, Messiaen publicou sua primeira composição, suas oito Préludes para piano (o primeiro, Lhe banquet céleste foi publicado separadamente). Nesta obra já mostra suas preferências pelo uso dos modos de transposición e pelos ritmos palindromicos (Messiaen chama assim aos ritmos não-retrogradables). A primeira estréia pública de uma de suas obras, a suite orquestal Lhes offrandes oubliées, teve lugar em 1931. Nesse mesmo ano escutou pela primeira vez um grupo de gamelan que acordou seu interesse pelo uso da percussão.

A Trinité, A Jeune France, e a guerra de Messiaen

Igreja da Santísma Trinidad (Paris).

A relação de Messiaen com o órgão começou no outono de 1927, quando ingressou no curso de órgão de Dupré. Dupré recordará que Messiaen, que nunca tinha visto dantes um teclado de órgão, permaneceu quieto durante uma hora enquanto ele explicava e provava o instrumento; quando volta em uma semana mais tarde, se pôs a tocar a Fantasia in C minor de Bach de uma forma impressionante.^[10] Desde 1929, Messiaen substitui regularmente a Charles Quef (1873-1931), organista da Igreja de Santísima Trinidad (Sainte-Trinité) de Paris, que estava já muito doente. Quando Quef morra em 1931, o posto ficará vaga e Dupré, Tournemire e Widor, entre outros, avalaran a candidatura de Messiaen. Com a solicitação formal, Messiaen incluirá uma carta de recomendação de Widor. A nomeação confirma-se em 1931, quando tem só 22 anos,^[11] e Messiaen será organista na Sainte-Trinité durante mais sessenta anos, escrevendo grandes obras para o instrumento-rei, sendo provavelmente o que mais contribuições fez ao repertorio desde Johann Sebastian Bach.

Em uma entrevista realizada por Irène Meltzheim e o pai Pascal Ide (da Trinité), em março de 1991, Messiaen exclamou: «Amou meu órgão! É para meu um irmão, um filho e desesperar-me-ia separar-me de ele».^[12] Em seus últimos anos, já velho, mal podia subir pela estreita escada da tribuna, a Ville de Paris fez instalar um elevador, mas ao outro lado da igreja, de maneira que Messiaen precisava muito tempo para chegar a seu órgão).^[13]

Dessa época data, precisamente, uma de suas primeiras obras destacadas, L'Ascension, quattre méditations symphoniques (‘Quatro meditaciones sinfónicas’). Composta e estreada em 1932, trata-se de uma partitura de uns 35 minutos, escrita para grande orquestra, composta de quatro poemas sinfónicos:

• Majesté du Christ demandant sa gloire à são père (Majestade de Cristo pedindo a Glória a seu Pai).
• Alleluias sereins d'une âme qui désire lhe Ciel (Louvores serenas de uma alma que almeja o Céu).

  Alleluia sul a trompette, Alleluia sul a cymbale (Aleluya da trombeta e do címbalo).

• Prière du Christ montant vers são Père (Prece de Cristo dirigindo a seu Pai).

Em junho de 1932, Messiaen casou-se com a violinista e compositora Claire Delbos.^[14] Seu casal levar-lhe-á a compor obras para violín e piano, para interpretá-las juntos (Thème et variations, 1932), e peças para celebrar sua felicidade doméstica (incluindo o ciclo de canções Poèmes pour Meu (1936, obra que Messiaen orquestrou em um ano mais tarde, em 1937). Meu era o apodo que Messiaen carinhosamente dava a sua mulher. Em 1937 nascerá seu filho Pascal. O casal de Messiaen mudará tragicamente quando sua mulher, após uma operação, perca a memória e comece a dar sintomas de uma doença mental. Será ingressada em um psiquiátrico em 1950, passando ali o resto de sua vida, até sua morte em 1959.^[15]

Em 1933 escreveu L'Ascension, que foi estreada em 1934 por Robert Shiohan em Paris. A obra teve um verdadeiro sucesso, e foi posteriormente interpretada bastantees vezes: em 1945, Charles Munch em Paris; em 1947, Pierre Monteux, em San Francisco; e em 1949, o 15 de agosto, Koussevitzski à frente da Sinfónica de Boston em Tanglewood, para 15.000 pessoas.^[16] Desde 1934 a 1939 ensinou piano na École Normale de Musique de Paris e deu um curso de improvisación ao órgão na Schola Cantorum de Paris. Durante estes anos compõe suas primeiras obras importantes, de uma forte inspiração religiosa: Lhe Banquet Céleste para órgão (1926-28), as Offrandes oubliées (1930), L’Ascension 1932-33), A Nativité du Seigneur (1935).

