Pablo Picasso

Pablo Picasso

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Pablo Picasso
Foto de Pablo Picasso (janeiro de 1962 )
Nome real	Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María dos Remédios Cipriano da Santísima Trinidad Ruiz e Picasso.[1]
Nascimento	25 de outubro de 1881 Málaga, Andaluzia, Espanha
Fallecimiento	8 de abril de 1973 (91 anos) Mougins, França
Nacionalidade	Espanha
Área	Pintura, desenho, escultura
Obras destacadas	As señoritas de Avignon (1907) Guernica (1937)

Pablo Ruiz Picasso (n. Málaga, Espanha, 25 de outubro de 1881 - † Mougins, França, 8 de abril de 1973 ), conhecido como Pablo Picasso, foi um pintor e escultor espanhol, criador, junto com Georges Braque e Juan Cinza, do movimento cubista.

Considerado um dos maiores artistas do século XX, participou desde a génesis de muitos movimentos artísticos que se propagaram pelo mundo e exerceram uma grande influência em outros grandes artistas de seu tempo. Incansable e prolífico, pintou mais de dois mil obras actualmente presentes em museus e colecções de toda a Europa e do mundo. Ademais, abordou outros géneros como o gravado, a ilustração de livros, a cerâmica e o desenho de cenografia e vestuario para montagens teatrais.

No político, Picasso declarava-se pacifista e comunista. Foi membro do Partido Comunista Francês até sua morte,^[2] o 8 de abril de 1973 em Notre-Dá-me-de-Vie (Mougins, França) aos 91 anos. Está enterrado no parque do castelo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Conteúdo 1 Biografia 1.1 Infância 1.2 Primeiras pinturas 1.3 Entre Barcelona e Paris. O período azul 1.3.1 A morte de Casagemas 1.3.2 Entre Barcelona e Paris 1.3.3 A vida 1.4 Paris, Bateau Lavoir. O período rosa 1.4.1 A belle Fernande 1.4.2 A bohemia do Lapin Agile 1.4.3 A família de saltimbanquis 1.4.4 Gertrude Stein 1.4.5 Primitivismo ibério 1.5 Protocubismo 1.5.1 Um burdel da rua Avinyó 1.5.2 Influências africanas 1.5.3 As señoritas de Aviñón 1.5.4 Para o cubismo 1.6 Cubismo 1.6.1 Cubismo cezannesco 1.6.1.1 Matisse baptiza o Cubismo. Período verde 1.6.1.2 O banquete de Rousseau 1.6.2 Cubismo analítico 1.6.2.1 Volta a Horta de Sant Joan 1.6.2.2 Translado ao Bulevar de Clichy 1.6.2.3 Os retratos cubistas 1.6.2.4 Reconhecimento do cubismo 1.7 Os Balets russos 1.8 Surrealismo 1.9 Guernica e pacifismo 1.10 Compromisso com o Partido Comunista 1.11 Período de Vallauris 1.11.1 Vallauris e a cerâmica 1.11.2 Nascimento de Claude 1.11.3 A Galloise, Vallauris 1.11.4 Pomba 2 Obras 2.1 Escritura e livros ilustrados 3 Filhos 4 Veja-se também 5 Referências 5.1 Licença 6 Bibliografía 7 Enlaces externos 7.1 Museus e exposições 7.2 Outros enlaces de interesse

Biografia

Infância

«Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano da Santísima Trinidad Ruiz Picasso» (ou 'Pablo Diego Jose de Paula Juan Nepomuceno Crispin Crispiano da Santisima Trinidad Ruiz Picasso',segundo seu certificado de nascimento) ou «Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María dos Remédios Crispiniano da Santísima Trinidad Ruiz Picasso» (segundo sua partida de baptismo),^{[1] [3]} foi o primeiro filho de José Ruiz Blasco e María Picasso López. Nasceu o 25 de outubro de 1881 em Málaga , Espanha, no seio de uma família pequeñoburguesa. Picasso teve duas irmãs, Dores (1884-1958) e Concepção (1887-1895).

De seu pai sabe-se que quis ser pintor e foi professor de desenho na escola de Málaga telefonema San Telmo. Da mãe conhece-se pouco; ao que parece era de uma personalidade mais forte que a de seu marido, e Picasso teve sempre para ela maior respeito e ternura, o que alguns crêem ver no retrato que lhe desenhou em 1923.^[4]

Picasso começou a pintar desde idade temporã. Em 1889, aos oito anos, depois de uma corrida de touros e baixo a direcção de seu pai pintou O pequeno picador, sua primeira pintura ao óleo,^{[5] [6]} da que sempre se negou a se separar.

Em 1891, a família abandonou Málaga, quando o pai foi nomeado professor no Instituto da Corunha. Ali, Pablo trabalhou em seus desenhos e mostrou uma forte confiança em si e em suas dotes; tinha dez anos. Seus primeiros trabalhos, de um realismo vigoroso e quase feroz, mostravam uma temporã predilección pelas personagens populares.^[4]

O de 1895 foi um ano de acontecimentos importantes em sua infância; em janeiro, faleceu sua irmã Concepção, e em setembro seu pai obteve uma cátedra na Lonja, Escola de Artes e Oficios de Barcelona , onde o jovem Pablo foi admitido como aluno e cursó estudos durante dois anos, o que lhe conduziu a pintar, quiçá por comprazer a seu pai, uma série de quadros nos que o academicismo sentimental do estilo surpreendia depois da vitalidad dos retratos que tinha realizado na Corunha.^[4]

Estudante brilhante e precoz, Picasso superou em um sozinho dia, à idade de catorze anos, o exame de rendimento na Escola de Belas Artes de Barcelona, e permitiu-se-lhe saltar-se as duas primeiras classes. De acordo com uma das muitas lendas sobre o artista, seu pai, depois de reconhecer o extraordinário talento de seu filho ao contemplar seus primeiros trabalhos infantis, entregou-lhe seus pinceles e sua paleta e prometeu não voltar a pintar em sua vida.^[4]

Primeiras pinturas

Durante o inverno de 1895 realizou seu primeiro grande tela académica, Primeira comunión,^[7] em Barcelona, cidade na que residiu uns nove anos, salvo algumas férias de verão e estadias mais ou menos longas em Madri e Paris.^[8]

Em 1897 apresentou a tela Ciência e Caridade na Exposição Geral de Belas Artes de Madri .^[9] Durante o verão passou, uma vez mais, suas férias em Málaga, onde pintou paisagens e corridas.^[10]

Em setembro, marchou a Madri para iniciar estudos na Academia de San Fernando,^[10] mas cedo abandonou a Academia: a atmosfera intelectual da capital, bastante provinciana e impermeable ao modernismo catalão que Picasso tentava introduzir (fundou uma pequena revista em 1901, Arte Jovem, que teve uma existência bastante breve) não lhe convencia. Não obstante, aproveitou suas frequentes visitas ao Museu do Prado para conhecer melhor a obra do Greco, que era vindicada por artistas e estudiosos de finais do século XIX.^[11]

Desde 1898 assinou suas obras como "Pablo Ruiz Picasso", logo como "Pablo R. Picasso", e só como "Picasso" desde 1901. A mudança não implica uma rejeição da figura paterna, senão que obedecia ao desejo de Picasso de se distinguir como personagem, iniciado por seus amigos catalães, que tomaram o costume do chamar pelo apellido materno, muito menos corrente que o Ruiz paterno.^[12]

Voltou a Barcelona em junho de 1898, doente de escarlatina e transladou-se a Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), o povo de seu amigo Manuel Pallarés, situado ao sul do Ebro cerca da cidade de Gandesa (Terra Alta, Tarragona). Nesta estadia, Picasso se reencontró com as raízes primordiais do país e com uma verdadeira volta à natureza, mais de acordo com o ideário modernista, o que constituiu um dos primeiros episódios "primitivistas" de sua carreira.^[13]

Abandonado o propósito de viver em Madri para dedicar-se a copiar para os grandes maestros, em fevereiro de 1899 estava de volta em Barcelona ,^[14] onde começou a frequentar a cervecería Els Quatre Gats, insígnia da bohemia modernista e lugar no que realizou sua primeira exposição individual e fez amizade com Jaime Sabartés e Carlos Casagemas. Neste ambiente Picasso entrou em contacto com o pensamento anarquista, implantado em Barcelona. A miséria reinante nos bairros baixos de Barcelona, os soldados doentes e feridos que voltavam a Espanha depois da desastrosa Guerra de Cuba, criaram um caldo de cultivo de violência social que sem dúvida marcou, a um nível individual e moral mais que puramente político, a sensibilidade de Picasso, e que podem ser apreciados em certos desenhos realizados entre 1897 e 1901: O prisioneiro, Um miting anarquista.^{[15] [16]}

Em outubro de 1900 visitou Paris com Casagemas para assistir à Exposição Universal, onde se exibia uma obra sua, Últimos momentos, actualmente desaparecida.^[17] Em Paris instalou-se no estudo de Isidre Nonell, artista catalão que Picasso conhecia do grupo Els Quatre Gats influenciado pelo impresionismo e que refletia a situação social catalã de princípios de século mediante retratos de personagens marginados e miseráveis. A obra de Nonell, junto à de Toulouse-Lautrec , influíram em grande parte no estilo de Picasso desta época, o que pode se apreciar em obras como A espera (Margot), Bailarina anã e O final do número, ambas de 1901.^{[18] [16]} Também conheceu ao que seria seu primeiro marchante, Pere Mañach (quem lhe ofereceu 150 francos mensais por toda sua obra de um ano) e entrou em contacto com a galerista Berthe Weill. Regressou a Barcelona o 20 ou 23 de dezembro (segundo diferentes fontes) com Casagemas, ao que Picasso levou consigo a celebrar o fim de ano em Málaga .^[17]