Em 1936, Messiaen, André Jolivet, Daniel-Lesur e Yves Baudrier formaram o grupo A Jeune France (‘a jovem França’) com o fim de promover a nova música francesa. Seu manifesto implicitamente atacava a frivolidad predominante na música parisina contemporânea, recusando o manifesto de Jean Cocteau Lhe coq et l’arlequin de 1918 em favor de uma «música viva, que tenha o impulso da sinceridade, generosidad e concienciación artística».^[17] A carreira de Messiaen entrou muito cedo em uma fase de reconhecimento público, e no entanto, a música que estava a compor nessa época não eram nem encargos públicos nem concertos convencionais. Jolivet chegará a ser um dos grandes amigos de Messiaen.

Em 1937, em resposta a um encarrego de uma peça de acompañamiento para o espectáculo de luz e som no Sena durante a Exposição Internacional das Artes e as Técnicas na Vida Moderna (Paris, 1937), Messiaen mostrou seu interesse em usar as ondas Martenot, um instrumento electrónico, compondo a não publicada Fêtes dês belles eaux para um conjunto de seis ondas Martenot.^[18] Em adiante, Messiaen incluiu uma parte para este instrumento em muitos de suas composições seguintes.

Durante este período Messiaen compõe ciclos para órgão que seriam tocados pelo mesmo. Arranja seu suite orquestal L'Ascension para órgão, substituindo a versão orquestal do terceiro movimento por um totalmente novo, que será um dos mais populares de Messiaen, Transports de joie d'une âme devant a gloire du Christ qui est a sienne habitualmente conhecido como Transports de joie. Também escreve os longos ciclos A Nativité du Seigneur e Os corpos gloriosos (Lhes corps glorieux. A toccata final da Nativité, Dieu parmi nous (‘Deus entre nós’) tem chegado a ser uma peça favorita de recital, e com frequência é tocada separadamente.

Ao começo da II Guerra Mundial Messiaen foi chamado a bichas, como auxiliar médico mais que como combatente devido a sua pobre visão.^[19] Em maio de 1940 foi capturado em Verdún, e levado a Görlitz onde permaneceu encarcerado no campo de prisioneiros Stalag VIII-A. Ali, entre os mesmos prisioneiros, conheceu a um violinista, a um cellista e a um clarinetista. Inicialmente, escreveu um trio para eles, mas pouco a pouco ele mesmo (o piano) se incorpora ao trio e compõe sua obra Cuarteto para o fim dos tempos (Quatuor pour o fim du temps). Sua estréia realizou-se no campo de concentração. O público consistiu em prisioneiros e guardas, o compositor tocou em um maltrecho piano vertical, todos se estavam a congelar, era janeiro de 1941.

Assim a obrigada introspección e reflexão da vida do campo fructificaron em uma das obras mestres da música clássica européias do século XX. O «para o fim do tempo» («pour o fim du temp») do título não é puramente uma alusão ao Apocalipsis, o tema aparente do trabalho, senão que também se refere à maneira na qual Messiaen, com ritmo e harmonia, utilizou o tempo musical de uma maneira totalmente diferente da música de suas precursores ou contemporâneos.^[20]

Tristán e o serialismo

Depois de ser liberto em março de 1941, Messiaen é nomeado professor e leitor do Conservatorio de Paris dando sua primeira classe o 7 de maio desse mesmo ano. Ensinará até seu retiro em 1978, primeiro harmonia, análise musical, estética e ritmo e, a partir de 1966, será nomeado professor de composição. Também redige sua Técnica de minha linguagem musical (‘Technique de mon langage musical’) publicada em 1944, em que cita muitos exemplos de sua própria música, particularmente do Cuarteto para o fim dos tempos.

«Ce fut une époque d'exploration, de libération» tem escrito um de seus alunos, Pierre Boulez, «Ce fut aussi l'amitié et a solidarité d'um petit groupe réuni autour d'um maître sul lequel l'opinião générale butait, chancelait ou renâclait».3

Terá destacados estudantes no Conservatorio, muitos futuros grandes compositores. Entre os primeiros Pierre Boulez e a pianista Yvonne Loriod. Mais adiante, em 1952, Karlheinz Stockhausen; em 1958, e por pouco tempo, György Kurtág; de 1967 a 1972, Tristan Murail; na segunda metade da década de 1970, George Benjamin. (também Alain Louvier) O compositor grego Iannis Xenakis se relacionou brevemente com ele em 1951; Messiaen anima-lhe e exhorta a Xenakis a sacar partido de seus conhecimentos matemáticos e de arquitectura, e a usá-los em sua própria música. Pierre Boulez comenta que ainda que Messiaen não tinha chegado aos quarenta anos seus alunos já o consideravam um maestro excepcional, que os animava a encontrar sua própria voz em vez de lhes impor suas próprias ideias.^[21]

Em 1943, Messiaen escreveu Visions de l’Amem para dois pianos, uma obra para ser interpretada por Loriod e por ele mesmo, e pouco tempo depois compôs o grandioso ciclo para piano solista Vingt regards sul l'enfant-Jésus (‘vinte miradas sobre o menino Jesús’) para ele mesmo. Também escreveu Trois petites liturgies da Présence Divine (‘três pequenas liturgias da divina presença’), para coro feminino e orquestra, que inclui uma difícil parte para piano solista, de novo para Ivonne Loriod. Messiaen continuou assim incluindo temas litúrgicos nos recitais de piano e de concerto.