Entre Barcelona e Paris. O período azul

A morte de Casagemas

Conhece-se como período azul de Picasso ao que discurre aproximadamente entre 1901 até 1904: este nome prove da cor que domina a faixa cromática das pinturas, e tem sua origem no suicídio de seu amigo Carlos Casagemas o 17 de fevereiro de 1901, que o deixou cheio de dor e tristeza.^[19] Casagemas, após ter tratado de assassinar a seu amante Germaine, uma bailarina do Moulin Rouge que frequentava o círculo de artistas espanhóis, se suicidou em Paris. Picasso, motivado e sensibilizado pela morte de seu amigo, pintou um quadro que nomeou A morte de Casagemas,^[20] quadro alegórico que começava a mostrar seu passo ao período azul. A divisão do espaço do quadro em duas partes, terra e céu, corpo e espírito, recorda a do Enterro do Conde de Orgaz, do Greco.^[21]

Outras influências na obra de Picasso neste período foram as de Vão Gogh e Gauguin, o primeiro sobretudo a um nível psicológico, como se reflete na intensidade emotiva dos quadros desta época, ainda que também se aprecia uma simplificação de volumes e contornos definidos que fazem pensar em Gauguin, de quem também tomaria uma concepção universal da sentimentalidad.^[19] Picasso manifestava a solidão das personagens isolando em um meio impreciso, com um uso quase exclusivo do azul durante um período superior a dois anos, facto que praticamente carecia de precedentes na história da arte. Assim mesmo, o alongamento das figuras que se ia introduzindo em suas obras recordava de novo o estilo do Greco.

Entre Barcelona e Paris

Picasso era um trabalhador infatigable. No final de abril de 1901 regressou a Barcelona , onde expunha Mulher em azul^[16] na Exposição Geral de Belas Artes e depois em maio voltou a Paris, onde se estabeleceu no número 130 do bulevar de Clichy, no lugar em que Casagemas tinha tido seu estudo. Entre junho e julho do mesmo ano, Picasso e Iturrino realizaram uma exposição na galería de Vollard em Paris.^[22] Sem dinheiro nem trabalho, em junho conheceu ao poeta Max Jacob, com o que manteria uma próxima relação até a morte de Jacob em 1944. O poeta recordaria mais tarde que descobriu a obra de Picasso e, sendo crítico de arte, expressou sua admiração pelo talento do pintor. Pouco depois recebeu um convite de Mañach para apresentar a seu jovem representado (Picasso tinha por então uns dezoito anos); que estiveram todo o dia vendo a ingente obra de Picasso, quem por aquela época pintava um ou dois quadros por noite, e os vendia por cento cinquenta francos na Rue Laffite.^[23] Durante o outono pintou Os dois saltimbanquis (arlequín e sua colega) (Museu de Belas Artes Pushkin, Moscovo), Arlequín apoiado (MoMA, Nova York) e acabou A morte de Casagemas. Em inverno pintou uma série de retratos em azul; o Retrato de Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona), o Retrato de Mateu Fernández de Soto (Museu Picasso, Málaga) e o Autorretrato azul (Museu Picasso, Paris).^[16]

No final de janeiro de 1902 rompeu seu acordo com Mañach, e depois da liquidação correspondente voltou a Barcelona. Começou a trabalhar no estudo de Ángel Fernández de Soto, no número 6 da rua Nou da Rambla, onde durante a primavera a cor azul começou a dominar sua obra. Com Fernández de Soto visitou os burdeles de Barcelona, o que ficou refletido em uma série de desenhos eróticos entre os que se encontra um Autorretrato com nu (colecção privada, Alemanha); um desenho à tinta e acuarela de Ángel Fernández de Soto com uma mulher e A macarra (composição alegórica), propriedade do Museu Picasso de Barcelona.^[24]

Em Paris, Mañach arranjou uma exposição de pinturas e pasteles na galería Berthe Weill, do 1 ao 15 de abril, com obras de Picasso e Lemaire, e outra em junho na mesma galería com obras de Picasso e Matisse. Em Barcelona Picasso recebeu um aviso para incorporar ao serviço militar em outubro. Para eludí-lo, deveu pagar dois mil pesetas, quantidade que lhe foi proporcionada por seu tio. Justo depois voltou a Paris com Sébastien Junyer, e mostrou suas pinturas azuis pela primeira vez do 15 de novembro ao 15 de dezembro em uma exposição colectiva organizada de novo por Mañach na galería Berthe Weill.

Dessa data data um Retrato de Germaine que Acquavella Galleries adquiriu por 18,6 milhões de dólares em um leilão de Christie's em 2006.^[25] Em dezembro de 1902 mudou-se um tempo ao apartamento de Max Jacob no número 87 do Boulevard Voltaire; a habitação só dispunha de uma cama, pelo que Picasso trabalhava de noite e dormia de dia, enquanto Jacob trabalhava. Neste tempo não podia comprar tela, e devia se limitar a desenhar.^[26]

A vida

Em janeiro de 1903 Picasso voltou a Barcelona. Em primavera começou o quadro A vida (Cleveland Museum of Fine Arts),^[27] um dos maiores e mais complexas telas de sua época azul, considerado seu trabalho mais importante destes anos, de um simbolismo inusualmente escuro em suas primeiras obras e sujeito a múltiplas interpretações académicas, sobre as quais o artista nunca se pronunciou. Picasso realizou quatro esquemas preparatorios para o quadro, variando a composição das figuras ao menos duas vezes; cabe destacar que a figura masculina, que começou sendo um autorretrato, acabou sendo uma representação de seu amigo Carlos Casagemas.^[28] A Vida resume a maior parte dos temas e a atmosfera da época azul: o pesimismo nihilista desenvolvido em sua época de formação em Barcelona, recrudecido baixo as dificuldades materiais que sofre na época. «Acha que a Arte é filho da Tristeza e da Dor», dizia seu amigo Jaime Sabartés.^[29] A solidão dos meninos, a miséria de pobres, mendigos e cegos são com frequência descritos nos quadros desse momento: As duas irmãs (1902), Pobres a orlas do mar (1903), O velho guitarrista cego (1903), O asceta (1903) e A Celestina (Carlota Valdivia) (1904) contam-se entre as primeiras obras mestres de Picasso.^[30]

Para finais de 1903 Picasso começou a pensar que só se estabelecendo permanentemente na França sua reputação superaria as fronteiras de Espanha. Transladou-se ao estudo do escultor Pablo Gargallo (1881-1934), quem naquele momento encontrava-se em Paris, no número 28 do Carrer do Comerç de Barcelona,^[31] onde finalizou A Celestina (Carlota Valdivia) e começou um novo Retrato de Jaime Sabartés que finalizou na primavera de 1904.^[32]

Paris, Bateau Lavoir. O período rosa

A belle Fernande

Em abril de 1904 Picasso instalou-se em Paris no Bateau-Lavoir, situado no bairro de Montmartre , em uma oficina que seu amigo o escultor Paco Durrio estava por deixar. Ali retomou seu contacto com vários artistas espanhóis que também viviam no Bateau-Lavoir, especialmente com Ricardo Canals, quem lhe ensinou em setembro do mesmo ano a técnica do aguafuerte, e com sua mulher; também com Manuel Hugué e com sua esposa Totote, e com Ramón Pichot e Germaine, a bailarina pela qual seu amigo Casagemas se tinha suicidado. Durante o verão teve uma relação com «Madeleine», que aparece em vários desenhos e pinturas, como A mulher do acróbata (The Art Institute of Chicago) e inspirou o tema da Família de Arlequín (1905). Em agosto de 1904 Picasso conheceu a sua primeira colega sentimental: Fernande Olivier (1881-1966), modelo de artistas e amiga de Benedetta, a mulher de Ricardo Canals, era conhecida entre a colónia espanhola do Bateau-Lavoir como «a belle Fernande». Com veintiún anos os dois, Fernande foi o primeiro amor verdadeiro de Picasso, e converteu-se em sua fonte de inspiração até 1910, ainda que sua relação não acabaria definitivamente até 1912.^[32]

A bohemia do Lapin Agile

Em outubro de 1904 Picasso conheceu ao poeta André Salmon, e também a Guillaume Apollinaire, poeta e escritor precursor do surrealismo, com os que estabeleceu uma relação muito próxima. Picasso converteu-se em um asiduo do cabaret Lapin Agile (o «Coelho ágil») e do Cirque Medrano. Desde que instalou-se em Montmartre, a paleta e os temas de Picasso começaram a mudar; a pobreza e dureza da vida dos artistas de circo e saltimbanquis contribuíram um novo lirismo a seus quadros no passo da época azul à denominada época rosa. A época rosa distingue-se por suas cores pastel e tons cálidos, de linhas suaves e delicadas; com um especial énfasis sobre a linha e o desenho, mais que sobre a cor, continuou trabalhando as figuras com proporções alongadas que recordam sua admiração pelo Greco, como no actor (MoMA, New York) ou na acuarela O louco (Museu Picasso, Barcelona), um recurso a fórmulas manieristas do que se assinalou que Picasso fez uso constante ao longo de sua carreira.^[33] Os temas que tratava eram a alegria e a inquietude existencial; como na época azul, subyace um toque de melancolia, mas nesse momento dominada pelo afecto, com muitas referências ao mundo do zoológico e do circo. Pintou máscaras, arlequines, domadores e payasos; também é a época das maternidades rosas. Obras representativas desta época são Acróbata com bola ou rapariga com bola, A família de saltimbanquis, Acróbata e jovem arlequín e Família de acróbatas com macaco.