Olivier Messiaen, em 1946.

Dois anos mais tarde, em 1945, Messiaen compõe a primeira de três obras dedicadas ao tema do amor humano (como oposto ao amor divino), particularmente inspirado na lenda de Tristán e Isolda. Será o ciclo de canções Harawi. O segundo dos trabalhos de Tristan é o resultado de um encarrego de Serge Koussevitzki para uma peça (Messiaen declarou que o encarrego não especificava the longitude da obra ou o tamanho da orquestra); foi uma peça em dez movimentos, a Turangalîla-Symphonie (turaṃga-līlā, ‘os pasatiempos da mente’, em sánscrito , sendo turáṃ-ga: ‘rápido-vai’, um cavalo, ou a mente; e līlā: ‘diversión’, especialmente a que realizam os deuses). Não é uma sinfonía convencional, senão uma extensa meditación sobre a alegria do amor humano e a união.

Carece do sentido de culpa inherente em, por exemplo, Tristán e Isolda de Richard Wagner, porque a atitude de Messiaen ante o amor sexual é que é um presente divino.^[19] (listem ▶^?/i) A terceiro peça inspirada no mito de Tristán foi Cinq rechants for twelve unaccompanied singers, which Messiaen said was influenced by the alva of the troubadours.^[22]

Messiaen viajou aos Estados Unidos em 1947, para escutar sua música dirigida por Koussevitsky e Leopold Stokowski, e aistir à estréia da Turangalîla-Symphonie, que foi estreada em 1949 por um jovem Leonard Bernstein. Durante essa etapa, enquanto dava o curso de análise no conservatorio de Paris, também ensinou em Budapeste em 1947 e em Tanglewood em 1949; nos verões de 1949 e 1950 deu cursos no Darmstadt New Music Summer School. Though nunca utilizou twelve-tone technique himself, após três anos teaching analysis of scores using it, such as works by Arnold Schoenberg, tenho did experiment with ways of making scales of other elements (incluindo a duração, articulação, e a dinâmica) analogous to the chromatic pitch escala. O resultado destas inovações é a peça Mode de valeurs et d’intensités para piano (da obra Quatre Études de Rhythme) que incorrectamente tem sido descrito como o primeiro trabalho do serialismo, ainda que tinha uma grande influência dos primeiros compositores seriales europeus, como Boulez, Karel Goeyvaerts e Karlheinz Stockhausen. Durante este período também experimenta com a música concreta, música que emprega sons gravados.

Canções de pássaros nos anos sessenta

Em 1952, a Messiaen solicitaram-lhe uma peça para flauta, para ser interpretada nos exames de acesso ao Conservatorio e compôs Lhe merle noir, para flauta e piano. Enquanto Messiaen tinha estado sempre fascinado pelo canto dos pássaros, e que os pássaros tinham aparecido em várias de suas primeiras obras (por exemplo, A Nativité, Quatuor e Vingt regards), esta peça para flauta está baseada inteiramente no canto do mirlo. Messiaen levou seu desenvolvimento a um novo nível em 1953, com sua obra orquestal Réveil dês oiseaux; a obra compõe-se quase inteiramente de cantos de pássaros, tomando como material os pássaros que um pode ouvir entre a meia-noite e o meio dia nas montanhas do Jura. A partir desta obra em adiante Messiaen incorpora o canto dos pássaros em todas suas composições e compôs de facto várias obras nas que os pássaros proporcionam o título e o tema (por exemplo a colecção de treze peças para piano completada em 1958 Catalogue d'oiseaux, e A fauvette dês jardins de 1971). Longe de ser simples transcrições do cantar dos pássaros, estas obras são poemas tonales sofisticados que evocam o lugar e sua atmosfera. Paul Griffiths comentou que Messiaen: era um ornitólogo concienzudo melhor que qualquer outro compositor anterior e um observador musical do canto dos pássaros melhor que qualquer ornitologo anterior.^[23]

A primeira mulher de Messiaen morreu em 1959 depois de uma longa doença, e, em 1961, Olivier casou-se de novo com Yvonne Loriod. Começou a viajar muito, tanto para atender acontecimentos musicais e na busca e transcrição do canto dos pássaros mais exóticos. Loriod com frequência assistia a seu marido nos detalhados estudos do canto de pássaros, que anota na natureza, caminhando com ele e fazendo uma gravação de som para seu posterior controle. Em 1962 suas viagens levam-lhe a Japão , onde a música de Gagaku e o teatro Noh lhe inspiram e compõe a orquestal "Japanese sketches", Sept haïkaï, que tem estilísticas imitações dos instrumentos tradicionais japoneses.