A família de saltimbanquis

Do 25 de fevereiro ao 6 de março de 1905 expôs na Galería Sérurier suas primeiras teias rosas. A crítica falou do anúncio de uma transformação luminosa de seu talento; depois do dramatismo da época azul, Apollinaire descreveu as obras do período rosa na Revue immoraliste: «Baixo os oropeles destellantes de seus saltimbanquis, sente-se verdadeiramente a piedade das gentes do povo, versáteis, astutos, mañosos, pobres e mentirosos.» Segundo disse Fernande Olivier, Picasso parecia amar aquilo pára o que não estava facto, aquilo que era diferente a ele: os gitanos, as corridas de touros, os cabarets turbios, os payasos e o mundo do circo; amava e submergia-se com delícia em todo aquilo que tinha uma cor local violento.^[34]

Na primavera do mesmo ano pintou A família de saltimbanquis (Washington, National Gallery), uma de suas principais obras desse ano, uma clara evolução para a época rosa; uma paisagem nua e desdibujado no que se enmarcan isoladas as bem desenhadas e estilizadas figuras dos titiriteros, personagens marginales cuja vida solitária impressionava a Picasso.^[35] Uma tarde, depois de abandonar o Cirque Médrano com Max Jacob, decidiu modelar sua cabeça em varro, e conforme trabalhava a peça nos seguintes dias, acrescentou o sombrero e cascabeles de um bufão, ao estilo das personagens circenses. A peça foi chamada "O louco (cabeça de arlequín)", que o galerista Ambroise Vollard conseguiu que fosse fundida em bronze.^[36]

Gertrude Stein

Durante o verão, fez uma viagem ao norte dos Países Baixos, e permaneceu em Schoorl por seis semanas convidado pelo escritor neerlandés Tom Schilperoort. Durante sua estadia pintou um nu, A bela holandesa (Queensland Art Gallery, South Brisbane), e As três holandesas (MuseoPicasso, Paris), uma versão pessoal do tema clássico das três obrigado. Depois de um breve passo por Paris, passou umas férias em agosto com Fernande, em Tiana , ao nordeste de Barcelona. A sua volta em setembro, Fernande mudou-se ao modesto estudo de Picasso no Bateau-Lavoir; o princípio de sua relação foi muito feliz, e as pinturas e desenhos que realizava Picasso de Fernande celebravam sua beleza e cercania pessoal. Picasso tomou por costume visitar as pequenas galerías, e junto com Fernande ia aos populares vernissages dos salões oficiais.^[36]

Gertrude Stein e seu irmão Leio tinham-se instalado em Paris, e dedicavam sua fortuna a reunir uma extraordinária colecção de arte. Leio Stein comprou Família de acróbatas com macaco ao marchante Clovis Sagot, por mediação do qual Leio e Gertrude foram a visitar o estudo de Picasso e lhe compraram numerosas obras por 900 francos. Picasso converteu-se em um asíduo visitante do salão de Gertrude Stein em seu apartamento de Paris; pintou um retrato de Leio e seu filho Michael e iniciou as primeiras das entre oitenta e noventa sessões do famoso Retrato de Gertrude Stein (MoMA, Nova York). Gertrude tinha comprado recentemente Mulher com sombrero de Matisse , e decidiu que ambos artistas deviam se encontrar.^[36]

Primitivismo ibério

Em 1906, após três meses trabalhando no Retrato de Gertrude Stein, abandonou-o temporariamente, e realizou os primeiros esquemas das señoritas de Aviñón. Abandonou o tema dos arlequines pelos ginetes e jovens em paisagens bucólicos, na linha de Gauguin e Puvis de Chavannes, em uma busca de clasicismo tanto temático como formal, que conduziu a Picasso ao estudo da arte antiga; em março descobriu a arte primitiva espanhol em uma exposição no Louvre de esculturas ibérias encontradas em Osuna e no Cerro dos Santos, entre as que se encontrava a Dama de Elche. A galería de Ambroise Vollard adquiriu a maioria das teias rosas também em março. Em maio foi-se com Fernande Olivier a Barcelona, onde a apresentou a amigos e parentes, e depois durante o verão a Gósol , em Lérida , onde entrou de novo em contacto com o primitivismo essencial da cultura popular, e pintou cenas de banhos e nus vistos desde um extraordinário domínio do vermelho; esta paleta rojiza de Gósol reflete uma preocupação pela modelagem dos volumes, e uma volta às raízes de um mediterráneo arcaico.^[37] Isto lhe inspirou uma série de quadros com personagens que resgatam certas características desse primitivismo, rompendo com seu estilo anterior. Ainda que a simplificação de rasgos e volumes são rasgos precursores do cubismo, esta foi uma etapa com entidade própria, que não pode incluir em nenhum estilo reconhecido. Podemos observar nestes quadros seus próprios rasgos faciais inclusive entre as figuras femininas, o que pode se apreciar os comparando com os autorretratos desta série.^[38] Esta estadia teve um impacto importante na obra de Picasso, pois as pinturas de Gósol marcaram o começo de sua revolução cubista no ano seguinte; anos mais tarde Picasso retomou o que tivesse sido o decorrer lógico deste estilo, em sua época neoclásica.

Protocubismo

Em agosto de 1906, ao voltar de Gósol , retomou o Retrato de Gertrude Stein trabalhando de cor (Stein encontrava-se na Itália) e reduziu seu rosto a uma espécie de máscara ibéria, impasible e expresiva ao mesmo tempo.^{[39] [40]} Picasso disse do Retrato de Gertrude Stein: «Todo mundo pensa que ela não é em absoluto como seu retrato, mas não importa, ao final conseguirá se parecer a ele.»^[37] Baixo a influência da escultura ibéria e a pintura de Cézanne , que contemplava exposta nos salões, Picasso pesquisava a forma e o volume,^[41] o que pode se apreciar no Autorretrato com paleta (Philadelphia Museum of Art, Filadelfia),^[42] quadro de um arcaísmo quase selvagem que também adiantava as influências acumuladas por Picasso desde 1905.^{[43] [38]}

O Salão de Outono de 1906 exibiu uma retrospectiva de Gauguin que impressionou profundamente a Picasso e teve grande influência em seu trabalho; o Salão também incluía dez obras de Cézanne, que faleceu por essas mesmas datas. Em inverno Picasso pintou Duas mulheres nuas (MoMA, Nova York), nas que levou ao extremo a estilización escultórica; a monumentalidad das figuras e o uso autónomo das luzes e sombras remetem às grandes bañistas de Cézanne. Para final de ano deixou de pintar, e se enfrascó em uma série de estudos e esquemas de nus para uma composição de múltiplas figuras baixo o tema do burdel, que culminaria em 1907 com a revolução que supuseram As señoritas de Aviñón.^[37]

Um burdel da rua Avinyó

A primeira reacção do meio de Picasso ante os estudos prévios das señoritas foi em general pouco favorável: seus amigos não acabavam de entender este novo estilo. Em um caderno de notas, Apollinaire descreveu-o como uma «maravilhosa linguagem que nenhuma literatura pode expressar, porque nossas palavras já têm sido criadas.» Durante a primavera de 1907 Picasso conheceu, através de Apollinaire, a Georges Braque, quem depois de visitar seu estudo manifestou certa agitación em frente à grande pintura.^[44]

Em meados de maio pintou Autorretrato (Národni Galerie, Praga): a linha converte-se em um elemento estrutural dominante, marcando as facções e delineando inclusive o resto de áreas da imagem, quase todas cheias de cor, e muito poucas delas modeladas. Inclusive deixou zonas da tela sem pintar.^[45] Para finais de maio iniciou a tela definitiva das señoritas de Aviñón, e as figuras masculinas desapareceram: uma delas, um marinheiro, foi eliminada, e um estudante situado à esquerda foi substituído por uma mulher nua sustentando uma cortina.^[44]

Influências africanas

Animado por André Derain, Picasso visitou em 1907 o Museu de Etnografía no Palácio do Trocadero de Paris. Leste foi seu primeiro contacto com um amplo número de peças africanas e oceánicas, que tanto Derain como Matisse coleccionavam desde fazia tempo,^[46] mas às quais Picasso não tinha prestado demasiada atenção até esse momento. A descoberta da arte não-ocidental deu um novo empurre às As señoritas de Aviñón, e também exerceu uma considerável influência sobre seu trabalho escultórico.^[47] Picasso modificou então os rostos de algumas das señoritas, os dois de aspecto mais «cubista» dos cinco, que se assemelham a máscaras africanas, enquanto os duas centrais são mais afines ao estilo dos frescos medievales e as primitivas esculturas ibérias; também o rosto da figura da esquerda apresenta um perfil que recorda as pinturas egípcias. No entanto, «art négre, connais pas», era a resposta de Picasso a uma pergunta da revista Action em 1920; este período protocubista,^[48] que se situa entre 1907 e 1909, é conhecido também como o Período Africano, Período Negro ou Período Escuro de Picasso; seu estilo viu-se fortemente influenciado pela escultura africana, mas o artista pretendeu sempre o contrário.^[49]

As señoritas de Aviñón

As señoritas de Aviñón supôs um novo ponto de partida para Picasso, que eliminou as referências à tradição rompendo com o Realismo, abandonando os cánones de profundidade espacial e perspectiva, bem como o ideal até então existente do corpo feminino, ao reduzir a obra a um conjunto de planos angulares, sem fundo delimitado nem perspectiva espacial, no que as formas estão marcadas por linhas claro-escuras. Os tons ocre-rojizos são característicos de seu mais amável época rosa, mas a crudeza do quadro converte-os em agressivos.

O quadro pôde estar também influenciado pelas figuras alongadas do Greco, em particular por sua Visão do Apocalipsis, que Picasso possivelmente viu esse verão em Paris;^[44] sua estrutura e composição deriva das grandes bañistas de Cézanne ; a pintura de Cézanne faz dos objectos uma presença real, com especial énfasis nos volumes e o peso dos mesmos, sem a palpitación atmosférica própria do impresionismo. Segundo Fermigier (1969:69), seu retrospectiva no Salão de Outono de 1907 determinou a evolução ulterior de Picasso. Também Braque, inspirado por Cézanne, inicia uma série de paisagens que mostram sua transição do fauvismo a sua época protocubista.^[44]

Para o cubismo

A relação com Fernande entrou em crise, e decidiram separar-se no final de verão de 1907,^[50] ainda que se reconciliaron no final de novembro. Em sua ausência, Max Jacob e Apollinaire tinham persuadido a Picasso de fumar opio; Picasso movia-se entre as bênçãos das visões e o temor a entregar-se à apatía e o fastio para o trabalho. A paleta de Picasso encheu-se de brilhantes cores «africanas»: pintou Mulher nua (a bailarina de Aviñón), um epílogo às señoritas de Aviñón no que os elementos baseados na arte ibéria e africano atingem um novo grau de simplificação geométrica; no mesmo estilo, Dança-a dos vai-os (nu com drapeado) (Museu do Hermitage, San Petersburgo), iniciado em verão e que foi comprado por Gertrude Stein junto aos esquemas preparatorios do mesmo; também Flores sobre uma mesa (MoMA, Nova York).^[44] Nas subsiguientes obras, as carnaciones voltam-se ocres e marrones, e Picasso enfrenta-se ao mesmo tempo com muitos experimentos de ruptura em seus quadros: o abandono da perspectiva; a conquista do espaço, fragmentando os planos mediante tons planos com contornos grossos e definidos; a busca do relevo, mediante exagerados contornos azuis em um fundo marrón e sombreados espesos; entre elas se contam A amizade (Museu do Hermitage, San Petersburgo) e Nu com toalha (Colecção privada, Paris).^[45] O estudo de Picasso converteu-se em um centro de discussões e debate, e não só sobre sua obra. Braque levou suas próprias obras ali, Matisse e Picasso trocaram quadros: o bodegón Cántaro, bol e limão (Fundação Beyeler, Riehen, Basilea) de Picasso pelo Retrato de Marguerite, a filha de Matisse.^[44] A relação de Picasso e Matisse ia da competição a burla-a, passando por uma intensa admiração mútua; Matisse disse que ninguém tinha olhado sua obra como Picasso, e ninguém tinha olhado a obra de Picasso como ele.^[51]

Cubismo

Tendo As señoritas de Aviñón como ponto de partida, Braque e Picasso acabaram formulando o Cubismo em 1908. O Cubismo foi um ponto de inflexão radical na história da arte que inspirou ao resto de vanguardias artísticas o abandono do ilusionismo pictórico, recusando a descrição naturalista em benefício de composições de formas abstraídas da percepción convencional, jogando com a tridimensionalidad e a estrutura das superfícies.^[52] Esta técnica, iniciada por Picasso e Braque, teve muitos seguidores, como Juan Cinza, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay e Albert Gleizes.

Cubismo cezannesco

Em janeiro de 1908 Matisse abriu sua escola, a Ácademie Matisse. Por outro lado, Derain e Braque eram seguidores de Picasso, o qual, acrescentado a sua crescente amizade com Gertrude Stein, irritava a Matisse. No Salon dês Indépendants de maio desse ano, Derain e Braque apresentaram quadros inspirados no novo estilo de Picasso que causaram um grande impacto entre a crítica. A Picasso indignou-lhe que se fizesse a primeira exhibición de arte cubista sem que se reconhecesse seu papel como fonte de inspiração; especialmente Mulher (1908), um nu de Braque muito recente, que não tinha comentado com ninguém, nem sequer com Picasso. Depois de clausura-a do Salão, Braque marchou a L'Estaque até setembro. Os elementos africanos foram cedendo terreno na obra de Picasso em benefício de efeitos de relevo influência de Cézanne, quiçá relacionados com o reductivismo cezannista das paisagens de Braque.^[53]

Seu amigo o pintor alemão Wieghels suicidou-se no Bateau-Lavoir, depois de uma velada na que consumiu um excesso de drogas variadas; esta tragédia convenceu a Picasso e Fernande de abandonar o consumo de opio ; Composição com cabeça de morto (Museu do Hermitage, San Petersburgo),^[54] finalizado no final de primavera, poderia ser uma commemoración da morte de Wieghels.^[53]

Durante o verão, Braque elabora em L'Estaque uma série de paisagens cubistas nos que mais que uma inspiração, a ruptura da perspectiva mecanizada de Cézanne é considerada uma iniciación pelo pintor. Picasso alugou uma granja na Rue dês Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, a 60 quilómetros ao norte de Paris; Fernande mencionou que Picasso procurava com este retiro superar o estado de agitación nervosa que a morte de Wieghels lhe tinha provocado.^[53] Ambos artistas começaram a representar a sensação de relevo mediante a aplicação arbitrária das luzes e sombras em detrimento da hachura naturalista; as formas simplificaram-se ao extremo, com uma maior e mais profunda esculturalidad nos quadros de Picasso, cuja paleta se restringiu a uma faixa de marrones, cinzas e verdes.^[55] Nas paisagens de Picasso apreciam-se influências de Henri Rousseau (1844-1910) e um primitivo Cezanne.

Matisse baptiza o Cubismo. Período verde

Quando em setembro Braque apresentou suas paisagens ao Salão de Outono o júri, entre cujos membros estava Matisse, recusou as obras. Segundo Apollinaire, Matisse foi o primeiro em aplicar os termos "cubista" e "cubismo", ao recusar as obras de Braque apresentadas ao Salão, Esta história é considerada desde 1912 a origem oficial do movimento. Josep Palau i Fabre assinala que em outono de 1908 se iniciou o que denomina período verde de Picasso: os bodegones que o malagueño pintou nessa época mostram uma estilización formal que se deve possivelmente à aplicação dos postulados cezanescos, segundo os quais as formas deviam se reduzir a cones, cilindros e esferas. Esta esquematización geométrica não leva consigo uma perda de corporeidad nos objectos representados, pelo que pode falar de um relevo plano.^[56] Durante todo o verão e no mês de outubro completou a versão final das Três mulheres (Museu do Ermitage, San Petersburgo),^[57] onde as influências africanas dos primeiros estudos do quadro se diluyen no novo estilo do período verde.

O banquete de Rousseau

Depois da exposição das obras de Braque na galería de Daniel-Henry Kahnweiler, que foi melhor recebida pela crítica que suas obras apresentadas ao Salon dês Indépendants, Picasso organizou no Bateau-Lavoir um banquete em honra a Rousseau , para celebrar que acabava de comprar uma obra do pintor, Retrato de uma mulher, por cinco francos. Durante esse inverno o intercâmbio de ideias entre Braque e Picasso incrementou-se até um nível diário, ao mesmo tempo em que sua amizade consolidava-se. O bodegón de frutas, um emblema de Cézanne, era um dos temas que ambos pintores compartilhavam neste momento: Lhe compotier (Plato de fruta) (MoMA, Nova York), Natureza morrida com pescados e garrafas (Musée d'Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d'Ascq).^[58] Também trabalhou durante o inverno no Carnaval no bistrot, que cristalizaria a princípios de 1909 em Pains et compotier aux fruits sul une table ("Pães e frutero com frutas sobre uma mesa") (Museu de Arte de Basilea).^[53]

Cubismo analítico

Volta a Horta de Sant Joan

Picasso começa a ser apreciado pelos coleccionistas; amigo dos Stein, que acabam de lhe comprar as Três mulheres, o suíço Hermann Rupf comprou várias obras suas, e Dutilleul (cliente também de Braque) iniciou sua colecção. Em março de 1909 publicou-se no Mercure de France um artigo de Charles Morice no que pela primeira vez aparece impresso o termo Cubismo. Em maio, Picasso e Fernande foram a Barcelona a visitar à família e velhos amigos; pintou um Retrato de Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts) no estudo de seu amigo. Posteriormente transladaram-se a Horta de Sant Joan, onze anos após sua primeira visita.^[59] Ali pintou e desenhou naturezas morridas e numerosos retratos de Fernande, entre eles Femme nue dans um fauteuil (Mulher nua em um cadeirão) e Buste de femme (Fernande) (Busto de mulher - Fernande), (Hiroshima Museum of Art). A série de retratos de Fernande iniciada em Paris culminam em Femme aux poires (Fernande) (Mulher com peras - Fernande), (MoMA, Nova York). Também realizou seis grandes paisagens, entre eles Lhe réservoir (Horta d'Ebre) (O embalse - Horta de Ebro) (MoMA, Nova York); [Briqueterie à Tortosa] Pressoir d'olive à Horta de Sant Joan (L'usine) (A fábrica de Horta), (Museu do Ermitage, San Petersburgo e Maisons sul a colline (Horta de Ebro) (Casas na colina - Horta de Ebro), (Neue Nationalgalerie, Berlim).^[60] São os inícios do cubismo analítico, deudor dos conceitos de relevo, «perspectiva inversa» e modelagem de Cézanne.