A música de Messiaen foi defendida nessa época, entre outros, por Pierre Boulez, que programa primeiros estréias em seus Concertos do Domaine musical e no Festival de Donaueschingen . As interpretações incluem Réveil dês oiseaux, Chronochromie (encarrego para o Festival de 1960) e Couleurs de citei-a céleste. A última obra foi resultado de um encarrego de uma composição para três trombones e três xylofonos; Messiaen acrescentou metais, ventos, percussão e piano, e especifico um xilófono, xilorimba e marimba em lugar dos três xilófonos. Outras obras dessa época, como Et exspecto resurrectionem mortuorem, foi encarregada por André Malraux como commemoración das vítimas das duas guerras mundiais, e foi estreada de forma semi-privada na Sainte-Chapelle (11 de maio de 1965), e depois publicamente na Catedral de Chartres, no domingo 20 de junho de 1965, na grande missa, com a presença do próprio presidente da República Charles de Gaulle e à frente da orquestra com Serge Baudo. Boulez também dirigiu uma terceira estréia nos concertos do Domaine Musical em Paris.

Sua reputação como compositor seguiu crescendo. Em 1959 Messiaen foi nomeado como Officier da Légion d'honneur,^[24] e em 1966 foi designado oficialmente professor de composição no Conservatorio de Paris (ainda que de facto tivesse estado ensinando composição durante anos). Outras honras concedidas a Messiaen mais adiante incluem sua eleição para o Instituto da França em 1967, o Prêmio Erasmus em 1971, the award of the Royal Philharmonic Society Gold Medal em 1975, e a apresentação of the Croix de Commander of the Belgian Order of the Crown em 1980.^[25]

Transfiguración e «dos canhões às estrelas»

A «fé gloriosa» de Messiaen
Natividad	Crucifixión	Resurrección	Ascensión	Transfiguración	Apocalipsis	Para além

A seguinte composição de Messiaen foi A Transfiguration de Notre-Seigneur Jésus-Christ,^[26] até esse momento a obra mais grandiosa de todas as que compôs (mais tarde, será superada pela ópera Saint François). Desde a Oitava de Gustav Mahler (a Sinfonía dos Mil) e os Gurrelieder de Arnold Schönberg, nenhum compositor do século XX tinha-se atrevido a prescrever tal quantidade de efectivos, em uma obra que se acerca quase às duas horas de duração. Encarregada pela Fundação Gulbenkian de Lisboa, esta obra ocupará a Messiaen desde o 28 de junho de 1965 até o 20 de fevereiro de 1969, e os efectivos empregados incluem uma orquestra de 109 músicos, sete instrumentos solistas —piano, violonchelo, flauta, clarinete, xilorimba, vibráfono e marimba— e um coro de 100 vozes. Estreada no Festival Gulbenkian o 7 de junho de 1969 pela Orquestra de Paris e o Coro Gulbenkian, dirigidos por Serge Baudo, contou com Ivonne Loriod e Mstislav Rostropóvich como dois dos solistas.

Seus catorze movimentos são uma meditación sobre a história da Transfiguración de Cristo e organizam-se em duas partes, a cada uma delas de sete movimentos, às que Messiaen lume Septénaires. A cada uma delas se organiza do seguinte modo: um recitativo evangélico seguido de dois comentários ou meditaciones, de novo outro recitativo e dois comentários, e um grande coral de conclusão. Não é um oratorio em sentido puro, já que não há vozes solistas nem acção dramática, mas se o é já que é grande recitativo, em que se cantam além de textos do Evangelho, outros versos bíblicos e alguns textos da Soma Teologica de santo Tomás de Aquino.

Os três percusionistas solistas, acrescentados à rica percussão da orquestra, conformam de facto um gamelán balinés, grupo que aparecerá em todas as obras tardias de Messiaen e com o que conseguirá restituir de forma admirável o canto dos pássaros (não menos de 87 espécies dos cinco continentes^[27] ). Apesar dos grandes meios necessários e da complexidade estrutural de certas sequências, a obra é de uma grande simplicidad, quase monumental. Harry Halbreich compara Et expecto resurrectionem mortuorum e a Transfiguration, duas obras seguidas com uma singela cripta e uma catedral e também, como uma maciça basilica romana e uma suntuosa catedral gótica.^[28]