Nas obras que pintou em Horta as árvores e formas naturais foram obviadas, e a rocha superficialmente amorfa foi analisada e rompida em planos para depois reconstruir mediante a sobreposição dos planos; em alguns casos a geometrización estende-se ao céu, e o conjunto oferece uma composição rigorosa com uma profundidade que não inveja à perspectiva tradicional. O uso da luz é completamente arbitrário, usado estritamente para acentuar os contornos e afiar os relevos. Não obstante, o cubismo analítico é ainda uma revisão e não uma rejeição da tradição; o quadro segue sendo uma janela ilusoria a um mundo representado, reconstruído. O cubismo sintético constituirá uma negación da tradição européia; o collage romperá a inviolabilidad da superfície do quadro e a representação da realidade deixará de ser o objectivo do quadro para ser seu ponto de partida.^[61]

Translado ao Bulevar de Clichy

Em setembro transladou-se a Paris, ao nº 11 do bulevar de Clichy. Voltou carregado de obras do novo estilo, e pese à rejeição de público e crítica na exposição que organizou Vollard com elas, o selecto grupo de coleccionistas encabeçado por Gertrude Stein e Shchukine seguia a comprando. Encerrado em seu novo estudo, seguiu desenvolvendo o cubismo, que nesse momento compartilhava além de com Braque, com um grupo de artistas de Montmartre fortemente influenciados pelo novo estilo entre os que estavam Derain, o espanhol Juan Cinza e Léger. O cubismo estendia-se por Europa, com o constructivista e suprematista Malevich na Rússia e Mondrian nos Países Baixos, ainda que estes dois últimos mostravam sérias diferenças com o estilo de Picasso: segundo Penrose, sua perseguição de uma geometria pura das formas afastava-lhes do sujeito pictórico para a abstracção, algo que não fazia parte dos instintos de Picasso, para quem eliminar os símbolos e as alusões poéticas da pintura era uma forma de castración; também inspirou aos Futuristas liderados por Marinetti na Itália e os Vorticistas na Inglaterra, que basearam sua teoria estética na forma e o movimento e ritmo mecânicos, tentando introduzir o tempo na representação pictórica. Mas Picasso não procurava o desenvolvimento de teorias ou escolas; sua necessidade era a ruptura com o passado e dar à obra de arte sua própria vida interna.^[62]

No estudo de Manuel Hugué fez esculturas como Tête de Fernande (Cabeça de Fernande),(Museu Picasso, Paris), inspirada nas teias que pintou em Horta.^[59] Fernande não se sentia a gosto com as mudanças que se produziam em seu meio e estilo de vida, sentia falta a espontaneidad de seus primeiros tempos juntos.^[63]

Os retratos cubistas

Já em 1909 Picasso realizou uma série de retratos nos que o rigor em sua disciplina de busca de uma nova concepção do espaço lhe conduziu a uma redução progressiva no uso da cor; nas paisagens de Horta e em Femme qui coud (Mulher que costura) (Collection Claire B Zeisler, Chicago), pintado durante o inverno de 1909 a 1910, a paleta se restringiu a ocres, cinzas e verdes, até eliminar esta cor e entrar em uma monocromía que em ocasiões se rompia com subtis gradaciones de cinzas e ocres. Em 1910, pintou entre outros os retratos de Ambroise Vollard (Moscovo, Museu Pushkin),^[64] Wilhelm Uhde (St.Louis, Colecção Pulitzer)^[65] e Daniel-Henry Kahnweiler (Art Institute of Chicago), nos que, apesar de sua tendência progressiva a pintar com o olho do pensamento mais que directamente da natureza, trabalhou em numerosas sessões com os modelos, a semelhança do de Gertrud Stein anteriormente; apesar do progressivo processo de segmentação analítica do espaço e a forma, Picasso captava a fisonomía das personagens.^[66]

Picasso e Fernande passaram o verão de 1910 em Cadaqués (Gerona, Espanha), onde seu amigo Ramón Pichot passava as férias; alugaram uma casa a pé de mar, e uniram-se-lhes Derain e sua esposa. Depois das férias, Picasso voltou carregado de obras inacabadas nas que se fez patente um avanço para a nova linguagem do cubismo;^[67] no Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler^[68] que pintou depois das férias a personagem é tratada como uma estrutura tridimensional que se manifesta em elementos trastocados no espaço em uma trama transparente, vista desde múltiplos ângulos e ainda assim conformando uma totalidade coerente,^[69] como também sucede em quadros como Femme nue debout (Mulher nua em pié) (Philadelphia Museum of Art)^[70]

O inverno de 1910 a 1911 Picasso e Braque mantiveram uma colaboração tão estreita que é difícil aventurar a origem das ideias que ambos puseram em marcha, e ao não assinar os quadros teve momentos em que se lhes fez difícil distinguir a própria obra da do outro; à medida que avançavam em sua análise do objecto, Picasso e Braque sentiam perder a referência com sua realidade reconocible. Esta inclusão de elementos da realidade em suas composições cubistas conduziu-lhes posteriormente ao trampantojo ou trompe l'œil, e de aqui à invenção do collage, com o que rompiam com a tradição de não empregar mais de um médio para uma obra e punham em questão os princípios da pintura mesma.^[71]

Reconhecimento do cubismo

Picasso viajou a Céret , um povo na Cataluña francesa, em julho de 1911. Fernande Olivier e Braque reúnem-se com ele em agosto, e ambos pintores prosseguiram com sua estreita colaboração na definição do cubismo. Realizaram vários quadros nos que introduziam a cabeceira do jornal local em suas obras, com uma tipografía gótica reconocible, como L'éventail ('L'Indépendant') (colecção privada, Ascona, Suíça).^[72] O 5 de setembro Picasso regressou a Paris e no Salão de Outono de 1911 apresentou uma sala cubista, da qual tanto ele como Braque estiveram ausentes. Este facto chocou entre a imprensa de Nova York, Madri e Amsterdã, que cobriam o evento, já que era sabido que eles eram os fundadores do estilo; publicaram-se vários artigos e ensaios em torno de Picasso e Braque por toda a Europa. A relação com Fernande tinha-se deteriorado, e em outono desse ano Picasso conheceu a Eva Gouel (Marcelle Humbert), até o momento casal sentimental do pintor polaco Louis Markus, à que chamou ma jolie (minha bela) em várias de suas pinturas.^[73]

Os primeiros collages e as primeiras montagens realizou-os em 1912, Nature morte à a chaise cannée (Paris, Museu Picasso ), Guitare (s) em carton (Paris, Museu Picasso). O 18 de maio, deixou Céret e partiu pára Aviñón e o 25 de junho transladou-se a Sorgues . Residiu em 242 do boulevard Raspail. Picasso e Daniel-Henry Kahnweiler assinaram o 18 de dezembro uma carta-contrato. O 10 de março de 1913 foi com Eva Gouel a Céret. Pintou Lhe Verre d'absinthe na primavera de 1914. Eva faleceu o 14 de dezembro de 1915.

No cubismo sintético, foge da cor e utiliza a perspectiva dos planos e as transparências das formas. A libertação do tema tem seu ponto culminante no período hermético, há um adeus definitivo à natureza, tão utilizada pelo artista até o momento. Terminando com um período de cristal onde o quadro passa a ser um jogo de formas coloridas no espaço e a mente do genial pintor.

Uma viagem a Itália, coincidindo com o fim da Primeira Guerra Mundial, Picasso estuda as obras da Roma antiga, Pompeya e o Renacimiento. Além de seu contacto com os ballets russos, fazem que o artista se interesse por estes temas começando assim a chamada Etapa clássica. É o momento das mascaras, onde o genial pintor, com um desenho espléndido, inmoviliza a expressão das caras, e passa a um segundo lugar as outras partes da figura humana.

Os Balets russos

Durante a Primeira Guerra Mundial, Picasso residiu em Roma com Jean Cocteau, a partir de 17 de fevereiro de 1916. Instalou-se em Via Margutta, desde onde se vê a Villa Médicis. Entre outros retratos pintou: O italiano, O arlequín e A mulher do colar. Em maio, Cocteau, apresentou a Diaghilev a Picasso. Trabalhou como desenhador do ballet Parade de Léonide Massine e nos Balets russos de Serge Diaghilev, com música de Erik Satie. Conheceu a Stravinsky e à bailarina Olga Khokhlova com a que se casou. No final de março de 1917, viajou a Nápoles e a Pompeya e regressou a Paris no final de abril. O 18 de maio a premiere do Parade teve lugar em Chatelet. Depois, em junho, Picasso partiu para Madri com a troupe de Diaghilev e Olga, e o 12 de julho ofereceu-se um banquete em sua honra em Barcelona .

Desde o 23 de janeiro até o 15 de fevereiro de 1918, Picasso expõe com Matisse na galería de Paul Guillaume. Casou-se com Olga na igreja russa de Paris no dia 12 de julho. Cocteau, Max Jacob e Apollinaire foram suas testemunhas. Durante uma visita a Biarriz , pintou As bañistas (Paris, Museu Picasso).

Em maio de 1919, Picasso partiu para Londres a trabalhar no ballet O Tricornio com música de Manuel de Falha. Durante o verão, residiu em Biarriz em casa da Sra. Errazuriz, depois transladou-se com Olga a Saint-Raphael na (Costa Azul).

Seu filho Pablo nasceu o 4 de fevereiro de 1921. Durante o verão, transladou-se com Olga e Pablo a Fontainebleau . Pintou As mulheres na fonte (Paris, Museu Picasso e Nova York Museu de Arte Moderno) e Os três músicos (Nova York Museu de Arte Moderno de Filadelfia e o Museu de Arte ). Em junho de 1922, durante uma visita a Dinard (Bretaña, Costa da Mancha), pintou Duas mulheres correndo pela praia (A carreira) (Paris, Museu Picasso). Depois, em dezembro, realizou o decorado para Antígona de Cocteau . Em 1923, passou a temporada veraniega na Costa Azul (Cabo de Antibes) e pintou A flauta de Pan (Paris, Museu Picasso). E é no verão de 1924, enquanto reside na Villa A Vigie Juan-lhes-Pins (Costa Azul), quando fez seu livro Carnet de dessins abstraits e quando pintou Paul de arlequin (Paris, Museu Picasso).

Durante este período dos anos 1920, em um clima de reconhecimento popular, pintou quadros marcados pela volta à figuración e ao clasicismo: Três mulheres na fonte (1921), e as obras inspiradas na mitología como A flauta de Pan (1923).

Surrealismo

No ano 1925 foi de uma ruptura radical na produção do pintor. Pintou quadros muito violentos mostrando criaturas deformes, convulsivas, presas de uma raiva histérica: Mulher em um cadeirão (1926) e Bañista sentada (1930). A influência dos poetas surrealistas foi indudable, nesse desejo de retratar o pessoal inferno interior. No entanto, Picasso adopta um enfoque mais pragmático que o "sonho desenhado na tela" dos surrealistas.

Em junho-julho de 1925, completou Dança-a e pintou Lhe Baiser. O 14 de novembro, participou na primeira exposição surrealista na Galerie Pierre. Em 1926 realizou O pintor e seu modelo, que marcou seu reencuentro com Marie-Therese Walter no final deste ano, ainda que ela era ainda menor.^[74] Pintou Guitare (s) à clous.

Executa o grande collage do Minotauro em janeiro de 1928. Picasso precisou ajuda técnica, em particular para fazer as maquetas do Monumento a Guillaume Apollinaire, pedido que recebeu em 1922. Em uns poucos anos dantes tinha renovado sua amizade com o escultor catalão Julio González, com quem se reencontró em Barcelona na época de Els Quatre Gats e que vivia em Paris desde 1900. Picasso pede-lhe ajuda, e começa uma fructífera colaboração técnica desde 1928 até julho de 1932, em torno das esculturas de ferro forjado e soldado.^[75] Na primavera de 1929 esculpe em ferro soldado A mulher no jardim na oficina de González. É o ano também das últimas férias em Dinard . Pintou o Grand nu au fauteuil rouge, e em fevereiro de 1930, Crucifixión. No outono de 1930, Marie-Therese transladou-se ao número 44 da rua Boétie. Comprou o castelo Boisgeloup cerca de Gisors , situado a 80 km ao noroeste de Paris em junho, e instalou-se ali até o final de 1932.

Em janeiro de 1931 pintou Deux figures au bord da mer e em março, Nature morte sul um guéridon. Nesse ano também se publicaram dois importantes livros ilustrados por Picasso: A Metamorfosis de Ovidio (Lausanne, Skira) e Lhe Chef d'œuvre inconnu de Balzac (Paris, Ambroise Vollard).

Em 1932 termina Jovem adiante do espelho. Levou-se a cabo em junho uma retrospectiva na Galerie Georges Petit, então o Kunsthaus Zurich. Picasso trabalha em Boisgeloup as cabeças talhadas de Marie-Therese e a série de desenhos A Crucifixión de Grünewald .

O primeiro número do Minotauro, com uma portada de Picasso, apareceu em maio de 1933. Passou as férias de verão 1933 em Cannes com Olga e Pablo. Em setembro, pintou em Boisgeloup A morte de um torero.

De junho a setembro de 1934 fez umas séries de touros, pintadas, desenhadas e gravadas. Em agosto, viaja a Espanha com Olga e Pablo, e foi aos touros em Burgos e Madri. Visitou o Museu de Arte catalão Barcelona. Fez as esculturas: Femme au feuillage e Femme à l'orange. Na primavera de 1935, a galería de exposições Pierre expõe os papiers collés. Gravou Minotauromaquia. Separou-se de Olga em junho e em outubro nasceu Maya Picasso, sua filha com Marie-Therese Walter.

Fez os desenhos à água e outros sobre o tema do Minotauro. Nesse mesmo ano, ao começo da Guerra Civil Espanhola, foi nomeado director de Museu do Prado de Madri . A princípios de agosto, Picasso partiu pára Mougins e reuniu-se com Doura Maar.

Guernica e pacifismo

Em janeiro de 1937 o arquitecto catalão Josep Lluís Sert pediu-lhe que colaborasse com um grande mural para o pavilhão da Segunda República Espanhola da Exposição Internacional de Paris. O governo eleito do país enfrentava-se a uma possível derrota durante a Guerra Civil Espanhola pelos Nacionais de Franco , apoiados pela Alemanha nazista e a Itália fascista. A república tinha a esperança de demonstrar ao mundo que eram eles os que representavam ao povo espanhol e seus lucros. Picasso, que em 1936 tinha aceitado o convite do então presidente da república Manuel Azaña de se converter em director honorario do Museu do Prado em Madri ,^[76] se mostrou reluctante em um princípio, tanto pelo tamanho do projecto como porque nunca tinha aceitado dantes um encarrego com carácter propagandístico. Doura Maar encontrou em fevereiro um estudo muito grande no nº 7 da rue dês Grands-Augustins, onde Picasso podia levar a cabo o projecto.^[77]

Nesse mesmo ano realizou Sonhos e mentiras de Franco, dois gravados com um formato semelhante à banda desenhada ou às aleluyas espanholas,^[78] com um total de dezoito cenas, pensadas para ser reproduzidas como estampas ou postales, nas que denunciava o golpe de estado fascista e assinalava os crimes da guerra, descrevendo a Franco como uma figura malvada e grotesca. A partir de junho seria acompanhado pelo poema do mesmo nome, com caricaturas do general Franco.^[77]

O 26 de abril de 1937 produziu-se o brutal bombardeio da localidade de Guernica por parte da alemã Legión Cóndor a petição de Franco. Picasso, que até então não tinha muito claro o tema para o quadro, se inspirou neste facto para desenvolver o mural do pabellon da Segunda República, e se embarcou o 1 de maio na criação de uma de suas obras mais famosas: Guernica (Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madri), que foi finalmente exposto no Pavilhão de Espanha na Exposição Internacional.^[79] Doura Maar fotografou o processo e os diferentes estádios do quadro, que Picasso finalizaria a princípios de junho. O quadro simboliza todo o horror da guerra e a tragédia da morte de muitas vítimas inocentes.^[80]

Também na contramão da guerra, com motivo de sua adesão ao Conselho Mundial da Paz pintou o famoso A pomba da paz em 1949. Recebeu o prêmio internacional da paz em 1955.

De outubro a dezembro de 1937, pintou A mulher que chora (Paris, Museu Picasso). Depois em 1938, fez um grande collage, Lhes Femmes à leur toilette (Paris, Musee National d'Art Moderne). Em julho de 1938, vai a Mougins com Doura Maar. Em julho de 1939 foi com Doura Maar a viver com Man Ray em Antibes , onde fez Pêche de nuit à Antibes (Museu de Arte Moderno de Nova York). A partir de setembro de 1939 até princípios de 1940, pintou em Royan o quadro Séquence de femmes au chapeau.

Entre 1942 e 1943 realizou a montagem, cabeça de touro (Paris, Museu Picasso), A Aubade (Paris, Musee National d'Art Moderne), L'Homme au mouton (Paris, Museu Picasso). Conheceu a Francoise Gilot em maio de 1943.

Compromisso com o Partido Comunista

Depois do final da Segunda Guerra Mundial, seus quadros voltaram-se mais optimistas, mais alegres, mostrando, como o título de uma série de 1946, a alegria de viver que se sentia então.

Picasso vive com Marie-Therese durante a insurrección de Paris em agosto de 1944. Incorporou-se em outubro ao Partido Comunista Francês e também em outubro abriu o Salão de Outono e a retrospectiva de Picasso.

O Osario (Nova York Museu de Arte Moderno) pintou-o em abril e maio de 1945 a partir da lembrança da descoberta em dezembro de 1944, do corpo de seu amigo ajusticiado, o jovem poeta surrealista Robert Rius. Picasso partiu com Doura Maar para Cap d'Antibes em julho, e o 26 de novembro Françoise voltou a conviver com Picasso.

Finalizada a guerra, o meio de amizades de Picasso estava composta por artistas e intelectuais comunistas, o que marcou em verdadeiro sentido ao menos uma parte de sua obra entre 1946 e 1953.