Pouco depois, Messiaen recebeu o encarrego de miss Alice Tully, à frente do Lincoln Center, para compor uma obra em comemoração do bicentenario da Declaração de Independência dos Estados Unidos. Marcou uma viagem aos EE.UU. na primavera de 1972 e realizou uma visita ao Bryce Canyon em Utah , onde ficou impressionado e que servir-lhe-á de inspiração. Anotou as cores do canhão e o canto de seus pássaros.^[29] O resultado foi a peça orquestal Dês Canyons aux étoiles... (‘dos canhões às estrelas’), uma longa obra de hora e meia de duração, para piano, trompa, xilorimba, glockenspiel, orquestra e conjunto de percussão. Messiaen mesmo escreveu umas notas descritivas da intenção da obra, nas que aclara que mais que descrever o canhão, reflete o estado da mente depois de sua contemplación:

A obra organiza-se em três partes, com um total de doze movimentos, e Messiaen mesmo redigiu umas notas explicativas sobre a cada um um deles. A primeira parte —I. «Lhe désert» - II. «Lhes orioles» - III. «Ce que est écrit sul lhes étoiles...» - IV. «Lhe cossyphe d'Heuglin» - VI. «Cedar Breaks et lhe dom de crainté»— começa com uma reflexão sobre o deserto como símbolo do vazio da vida, segue com um movimento ao piano sozinho dedicado às oropéndolas americanas; um novo movimento reflexiona sobre o que está escrito nos céus, e a seguir, de novo uma peça de piano solista sobre o «cossyphe de Heuglin», um pássaro procedente da África. Acaba a primeira parte com um movimento sobre uma das maravilhas naturais de Utah, o Cedar Break, um impressionante anfiteatro natural.

A segunda parte, de sozinho dois movimentos —VI. «Appel insterstellaire» - VII. «Bryce canyon et lhes rochers rouge-orange»— começa com um sozinho da trompa que faz um telefonema às estrelas e segue com um movimento sobre o imponente Bryce Canyons e seus alcantilados vermelho-anaranjados. A terceira parte —VIII. «Lhes ressucités et lhe chant de l'étoile Aldébaran» - IX. «Lhe moqueur polyglotte» - X. «A grive dês bois» - XI. «Omao, leithrix, elephaio, shama» - 12. «Zion Park et citei-a Céleste»— começa com um canto às estrelas, em especial a Aldebarán, a estrela mais brilhante da constelação de Tauro. Seguem vários movimentos mais sobre pássaros —a grive dês bois, o pássaro cantor mais conhecido dos EE. UU., ao piano solista; depois Omao Omao, leithrix, elephaio e shama, pássaros das Hawái— e acaba a obra com um último movimento sobre o grandiosos Parque Nacional Zion e a cidade celeste.

A obra foi estreada em Nova York o 20 de novembro de 1974, com Loriod como solista e a Musica Aeterna Orchestra, dirigida por Frederic Waldam. Sua estréia na França foi quase em um ano mais tarde, no marco do Festival de Outono, de novo com Loriod ao piano e o Ensemble Ars Nova, dirigidos por Marius Constant. Em agradecimiento por esta obra o Estado de Utah, em 1978, renomeará um de seus bicos, o The White Cliffs, como Mount Messiaen.

dos canhões às estrelas
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O deserto	As oropéndolas	Cedar breaks	Telefonema interestelar	Grande canhão Bryce, Utah	Lhe moquer polyglotte	Zion Park

San Francisco de Asís

Em 1971 Rolf Liebermann solicita-lhe que componha uma obra para a Ópera de Paris. Inicialmente reacio a abordar um projecto de tal envergadura, é finalmente persuadido em 1975, aceitando o encarrego e começando a trabalhar na que será a obra mais ambiciosa de sua vida, sua Saint-François d’Assise, que ocupar-lhe-á os seguintes oito anos. A composição desta obra foi uma imensa tarefa (também escreve seu próprio libreto, lhe ocupando durante 1975-1979, e a orquestación ocupar-lhe-á desde 1979 até 1983.^[32] A obra (que Messiaen preferia chamar um «spectacle», espectáculo) foi estreada em 1983. No momento de sua estréia especulou-se com que seria sua obra de despedida (de facto, nessa época Messiaen mesmo pensava isso),^[33] mas continuou compondo, alumbrando uma colecção maior de peças de órgão, Livre du Saint Sacrement, em 1984, bem como várias peças mais para piano baseadas nos cantos de pássaros e algumas peças para piano e orquestra.

No verão de 1978, Messiaen retirou-se do ensino no Conservatorio. Em 1987, será promovido ao mais alto faixa, Grand-Croix, da Légion d'honneur.^[34] Uma operação impedirá sua participação nos eventos para celebrar seu 70 anos. Mas em 1988, os tributos para commemorar seu 80 aniversário suceder-se-ão por todo mundo, incluindo uma interpretação completa do Saint François no Royal Festival Hall de Londres, à que o próprio compositor assistirá. Publica-se também uma colecção de dezassete CD com suas obras em Erato, que incluíam gravações de sua mulher Loriod e um disco de uma conversa entre o compositor e Claude Samuel.