Período de Vallauris

Vallauris e a cerâmica

Em 1946, Picasso e Françoise foram viver-se a Golfe-Juan, visitou a Matisse em Niza . A primeiros de julho marchou a Ménerbes (Vaucluse) com Françoise, à casa que tinha dado a Doura Maar. Recebia cartas a diário de Marie-Thérèse. Françoise estava a contragosto e marchou-se às três semanas em autostop a Marselha, com uns amigos; Picasso encontrou-a no caminho e pediu-lhe que voltasse, sugerindo que tivessem um filho. Visitaram Vallauris, onde modelou três peças de cerâmica na oficina de alfarería Madoura, de Georges Ramié.^[81] A sua volta a Golfe-Juan em agosto, Françoise estava grávida. Picasso tinha conhecido a Romual Dor da Souchère, conservador do Museu de Antibes, no Palácio Grimaldi, mas ele prefere decorar o museu; entre setembro e outubro pintou vinte e dois painéis para o palácio, que mais tarde seria Museu Picasso de Antibes, com temas marinhos e composições mitológicas. Os estudos de faunos e figuras clássicas culminaram no tríptico A joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes),^[82] título que tomou prestado de seu amigo Matisse, para um quadro que reflete a felicidade que compartilhava naquela época com Françoise. Em outubro coincidiu durante a primeira edição do Festival de Cinema de Cannes com Breton, recém retornado do exílio nos Estados Unidos. Breton, que se tinha negado em agosto a lhe saudar quando coincidiram em Golfe-Juan, desairó de novo a Picasso por seu afiliación ao Partido Comunista; não voltaram a se ver nunca mais. Este gesto foi preludio à ruptura violenta entre os surrealistas e o Comunismo desde 1947.^[83]

Nascimento de Claude

Em 1947 trabalhou naturezas morridas com o tema búho em uma cadeira, e gravados de faunos, centauros e bacantes, seguindo a temática do verão em Antibes; no final de janeiro, finalizou o oleo Monumento aos espanhóis morridos por França (Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madri),^[84] que iniciou no final de 1945. Em fevereiro iniciou a série de quarenta e um aguafuertes e aguatintas para a edição de Luis de Góngora e Argote: Vingt Poèmes (Vinte poemas), publicado em Paris por Lhes Grands em 1949.^[85] No final de março fez várias litografias sobre o David e Betsabé de Lucas Cranach o Velho (1472–1553).^[86] O 15 de maio nasceu em Paris seu filho Claude, nome que decidiu Françoise em honra de Claude Gillot, maestro de Watteau . O casal passava a cada vez menos tempo no estudo de Paris e mais em Golfe-Juan, onde se transladaram com o menino no final de junho; em agosto voltou a visitar a oficina de cerâmica de Georges Ramié em Vallauris, e iniciou uma intensa produção, ao redor de duas mil peças entre outubro de 1947 e 1948, introduzindo inovações formais, técnicas e colorísticas que conduziram a uma revitalización da indústria cerâmica da cidade, que declinaba desde a Primeira Guerra Mundial. Em pintura e gravado realizou umas poucas obras tão só até final de ano; seguiu o trabalho sobre os gravados para os Vingt Poèmes de Góngora , alguns retratos de Françoise e naturezas morridas. Em dezembro realizou os palcos para Oedipus Rex, de Sófocles , dirigida por Pierre Blanchar.^[87]

A Galloise, Vallauris

Na primavera de 1948 Picasso e Françoise abandonaram o apartamento que ocupavam em Golfe-Juan, e Picasso iniciou em maio a realização de uma série de trinta e oito gravados e quatro aguatintas para ilustrar Carmen, de Próspero Mérimée (Paris, A Bibliothèque Française), que finalizaria em novembro. No verão mudaram-se a uma pequena casa chamada A Galloise, nas colinas que rodeiam Vallauris. Françoise estabeleceu um diálogo artístico aberto com Matisse, através de correspondência e das visitas que realizavam ao artista. Picasso finalizou o poema em seis actos Lhes Quatre Petites Filles, que começou a escrever em novembro de 1947. O 25 de agosto Picasso foi ao Congresso de Intelectuais pela Paz em Breslavia , regressando a Vallauris em meados de setembro. Em outubro voltou a seu estudo em Paris, com Françoise de novo grávida. Começou a trabalhar o tema da mulher-flor e várias naturezas morridas. Pintou duas versões da Cuisine (A cozinha), um se encontra no Museu Picasso de Paris e o outro no MoMA de (Nova York), composições lineares construídas mediante ritmos e linhas de força, com um uso escasso da cor.^[88] Em dezembro realizou vários retratos de seu filho Claude, e plotou vinte e sete modelos de Femme assise dans um fauteuil, série na que Françoise luze um abrigo que Picasso lhe trouxe da Polónia, e que continuou durante janeiro de 1949.^[88] Também continuou trabalhando em naturezas morridas com crustáceos; Nature morte au poron (Natureza morrida com porrón, Galerie Fabien Boulakia), Lhe grand homard rouge (O grande bogavante vermelho, colecção privada).^[89]

Pomba

Em fevereiro de 1949 Louis Aragon foi ao estudo parisino de Picasso a seleccionar um desenho para o cartaz do Congresso Mundial de Partisanos pela Paz que tinha de se celebrar em Paris em abril do mesmo ano. A colombe, um desenho a lápis azul sobre papel, foi o motivo escolhido por Aragon, e a imagem foi conhecida rapidamente como A pomba da paz.

Em março iniciou uma série de quadros de Françoise sentada, com o título Femme assise,(Mulher sentada). Em primavera voltou brevemente a Vallauris e comprou uma fábrica de esencias abandonada para usá-la como estudo, e utilizou algumas habitações para armazenar seu trabalho em cerâmica. Também começou a colectar objectos e cachivaches, que posteriormente reutilizaria em diferentes peças. Intensificou seu trabalho em escultura, que tinha retomado no ano anterior: Femme enceinte (Mulher grávida) figura uma forma feminina a partir de uma vara de metal longa, à que acrescentou dois braços acima e duas pernas abaixo, e um ventre inchado com dois pequenos peitos no centro. Realizou de novo uma série de obras inspiradas em quadros de Lucas Cranach o Velho: as litografias Vénus et l'Amour (Cranach) (Vénus e Amor (Cranach)); Jeune fille inspirée par Cranach (Rapariga inspirada por Cranach), propriedade de Christie's e David et Bethsabée (Cranach) VII (David e Betsabé (Cranach) VII), do Museu Picasso de Paris. As variações de Picasso sobre o David e Betsabé de Cranach tiveram sua origem em uma reprodução em alvo e negro do catálogo de uma exposição de 1937 sobre o artista realizada em Berlim, que Kahnweiler lhe tinha presenteado.^[90]

O 19 de abril de 1949 nasceu sua segunda filha, no dia da abertura do Congresso pela Paz, e decidiu chamá-la Pomba em honra ao símbolo que criou para os cartazes que apareciam por todas as ruas de Paris. Depois do parto, Françoise retomou seu trabalho como pintora, e Kahnweiler lhe ofereceu um contrato para ser seu marchante em exclusiva.^[91] Picasso voltou seu interesse para a pintura, deixando um pouco de lado a cerâmica e centrando sua inspiração em seus filhos Claude e Pomba. A família retornou a Vallauris em outono, e Picasso, perdido um pouco o interesse pela cerâmica, voltou à pintura e a escultura de um modo mais concentrado, realizando vários bronzes, alguns de motivos africanos. Durante o ano seguinte a escultura ocupou a maior parte de seu tempo.^[92]

O 6 de agosto de 1950 Laurent Casanova inaugurou a exposição L'Homme au mouton em Vallauris. Picasso fez A cabra, A mulher do cochecito e Menina saltando à sensata. O 15 de janeiro de 1951, pintou Massacre na Coréia. Em 1952 , desenhou A guerra e A paz para decorar a capilla de Vallauris, escreveu uma segunda obra de teatro: Lhes Quatre Petites Filles.

Em abril de 1954 fez os retratos de Sylvette David. Em dezembro começou a série de variações sobre As mulheres de Argel de Delacroix . Instalou-se em maio de 1955 com Jacqueline Roque na villa A Califórnia em Cannes . Em junho, celebrou-se uma retrospectiva no Museu de Artes Decorativas. Durante o verão trabalhou com Henri-Georges Clouzot para o filme Picasso Mystère.

Em 1956 realizou Os Bañistas, esculturas em madeira (Stuttgard, Staatsgalerie) que depois foram esculpidas em bronze. Pintou A oficina da Califórnia. O 17 de agosto de 1957 começou a trabalhar nas Meninas (Barcelona, Museu Picasso). O 29 de março de 1958 apresentou-se a decoración para a Unesco: A queda de Ícaro. Em setembro, Picasso comprou o castelo de Vauvenargues e pintou A baía de Cannes.

Casou-se com Jacqueline em Vallauris o 2 de março de 1961, e em junho transladou-se a Notre-Dá-me-de-Vie em Mougins (cerca de Cannes). Fez: A Femme aux bras écartés, A cadeira, A mulher e os meninos, Os Futebolistas. Em novembro de 1962 pintou O rapto das sabinas do qual uma versão está no Museu Nacional de Arte Moderno de Paris. A inauguração da retrospectiva no Grand Palais e no Petit Palais teve lugar o 19 de novembro de 1966.

Em janeiro de 1970, o Museu Picasso de Barcelona recebeu a doação das obras conservadas por sua família. Uma exposição sua teve lugar no Palácio dos Papas de Aviñón de maio a outubro. Em abril de 1971 a Galería Louise Leiris expôs 194 desenhos realizados entre o 15 de dezembro de 1969 e 12 de janeiro de 1971. Nova exposição na galería Louise Leiris em janeiro de 1973, mostrando os 156 aguafuertes realizados entre fins de 1970 e março de 1972.Em 1973 morreu.