A última obra de Messiaen será um encarrego da New York Philharmonic Orchestra; apesar de que tinha muitas dores ao final de sua vida (requerendo repetidas intervenções quirúrgicas^[35] ) pôde terminar Eclairs sul l'au delà, uma obra que não viu estreado e que o foi seis meses dantes de sua morte. Messiaen também estava a compor um concerto para quatro músicos a quem se sentia especialmente agradecido: a sua mulher, a pianista Ivonne Loriod; ao cellista Mstislav Rostropóvich; ao oboista Heinz Holliger; e ao flautista Catherine Cantin. Foi finalizado quando Messiaen morreu, completando Yvonne Loriod a orquestación do movimento final com o assessoramento de George Benjamin.

Prêmios

Olivier Messiaen obteve muitos reconhecimentos ao longo de toda sua vida, sendo os mais importantes os seguintes:

• 1959 - Nomeado Oficial («Officier») da Legión de Honra.
• 1967 - Membro do Instituto da França.
• 1969 - Calouste Gulbenkian Prize.
• 1971 - Prêmio Erasmus.
• 1975 - Prêmio Ernst von Siemens.
• 1975 - Associate Member of the Royal Academy of Science, Literature and Art of Belgium.
• 1975 - Gold Medal of the Royal Philharmonic Society.
• 1978 - The White Cliffs in Utah were renamed Mount Messiaen.
• 1980 - Presentation of the Croix de Commander of the Belgian Order of the Crown.
• 1983 - Prêmio da Fundação Wolf das Artes (Jerusalen).
• 1985 - Prêmio Kyoto da Inamori Foundation (Kyoto).
• 1987 - Foi-lhe concedida a dignidade da Grand-Croix da Legión de Honra.
• 1989 - Primio Internazionale Paolo VI 1988.

Música

Dois aspectos definem a obra de Messiaen: seu profundo catolicismo, que lhe levou a cantar a glória de Deus em todas suas obras, e seu grande conhecimento do canto dos pássaros, canto que incorpora pela primeira vez no Cuarteto para o fim do tempo e que figura em toda suas obras posteriores a 1950.

É quase impossível confundir uma composição de Messiaen com o trabalho de qualquer outro compositor clássico ocidental. Sua música descreveu-se como fora da tradição ocidental, ainda que nascendo desta tradição e influído por ela.^[36] Muitas das saídas de Messiaen negam as convenções ocidentais da vanguardia, desenvolvimento musical e resolução diatonica harmônica. Isto é em parte devido às simetrías de sua técnica —por exemplo, os modos de transposición limitada não admitem a convencional cadencia que se encontra na música clássica ocidental.

O amor juvenil de Messiaen pelos elementos de contos de hadas em Shakespeare, prefiguran posteriores expressões do que ele chamou «os aspectos maravilhosos da fé católica»; —entre os que se podem citar os episódios da Natividad, Crucifixión, Resurrección, Ascensión, Transfiguración, Apocalipsis e Para além—. Messiaen concentra-se na teología da alegria, como o amor divino (Agapē), e a Salvação e nunca esteve interessado em representar outros aspectos como o pecado;^[37]

Ainda que Messiaen desenvolveu continuamente novas técnicas de composição, ele as integrou em seu estilo musical; assim, por exemplo, seu trabalho final ainda conserva o uso de modos de transposición limitada. Para muitos comentaristas, este desenvolvimento contínuo de sua linguagem musical que Messiaen fez na cada obra importante desde o de Quatuor em adiante foi uma adição consciente de todo o que Messiaen tinha composto até esse tempo. No entanto, muito poucos destes trabalhos importantes não contêm nenhuma ideia técnica nova —exemplos simples são a introdução da língua comunicable em Meditations ; a invenção de um instrumento de percussão novo (geófono) em Dês canyons aux etoiles…; e a liberdade de sincronização com o pulso principal das partes individuais, em certos episódios do canto dos pássaros em St. François d'Assise.

Bem como descobrir novas técnicas para ele mesmo, Messiaen encontrou e absorveu música exótica em seu estilo compositivo, incluindo antigos ritmos gregos, ritmos indianos (ele encontrou a lista de rṅgadeva de 120 unidades rítmicas, as deçî-tâlas^[38] ) gamelan de Balí e Java, cantos de pássaros e música japonesa.