Obras

A primeira comunión (1895-1896) Mulher com mantilla (1894), Museu Picasso Málaga Autorretrato mau peinado (1896) Museu Picasso de Barcelona Autorretrato com o cabelo curto (1896), Museu Picasso de Barcelona Autorretrato (1899-1901) Autorretrato Eu, Picasso (primavera 1901), colecção particular (New York) Maternidade, Picasso (1901) A morte de Casagemas (1901) Autorretrato : Eu (1901), John Há Whitney Collection (New York) Em um café (1902) Autorretrato 1901 (fim 1901), Museu Picasso (Paris) a Sra. Costumar (1903), Pinakothek der Moderne, Munique Dama em Eden Concert (1903) Repasseuse(1903) A Tragédia (1903) A vida (1903) Retrato de Jaime Sabarté (1904) Retrato de Suzanne Bloch (1904), museu de Sao Paulo. Chico com pipa (1905), collection particulière Arlequin, sentado (1905) Os Saltimbanquis (1905) A Femme à l'éventail (1905) Garçon á a Collerette (1905) colecção privada Retrato de Benedetta Canals (1905) Retrato de Gertrude Stein (1906) Cabeça de homem jovem (1906) Cabeça de mulher (1906) Dois nus (1906) Autorretrato (primavera 1906), Gellman Collection (México) Autorretrato (verão 1906), colecção particular Autorretrato com a paleta (verão/otono 1906), Philadelphia Museum of Art (Philadelphie) Marin, roulant une cigarette (1907) Autorretrato (Verão 1907), Národni Gallery (Prague) As señoritas de Avignon (1907), Museu de Arte Moderno de Nova York (New York) Nu amarelo (1907) Coupe dês fruits avec dês poires et dês pommes (1908) Casas sobre uma colina (Horta de Ebro) (1909) Mulher em verde (1909), Abbemuseum, Eindhoven, Países Baixos Cabeça de mulher (Fernanda) (1909), Stadel Museum à Francfort. Retrato de Georges Braque (1910) Violon (1912) Nature morte à a chaise cannée (primavera de 1912), Musée Picasso (Paris) Guitare et journal (1916) Arlequin, (1917, Museu Picasso de Barcelona). Olga Kokhlova à a mantille (1917), Museu Picasso Málaga As Bañistas (1918) Nature morte devant une fenêtre à St. Raphael (1919) Retrato da família Sisley (1919) Baignants (1920)

Os Três Músicos (1921), Museum of Modern Art (New York) Maternidade (1921-1922), Museu Picasso Málaga Retrato de Paulo com gorro branco (1923), Museu Picasso Málaga Olga au col de fourrure (1923), Palais dês Beaux-Arts de Lille Paul em Arlequin (1924) Museu Picasso (Paris) Nature morte à a charlotte (1924), Centre Georges-Pompidou (Paris) Buste de jeune fille (1926), retrato de Marie-Thérèse Walter no Musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg. Marie-Thérèse à 21 ans dessin dérobé em février 2007 collection privée de Diana Widmaier, petite-fille du peintre. Grand nu au fauteuil rouge (1929), Museu Picasso de Paris Lhe Sculpteur (1931) [A Lecture] (1932) Nu, folhas verdes e busto, retrato de Marie-Thérèse Walter (1932) Corrida : a mort da femme torero (1933) Minotauromachie (1935) Femmes lisant (1935) A Dépouille de Minotaure em costume d'Arlequin rideau de scène da pièce de Romain Rolland, Lhe 14 juillet, Lhes Abattoirs de Toulouse Guernica (1937) museu Reina Sofia (Madri) Maya à a poupée (1937), colecção privada de Diana Widmaier, petite-fille du peintre (dérobé em février 2007, retrouvé lhe 7 août 2007) Femme assise sul a plage (1937) Musée dês Beaux-arts, Lyon (legs Jacqueline Delubac 1997) Maya à a poupée et au cheval de bois, 22 de janeiro (1938) A femme qui pleure (1937) Portrait de femme au col vert (1938), Museu Picasso Málaga Doura Maar au chat (1941), colecção particular, comprado por 9,2 milhões de euros em maio de 2006. A pomba da paz (1949) Buste de femme, lhes bras croisés derrière a tête (1939), Museu Picasso Málaga Lhe Pull-over jaune (1939) Femme dans um fauteuil (1946), Museu Picasso Málaga A Joie de vivre (1946) A Colombe da paix (1949) Massacre em Corée (1951) Madame Z ou Jacqueline aux fleurs (1954), colecção particular Jacqueline au rocking-chair (1954), pinacoteca de Paris Jacqueline assise (1954), Museu Picasso Málaga Jacqueline em costume turc (abril de 1955), colecção particular Jacqueline assise (1955) As Pombas (1957) Portait de Jacqueline, 11 de fevereiro de 1961, colecção privada de Diana Widmaier, Homme assis (autorretrato) (1965), colecção particular Lhe Matador (1970) Baigneuse (1971), Museu Picasso Málaga Autoportrait (30 de junho de 1972), Fuji Television Gallery (Tóquio) Tête d'Arlequin, vendido por 15,16 milhões de dólares em 2007. Mousquetaire et nu assis vendido em um leilão por 9,954 milhões de euros em junho de 2007. As meninas (1957)

Escritura e livros ilustrados

Em 1931 participou na publicação de duas grandes obras ilustradas com estampas. Por um lado, As Metamorfosis de Ovidio , com trinta gravados ao aguafuerte e A obra mestre desconhecida de Balzac , com 13 gravados ao aguafuerte. Ao todo, Picasso ilustrou mais de 150 livros durante sua vida, incluindo obras mestres do século XX: o Cantar dos mortos de Reverdy com 125 litografias, A Celestina, com 66 aguafuertes e aguatintas, vinte poemas de Góngora, com 41 aguafuertes e aguatintas, A História natural de Buffon com 31 gravados ao aguatinta, a tauromaquia com vinte e sete gravados ao aguafuerte e aguatinta.

Durante a Segunda Guerra Mundial, Picasso escreveu em 1941 uma obra de teatro de estilo surrealista, O Desejo atrapado pela bicha, do que fará uma leitura em março de 1944 em casa de Michel Leiris com seus amigos Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris e Pierre Reverdy entre outros. A obra estreou-se finalmente em julho de 1967. Também escreveu outras duas obras literárias: As quatro meninas e O enterro do Conde Orgaz.

Filhos

• Paulo Picasso (4 de fevereiro de 1921 - 5 de junho de 1975) - com Olga Khokhlova
• Maya Widmaier-Picasso (5 de setembro de 1935) - com Marie-Thérèse Walter
• Claude Picasso (15 de maio de 1947) - com Françoise Gilot
• Pomba Picasso (19 de abril de 1949) - com Françoise Gilot

Veja-se também

• Fundação Picasso. Museu Casa Natal (Málaga)
• Museus dedicados a sua obra no mundo
• Bateau-Lavoir

Referências

Licença

• Este artigo foi criado a partir da tradução do artigo Picasso da Wikipedia em francês, baixo licença Creative Commons Compartilhar Igual 3.0 e GFDL.

Bibliografía

• «On-line Picasso Project» (em inglês).
• Carl Gustav Jung, Picasso (1932), livro 9 do Volume 15 da Obra Completa: Sobre o fenómeno do espírito na arte e na ciência (Madri: Trotta, 1999 [3ª edição 2007]. ISBN 84-8164-342-4)
• Santiago Sebastián O Guernica e outras obras de Picasso : Contextos iconográficos, Editum: Edições da Universidade de Múrcia 1984 ISBN 84-86031-49-4
• Christian Zervos, Catalogue raisonné dês œuvres de Pablo Picasso, Paris, éditions Cahiers d'art, 1932-1978.
• Léo Steinberg, Trois études sul Picasso, coll. Arts et Esthétiques n° 9, Éditions Carré, 1996 ISBN|2-908393-44-1
• Élisabeth Lièvre-Crosson, Du cubisme au surréalisme, coll. Lhes essentiels n°20, Milan, 1995 ISBN|2-84113-272-2
• Picasso, Form und Graphik/Sammlung Ludwig Köln, VG Bild Kunst, Bonn, 1996, ISBN|3-930054-24-8
• Catalogue Musée Picasso de Barcelone, Editorial Escudo de Ouro, ISBN|84-378-0925-8
• Picasso par Ingo F. Walther chez Taschen, 2000, ISBN|3822861731.
• Fermigier, André (1969). Picasso, Lhe Livre de Poche, Série Art. Paris, Librairie Génerale Française. ISBN 2-253-02455-4.
• Palau i Fabre, Josep (1990). Picasso: Cubismo 1907-1917, Edições Polígrafa, pp. 532. ISBN 9788434306226.
• Penrose, Roland (1981). Picasso, his life and work, University of Califórnia Press, pp. 517. ISBN 0520042077.

Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga conteúdo multimédia sobre Pablo Picasso.Commons
• Wikiquote alberga frases célebres de ou sobre Pablo Picasso. Wikiquote

Museus e exposições

• Fundação Picasso, Museu Casa Natal
• Exposição "Picasso. Tradição e vanguardia" Museu do Prado e Rainha Sofía, Madri 2006 Inclui catálogo completo da exposição

Outros enlaces de interesse

• Lugar oficial da sucessão de Picasso (em espanhol)
• Picasso no Metropolitan Museum of Art de Nova York (em inglês)
• Pablo Picasso na Artcyclopedia, com enlaces a museus e exposições em todo mundo. (em inglês)
• Galleryofart: Pablo Picasso (em inglês)
• drasolt.com: Rei Picasso Excelente banco de imagens da obra do artista.
• masdearte.com: Pablo Picasso: Biografia
• Pablo Ruiz Picasso em museovirtual.org.
• Pablo Picasso: Touros desenhados com luz
• clarin.com: Pablo Picasso: o artista que fez do século XX uma obra própria
• Hª-da-arte-erotico.com: O nu na obra de Picasso

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