Enquanto ele era instrumental na exploração académica de suas técnicas (ele publicou dois tratados, o último em cinco volumes que foi substancialmente completado a sua morte), e foi o mesmo um maestro na análise músical, ele considerava o desenvolvimento e estudo das técnicas faria sentido desde um fim intelectual, estético e emocional. A este respecto, Messiaen manteve que uma composição musical se deve medir com três critérios separados: para ser acertada deve ser interessante, formosa a escuta-a, e deve chegasse ao oyente.^[39]

Messiaen escreveu muita música para o piano. Apesar de ser ele mesmo um grande pianista, foi sem dúvida ajudado pela capacidade formidable ao piano de Yvonne Loriod, sua técnica e a capacidade de transportar complexos ritmos e combinações rítmicas; em sua escritura pianística desde Visions de l'Amem em adiante ele a tinha em mente. Messiaen disse: «posso permitir-me as excentricidades maiores porque para ela qualquer coisa é possível».^[40]

Influências artísticas ocidentais

Os desenvolvimentos da música francesa moderna foram uma influência importante em Messiaen, particularmente a música de Claude Debussy e seu uso da escala inteira tonal (que Messiaen chamou Modo 1» em seus modos de transposición limitada). Ainda que Messiaen utilizou muito raramente a escala inteira tonal em suas composições (porque, segundo ele, após Debussy e Dukas ali não tinha «nada que agregar»^[41] ) ele utilizou similares modos simétricos.

Messiaen também sentia uma grande admiração pela música de Igor Stravinsky, particularmente por seu uso do ritmo nos primeiros trabalhos (como na consagración da primavera), e também por seu uso da cor. Também lhe influiu a brillantez orquestal de Heitor Villa-Lobos, que viveu em Paris nos anos 20 e deu aclamados concertos ali. Entre os compositores para teclado Messiaen destacava a Jean-Philippe Rameau, Domenico Scarlatti, Frédéric Chopin, Debussy e Isaac Albéniz.^[40] Também amava a música de Modest Mussorgsky, e Messiaen incorporou em sua música várias modificações do que ele chamou o motivo melódico «M-shaped» de Borís Godunov, a ópera de Mussorgsky,^[41] ainda que Messiaen caracteristicamente modificou o intervalo final deste motivo de uma quarta perfeita em um tritono.

Messiaen também esteve influído pelo surrealismo, como pode observar nos títulos de alguns dos Préludes de piano (Um reflet dans lhe vent… («uma reflexão no vento») e em alguma das imagens de sua poesia (ele mesmo publicou poemas como prefacios a certos trabalhos, por exemplo, nas Lhes offrandes oubliées).

Cor

A cor encontra-se no da música de Messiaen. Messiaen disse que os termos «tonal», «modal» e «serialismo» (e outros termos semelhantes) estavam enmascarando conveniencias analíticas,^[42] e que para ele não tinha nem modais, nem tonales nem composições seriales, somente música com cor e música sem cor.^[43] Para Messiaen os compositores Monteverdi, Mozart, Chopin, Wagner, Mussorgsky e Stravinsky todo escreveram música fortemente colorida.^[44] Ademais, Messiaen experimentou uma verdadeira sinestesia, manifestada como a experiência das cores quando se escuta ou imagina a música, ainda que Messiaen disse que ele não percebia as cores visualmente. Em algumas de suas partituras, Messiaen anotou as cores da música —em especial em Couleurs de citei-a Céleste e em Dês canyons aux étoiles…— com o propósito de ajudar ao director na interpretação, mais que para especificar que cores devia experimentar o oyente.

George Benjamin, quando foi perguntado pela influência principal de Messiaen sobre os compositores, disse: «eu penso no escarpado —a palavra que elegostava— de cor como o mais influente, […] bastante mais que como um elemento decorativo, [Messiaen mostrou que a cor] poderia ser elemento fundamental, estrutural, […] o material fundamental da própria música.»^[45]

Simetría

Muitas das das técnicas de composição de Messiaen fazem uso das simetrías de tempo e da tonalidad.

Simetría no tempo

Example 2. The first bar of the piano Prélude, Instants défunts. An early example of Messiaen's use of palindromic rhythms (which tenho called non-retrogradable rhythms).

Desde seus trabalhos mais temporões, Messiaen utilizava com frequência rimos não retrogradables (palindrómicos ou capicúas) (Ver Exemplo 2).

Messiaen combinou às vezes ritmos com sequências harmônicas de uma maneira tal que, se o processo seguisse de forma indefinida, a música poderia percorrer todas as permutaciones possíveis e voltar a seu ponto de partida. Para Messiaen, isto representada o que ele chamou o «encanto de imposibilidades» deste procedimento. Na prática, por suposto, Messiaen só apresentou sempre uma porção de tal processo, como se permitisse ao oyente informado uma olhadela à eternidade. No primeiro movimento do Quatuor pour o fim du temps o piano e o violoncelo juntos proporcionam um dos primeiros exemplos.

Simetría de tonalidad

Messiaen utilizou modos aos que se referiu como seus modos de transposición limitada. Trata-se de um grupo ordenado de notas (escala) que só podem ser transportadas a distância de um semitono durante um número limitado de vezes. Por exemplo, a escala de tons inteiros (Modo I de Messiaen) só existe em dois transposiciones: do-re-minha-fa#-sol#-a# e re♭–minha♭–fa–sol–a–se. Messiaen extraiu esses modos da harmonia que tinha utilizado em suas improvisaciones e trabalhos temporões.^[46] O uso dos modos evita as convencionais progressões harmônicas diatónicas, já que, por exemplo, o Modo II de Messiaen (identico à excala octátona usada também por outros compositores) permite precisamente formar conformes de sétima de dominante cuja fundamental é uma nota que não pertence ao modo.^[47] Para Messiaen os modos também tinham uma determinada cor.

Tempo e ritmo

Messiaen considerou que sua contribuição rítmica à música seria sua marca distintiva com respeito ao resto de compositores modernos. Além de utilizar ritmos não retrogradables, e as decî-tâlas indianas, Messiaen também utilizou ritmos "aditivos". Isto pode se fazer directamente sobre a duração das notas individuais (valor acrescentado) ou bem interpolando uma nota de curta duração em um ritmo que de outro modo seria regular (Ver Exemplo 3 ou escutar ▶^?/i correspondente a dança-a do furor do Quatuor), ou encurtando ou alongando a cada nota de um ritmo com a mesma duração (acrescentando uma duração de semicorchea à cada nota de um ritmo quando se repete, por exemplo). Isto conduziu a Messiaen a usar alternar células rítmicas binárias e ternarias, um processo que também ocorre na consagración da primavera de Stravinsky , admirada por Messiaen.

Um factor que contribui à típica suspensão da percepción convencional do tempo na música de Messiaen são os tempos extremamente lentos que frequentemente estabelece (no 5º movimento Louange à l'Eternité de Jésus do Quatuor a marca de tempo é infinitamente lento); e inclusive em sua música rápida costuma utilizar repetidas frases e harmonias para fazer que a velocidade da sensação de estatismo.

Messiaen também utilizou o conceito de durações cromáticas", por exemplo em seu Soixante-quatre durées de seu Livre d'orgue, (escutar ▶^?/i) no que atribui uma duração diferente a uma faixa de 64 alturas de longas a curtas e graves a agudas, respectivamente.

Harmonia

Messiaen, além de fazer um uso harmônico dos modos de transposición limitada, também citou as séries harmônicas como um fenómeno físico que provee conformes em um contexto que ele sentia falta na música puramente serial.^[48] Um exemplo do uso harmônico de Messiaen deste fenómeno, que ele chamou ressonância», podemos o encontrar nos dois últimos compases do primeiro preludio para piano de Messiaen, A colombe («A pomba»); o conforme constrói-se com os harmônicos da nota mais grave, mim.^[49]

Em relação com este uso da ressonância, Messiaen também compôs música onde a nota mais grave, ou fundamental, se combina com notas mais agudas ou conformes tocados bem mais piano. Estas notas mais agudas -observa-, longe de ser percebidas como harmonia convencional, funcionam como os harmônicos que alteram o timbre da nota fundamental, como as paradas no órgão. Um exemplo é o canto da oropéndola em Lhe loriot do Catalogue d'oiseaux para piano sozinho.

Em seu uso de conformes diatonicos convencionais, Messiaen superou com frequência seus connotaciones historicamente banales (por exemplo, o uso frequente do acrescentado conforme de sextas como uma resolução (música).

Canto de pássaros

O canto dos pássaros fascinou a Messiaen desde muito jovem e em isso foi estímulado por seu professor Dukas, que urgía a seus pupilos a «escutar os pássaros». Messiaen incluo alguns cantos de pássaros estilizados em algumas de suas primeiras composições (por exemplo L'abîme d'oiseaux do Cuarteto...), integrando em seus som do mundo mediante técnicas como os modos de transposición limitada e a coloración dos conformes. Os episódios de canto de pássaros em seu trabalho chegaram a ser a cada vez mais sofisticados, e no Lhe Réveil dês Oiseaux Messiean atingem a maturidade do procedimento e a peça inteira constrói-se com cantos de pássaros: efectivamente é um estribilho de cantos de pássaros ao amanhecer («Dawn chorus») para orquestra. Messiaen inclusive anota a espécie de pássaro na própria partitura. As peças não são simples transcrições: inclusive as obras com títulos puramente inspirados em pássaros, tais como Catalogue d'oiseaux e Fauvette dês jardins, são poemas tonales que evocam a paisagem, sua cor e sua atmosfera.

Os «pássaros» de Messiaen
I. Lhe chocard dês Alpes	II. Lhe loriot	III: Lhe merle bleu	IV. Lhe traquet stapazin	V. A chouette hulotte	VI. L'alouette lulu	VII. A rousserolle effarvatte
Chova piquigualda Pyrrhocorax graculus	Oropéndola Oriolus oriolus	Roqueiro solitário Monticola solitarius	Collalba loira Oenanthe hispanica	Cárabo comum Strix aluco	Totovía Lullula arborea	Carricero comum Acrocephalus scirpaceus